Le contraste d’une image correspond à l’écart de densité entre ses teintes les plus claires et ses teintes les plus sombres.
Rien à voir avec le fait que l’image soit claire ou foncée ! Si elle est à la fois l’un et l’autre, c’est qu’elle est contrastée.
La gamme de densités intermédiaires présentes dans l’image a son importance également : plus elle comprendra des tons intermédiaires proches des extrêmes (blanc et noir), et plus l’image sera contrastée.

Le summum du «non-contraste» serait donc une image presque grise, tandis qu’un contraste à son apogée correspondrait à une photographie composée entièrement de noir et de blanc.

GERER UN FORT CONTRASTE LUMINEUX LORS DE LA PRISE DE VUE

Le contraste d’une image dépend des circonstances de la prise de vue, en particulier de la quantité de lumière présente et de sa direction.

Une lumière très forte provoque des ombres très denses.
Ainsi, une photo prise à 15h mi-août sera plus contrastée que la même image prise en octobre.

De même, un contre jour crée un effet «silhouette» augmentant le contraste entre le fond lumineux et l’élément sombre qui se détache par devant.
En fonction de notre placement par rapport au soleil, notre image sera donc plus ou moins contrastée: certains éléments prendront plus ou moins de volume ou perdront leurs couleurs.

De nombreux paramètres de prise de vue influent ainsi sur l’image et son contraste.

Cet écart énorme en densités pose des problèmes au photographe.

En gardant un réglage standard, nous risquons fort d’obtenir des zones sombres “bouchées” (c’est à dire avec peu de détails lisibles) et des zones claires “surexposées” (on dit aussi vulgairement “cramées” : le blanc dévore l’image et la rend illisible). Résultat : rien n’est lisible dans l’image, aucune zone n’est bien exposée !

Lorsque la lumière est crue et violente, nous devons donc faire un choix : mettre en valeur les hautes lumières pour rendre les éléments de la zone claire bien lisibles, ou exposer pour les basses lumières, afin que les éléments présents dans les zones sombres soient identifiables.

On utilise pour cela la correction d’exposition. (J’ai évoqué ce réglage lors d’un récent article donnant des conseils pour photographier en basse lumière pendant les fêtes de fin d’année. Je vous conseillais de sous-exposer vos photos pour conserver du détail et des couleurs dans les zones lumineuses, ce qui réglait également en partie le problème du temps de pose)

La correction d’exposition correspond à une petite réglette que l’on peut afficher sur l’écran de l’appareil, graduée de -2 à +2, par tiers.
Attention ! Ce réglage n’est pas disponible en « mode vert ». Passez en mode P, Av ou Tv.
Par défaut, le curseur est à zéro, ce qui signifie que l’on ne souhaite ni éclaircir, ni obscurcir la photo.
 On choisit de déplacer le curseur vers les valeurs négatives pour sous-exposer la photo ou vers les valeurs positives pour sur-exposer la photo.

Récapitulons.
Dans un contexte avec un fort contraste lumineux,

- je souhaite m’intéresser principalement à ce qui se passe dans la zone claire quitte à basculer dans le noir complet certaines zones de l’image, à transformer certains éléments en simples silhouettes :
je sous-expose mon image (par exemple à -2) pour que la zone marquante de ma photographie ne soit pas surexposée.

Dans l’exemple ci-dessous, le ciel garde sa belle couleur et sa texture nuageuse grâce à la sous-exposition. Les éléments urbains sont transformés en silhouettes, ce qui ne pose pas de problème car ils sont bien lisibles.

- je souhaite m’intéresser principalement à à ce qui se passe dans la zone sombre quitte à blanchir et à faire disparaître certaines zones de mon image en contrepartie :
je sur-expose mon image (par exemple à +2) pour que la zone marquante de ma photographie ne soit pas sous-exposée.

Dans l’exemple ci-dessous, le contraste lumineux avait eu tendance, en réglage standard, à plonger la peluche dans l’ombre, ce qui rendait l’image peu lisible et non agréable au regard. La surexposition permet d’avoir suffisamment de lumière sur le nounours pour retranscrire cette scène tendre et anecdotique.

La technique appelée HDR (High dynamic range imaging : imagerie à grande gamme dynamique) permet, si on le souhaite, d’obtenir du détail à la fois dans les zones claires et sombres, mais nécessite de travailler sur pied et engendre parfois des images au rendu très peu naturel.
Il s’agit, ni plus ni moins (je caricature), de faire une vue sur-exposée et une vue sous-exposée (comme dans le cadre d’un bracketting violent), puis de les fusionner dans un programme adapté pour récupérer les zones qui nous semblent bien exposées dans chacune des images.

Cette technique peut être intéressante dans certains cas où le contraste est vraiment fort et où l’on ne souhaite pas choisir entre mise en valeur de la zone sombre ou de la zone claire… mais est plutôt à utiliser avec modération !

Ainsi, comme nous avons pu le constater, le contraste est à la fois notre meilleur allié et notre pire ennemi.

La lumière peut offrir à nos photographies fadeur ou agressivité, qui ne sont ni l’une ni l’autre souhaitables pour nos images.

Il est indispensable de savoir maîtriser la lumière à la prise de vue en nous positionnant par rapport à elle et en réglant correctement notre appareil photo afin d’obtenir, autant que possible, une image avec un bon contraste, c’est à dire allant du blanc au noir avec suffisamment de demi-teintes, de détails.

Nous avons fait rapidement de tour de l’influence du contraste lumineux à la prise de vue et des manières de le gérer.
Voyons maintenant ce qu’il en est au post-traitement.

MODIFIER LE CONTRASTE AU POST-TRAITEMENT

Les images produites par nos appareils numériques sont, le plus souvent, un peu ternes, grises.
Elle ont généralement besoin d’être contrastées.
Il est assez rare, finalement, qu’elles comportent à la fois du blanc ainsi qu’un «vrai noir».

Moins l’intensité lumineuse était forte au départ et plus l’image manquera de contraste.

Cela dit, le contraste souhaité pour une image est une notion tout à fait subjective.

Certaines personnes, dont je fais partie, aiment un contraste fort pour la majorité de leurs photographies avec des zones sombres bien noires, des zones claires presque blanches et des tons intermédiaires assez marqués (du gris assez foncé et du gris assez clair, mais pas trop de gris neutre).
D’autres apprécient les images au rendu plus doux, avec davantage de modelé, tout en demi-teintes.

De plus, il est bien évident que notre envie de contraste peut varier d’une photo à l’autre et d’une série à l’autre.

Le contraste peut être retravaillé sur la globalité de l’image ou par zone.
La première solution permet d’obtenir un contraste global fort avec des zones très sombres et d’autres très claires.

La seconde permet de chercher du détail dans chacune des zones de l’image (un peu à la manière du HDR, dans une moindre mesure).

Mais attention ! Vouloir trop de détails partout dans l’image risque de lui faire perdre sa dynamique globale.
Le travail de contraste sert aussi à focaliser le regard au bon endroit !
Dans certains cas, à quoi bon avoir beaucoup de détail dans une zone où il ne se passe pas grand chose, si cela n’apporte pas quelque chose à l’image ?

Au contraire, le travail de vignettage, par exemple, (il s’agit d’assombrir légèrement les bords de l’image) est un jeu sur le contraste qui permet de diriger le regard vers le sujet de la photo, ou tout du moins d’éviter qu’il ne s’échappe à cause d’un bord trop clair.
Casser le contraste d’un élément d’arrière plan est un bon moyen pour le neutraliser en partie, en diminuer l’impact.

Ainsi le travail sur le contraste nous permet de choisir ce que l’on souhaite dissimuler ou mettre en valeur. Il peut focaliser le regard à un endroit, et influencer le sens de lecture.

Ainsi telle ou telle manière de travailler le contraste est un choix à part entière pour une photo.

CONTRASTE ET EXPRESSIVITE… DONNEZ VIE A VOS PHOTOS !

Il nous permet même de modifier l’expression d’un visage tant il influence l’émotion ressentie devant l’image.
Choisir tel ou tel type de contraste, privilégier les teintes claires ou au contraire les tons sombres, laisser le noir ou le blanc envahir une grande partie de l’image… tout cela constitue une palette d’outils au service de l’émotion.
Peur, douceur, angoisse, sérénité… c’est parfois votre choix de contraste qui fera la différence !

Un contraste plutôt faible permet qu’aucune zone de l’image ne soit très claire ou très sombre. On joue davantage sur des densités proches, des demi-teintes.
En découle donc une impression de douceur, de sérénité.
Attention tout de même à ce que douceur ne soit pas synonyme de molesse !

Ce type de traitement est assez adapté aux atmosphères un peu fantômatiques, évanescentes.
Un faible contraste associé à des tons clairs donne même parfois une impression un peu paradisiaque… un côté… illumination !!

Un contraste très fort peut contribuer à créer une atmosphère inquiétante, évoquer la peur, l’agressivité.
Ce genre de traitement est adapté également aux photos graphiques car il met bien en valeur les jeux de lignes et les textures.
Un fort contraste rend l’image plus lisible, en accentuant les détails et la dynamique globale de l’image.

Ne trouvez-vous pas cela incroyable qu’un choix de réglage ou de post-traitement soit aussi primordial pour l’impact final de notre image que ces jeux de contraste ?
Comme quoi, l’instant décisif et la composition ne sont les seuls maîtres de nos photographies !

Concluons en disant que, comme toujours, ce sont nos choix qui feront la différence…
Travaillons le contraste sans avoir peur de tester, quitte à tomber dans les excès, afin qu’il soit, comme le reste, un moyen d’expression de notre subjectivité !