La végétation, matière première de nos photos nature, est globalement sombre. Elle est même souvent plus dense pour l’appareil que pour notre oeil, ce qu’il nous faut garder en tête pour éviter les problèmes d’exposition.
La végétation est également désordonnée. A l’opposé de nos lignes droites, des marquages dociles de nos villes, elle est faite de tiges enchevêtrées, de feuilles superposées, d’herbes folles et de buissons destructurés.

Le challenge du photographe, dans ce contexte, est d’organiser visuellement cet environnement naturel dans le cadre. Le contraste y joue un rôle essentiel ! C’est lui qui crée les lignes et les formes que nous pourrons agencer dans nos compositions : tronc de bouleau sur fond sombre ou écorce de chêne sur fond clair, insecte noir se détachant sur une feuille vert tendre, végétal dans la lumière au sein d’un sous-bois obscur… Utilisez les contrastes en densité pour guider l’oeil et dompter le chaos !

A l’échelle du paysage, comme la végétation est, nous l’avons dit, dense, la recherche d’éléments clairs constitue une formidable de stratégie pour réaliser des photos fortes et graphiques.

Barrières blanches, rochers clairs, chemins de cailloux, animaux d’élevage, ruisseaux ou flaques réverbérant la lumière, nuages ou soleil éblouissant crevant un ciel azur, bouleaux jalonnant le paysage… tout ce qui tranche et prend la lumière au milieu du vert sombre des forêts et campagnes est un bon outil pour diriger le regard dans vos paysages.

Et si, par temps de neige, vous « composiez en négatif » ?…
Car chaque météorologie, chaque orientation lumineuse, chaque association de végétaux, de minéraux amène un contraste spécifique. Quel qu’il soit, « pensez en densité » et écrivez vos photos en « blanc sur noir » et en « noir sur blanc »… Elles s’en ressentiront !

Mon précédent article, « B&W BZH » présente également de nombreux exemples de « compositions en densité ».

Les inconditionnels du site reconnaîtront sans doute le chemin en zig zag de la dernière image ; c’est l’un de mes sujets de prédilection du moment (capté en hiver, au printemps, sous la pluie, le soleil, dans la brume !!…) ! Vous le retrouverez sur la couverture de « Vivez, déclenchez, partagez ! La photo au quotidien ».

L’une des difficultés majeures de nos photographies urbaines ? Réaliser des photos structurées à la présence humaine « bien dosée » afin d’apporter lisibilité et attrait aux images réalisées dans la jungle de nos villes.

Je souhaite aujourd’hui vous faire partager la manière dont je réalise mes images urbaines. Ce n’est pas la seule démarche de prise de vue possible, évidemment, mais je trouve qu’elle permet d’obtenir des images bien composées, agréables à l’oeil avec une présence bienvenue. Cela vous tente ?

J’utilise tout simplement deux ingrédients : un décor et un passant.

 

 

RECHERCHE D’UN DECOR ET COMPOSITION

Notre environnement urbain est fait de plans successifs empilés à l’infini, de panneaux indicateurs et feux de signalisation en tous sens, d’une perspective difficile à gérer, de foules qui se croisent et se bousculent…

Aïe ! L’enjeu principal est donc d’éviter le désordre et de structurer l’image.

Voici ce que je vous conseille, dans un premier temps, pour sélectionner un bon décor potentiel.

 

ATTENTE D’UN PASSANT ET INSTANT DECISIF

Vous avez le décor ? Il vous faut donc à présent y ajouter l’élément-clé, le point fort, le surplus d’attrait que constitue l’humain afin d’apporter une dynamique à votre image et de lui donner vie.

> Technique de prise de vue :

- Choisissez un appareil discret.
- Apprivoisez le délai de réaction de votre appareil.
- Testez quelques variantes dans la manière d’intégrer le passant à l’image : temps de pose (passant net ou plus ou moins flou), cadrage (passant en entier ou présent uniquement par le bas ou le haut du corps) etc.

> Et le droit à l’image ?

Gardez en tête que vous AVEZ le droit de photographier les gens sur la voie publique.

C’est pour UTILISER les images réalisées que les restrictions s’appliquent mais elles ne sont généralement valables que si votre photo porte préjudice au passant, ce qui est peu probable.
Soyez ouverts à la discussion si quelqu’un vous reproche vos prises de vue (ce qui est tout de même, rassurez-vous, assez peu fréquent). Communiquez ! N’hésitez pas à rappeler vos droits à vos modèles impromptus mais s’ils insistent pour que vous supprimiez la photo et qu’elle n’est pas réussie, n’en faites pas une question de principe ! Simplifiez-vous la vie !

La première image de cette article prolonge un peu la partie de cache-cache photographique dans les champs. Avoir le soleil dans les yeux pour se laisse envoûter par le contre-jour, on ne s’en lasse pas même si cela éblouit !

Ci-dessus, à gauche, un seul oeil suffit à faire le regard et la timidité associée à l’attitude du jeune garçon justifie à elle-seule tous les visages masqués du monde !

En haut à droite, le geste donne davantage de tendresse à ce portrait et le rend plus original. Masquer en partie le visage de la petite fille met en valeur d’autres regards : ceux des créatures du tee shirt !

Sur la photographie ci-contre, je trouve que la composition centrée renforce l’absence de regard. Notre oeil cherche le sujet, tourne autour du centre de l’image pour s’accrocher finalement à la main, là où l’on s’attendrait à trouver un visage.

Vous aviez découvert la photographie ci-dessous en diptyque. Ce geste visant à dompter quelques mèches rebelles et ce regard saisi donnent à cette image une ambiance un peu « photo de mode », ne trouvez-vous pas ?

Il faut croire que je dois être sensible aux pâquerettes !!

L’année dernière, à la même époque, je vous suggérais de vous coucher dans l’herbe, vous rouler dans les champs pour voir la vie au ras des pâquerettes…

Cette année, je vous les présente en vue plongeante et j’ai bien envie de vous suggérer :
Pourquoi ne pas voir le printemps… en noir et blanc ?

Les fleurs sont par nature un sujet coloré. Elles sont donc trop rarement photographiées en noir et blanc !
Il est vrai que les tonalités vives des fleurs nous attirent l’oeil après le gris mélancolique de l’hiver, mais il serait dommage que cela nous aveugle sur la structure même de ces petits bijoux naturels !

Les fleurs sont passionnantes à observer, indépendamment de leurs couleurs.
Hauteurs de tiges variées, pétales disposés de manière régulière, pistils et étamines de toutes sortes, fouillis d’herbes, bord découpé des feuilles… tant de caractéristiques peuvent être mieux travaillées en noir et blanc avec un vrai parti pris graphique !

Jeux de lumière, de flous, de transparence, mise en valeur des formes, des textures… comme d’habitude, soyez créatifs !
J’espère que ces premiers exemples vous inspireront pour vos propres images.

Côté contraste, tous les coups sont permis !!
Noirs et blancs très marqués pour un effet visuel fort et une surenchère graphique assumée ou nuances de gris alliées au flou de profondeur de champ pour davantage de douceur dans ce monde de brutes… à vous de vous affirmer dans vos choix !

NB : Les photos présentées ici n’ont pas réellement été pensées en noir et blanc… Je pense qu’en réfléchissant ses images d’une autre matière dans une intention purement « noir et blanc », on peut obtenir des résultats encore plus étonnants, plus graphiques… affaire à suivre ! ;)

Et vous, comment photographiez-vous les fleurs en noir et blanc ?

N’hésitez pas à réagir photographiquement en m’envoyant vos images et/ou en les mettant en ligne sur votre blog !
Vos images seront postées dans les commentaires de l’article.

En cas d’envoi, pensez à redimensionner l’image de manière à ce qu’elle fasse 650 pixels sur le plus grand côté.
Une seule photo par personne ! ;)
( alj [arobase] annelaurejacquart [point] com )

Eh bien, il est temps d’y venir !

Car photographier la féérie de Noël, se gaver de lumières étincelantes et les retranscrire en images, ce n’est pas une sinécure !…

Voilà quelques informations techniques et pratiques qui seront, je l’espère, utiles pour ceux qui ont peur de rater leurs photos à Noël.
Vous trouverez également quelques idées et conseils pour réaliser un reportage varié et marquant de ces fêtes de fin d’année.

Hop ! Suivez le guide.

Commençons par le côté rabat joie de l’affaire : l’aspect technique.

Ce qui suit sera sans doute bien superflu pour certains d’entre vous… n’hésitez pas à lire en diagonale si vous maîtrisez déjà ces notions parfaitement ! Il me semblait cependant utile de donner quelques informations techniques précises, en particulier sur la photographie en basse lumière. Pour effectuer les réglages nécessaires, n’hésitez pas à vous reporter au mode d’emploi de votre appareil !

INFOS TECHNIQUES :

En cette saison, la nuit tombe à 17h, et c’est à ce moment que tout devient le plus joli… quand les étincelles électriques de nos guirlandes nous font oublier le manque de lumière solaire.

Et, question technique, pour photographier dans le noir, il ne suffit pas de bien cadrer et d’appuyer sur le bouton… Quelques réglages s’imposent.

PHOTOGRAPHIER EN BASSE LUMIERE :

- Règle n°1 : Désactivez, si possible, le flash !

Je vous poste pour l’occasion un petit comparatif [avec flash / sans flash] afin de vous montrer quels ravages fait cette petite lampe agressive et blafarde dont on affuble nos appareils photo.
Hum ! Lumière chaleureuse ? Féérie ? Ambiance intimiste ? Tout cela est anéanti par l’éclair du flash qui remplace la magie du moment par une image plate et peu avenante, pleine d’ombres disgracieuses.
Réglez lui son compte !!

(le paragraphe suivant peut être allègrement passé par les photographes vaguement avertis.)

Pour faire cela, et bien que je sois loin de connaître tous les modes d’emploi des appareils circulant sur le marché, il est impératif de ne PAS être en mode « vert » car il s’agit du mode où l’appareil fait ce qu’il veut.
Par conséquent, dans ce mode, s’il veut mettre le flash, il l’utilisera, ne nous en déplaise !

Passez donc en mode « P » si possible.

Il est probable que le flash vous laisse enfin un peu tranquille en basse lumière, car avec un réflex par exemple, c’est vous qui choisissez où non de faire sortir le flash. Infos utile : le réglage du flash est symbolisé par un petit éclair. Ainsi, sur un compact, si vous arrivez à obtenir un éclair barré, le tour est joué ! Vous avez vaincu votre premier ennemi. (Dans tous les cas, n’hésitez pas à réviser votre mode d’emploi !)

- Voilà que surgit un nouvel ennemi, aussi redoutable que le précédent… le flou !

Sans flash, l’appareil a vite fait de vous proposer des temps de pose supérieurs au quart de seconde, ce qui est loin de nous aider à réussir nos photos.

Pour augmenter vos chances d’obtenir un temps de pose plus standard, modifiez deux réglages : la sensibilité et la correction d’exposition.

(Photographes avertis, passez votre chemin, sous peine d’ennui !!)

Il est important, lorsque l’on manque de lumière de changer la sensibilité ISO. Il s’agit d’une variable allant généralement de 100 à 1600 (ou de 50 à 3200 voire au delà pour les photographes de l’extrême). A haute sensibilité (Si vous passez à 400, 800, voire 1600 ISO), le capteur de l’appareil engrange plus de lumière (il est plus « sensible »). Le revers de la médaille (on n’a malheureusement rien sans rien…) : la qualité de la photo baisse, le « bruit numérique » est de plus en plus présent.

Le tout est de trouver une valeur qui ne dénature pas trop la photo tout en nous permettant d’éviter l’agressivité du flash et l’aspect désagréable du flou. Choisissez dans un premier temps 400 ISO puis montez à 800 voire 1600 si c’est nécessaire.

Un autre paramètre peut vous permettre de limiter les risques de flou : la correction d’exposition.

En effet, nous sommes en train de photographier dans une pièce sombre, certaines parties de l’image sont même sans doute dans l’obscurité. L’appareil a peur du noir, il va essayer de trouver du détail dans ces zones quitte à surexposer méchamment vos luminions, faire disparaître les couleurs des guirlandes, et flouter votre photo.
Pourquoi ne pas signaler à notre appareil « cette photo va être un peu sombre, et c’est normal ! » ?! C’est tout à fait possible.
Pour cela, on utilise la correction d’exposition (A nouveau, oubliez le mode « vert » avec lequel aucun réglage n’est possible !).

Il s’agit d’une petite réglette que l’on peut afficher sur l’écran de l’appareil, graduée de -2 à +2, par tiers. Par défaut, le curseur est à zéro, ce qui signifie que l’on ne souhaite ni éclaircir, ni obscurcir la photo.
Pour garder des noirs bien noirs et limiter les risques de flous, déplacez le curseur vers les valeurs négatives. Essayez -1 puis affinez le réglage en fonction de l’éclairage disponible, de la surface de la zone sombre dans votre photo.
C’est cela qu’on appelle « sous-exposer » une photo.

Bien entendu, pour que la photo soit jolie, il faut qu’aux zones sombres répondent de belles lumières, des zones bien éclairées.
Cadrez en fonction des zones lumineuses et répartissez les harmonieusement dans l’image : ce sont vos sujets !

- Pour terminer sur ce thème, pour éviter le flou, rien de tel que l’immobilité ! Au pire, appuyez-vous contre un mur, un montant de porte, calez vos coudes sur la table. Ne photographiez surtout pas à bout de bras, au contraire, tenez l’appareil contre vous pour plus de stabilité. Retenez votre respiration et déclenchez. Si le temps de pose est limite, faites plusieurs vues. L’une d’elle sera sans doute plus nette que les autres. Faire une bonne image à main levée au 1/8ème ou 1/4 de seconde, c’est possible avec un peu de concentration et d’entraînement.

Autre méthode, poser l’appareil, mais cela laisse bien peu de liberté de cadrage. Il faut caler l’objectif pour obtenir le bon angle…

Autre possibilité, le trépied ! Pas toujours facile à gérer, il réduit notre liberté de mouvement mais assure la netteté de l’image. Parfait pour les photos d’ambiance que l’on a le temps de préméditer. (dans ce cas, n’oubliez pas de régler à nouveau votre sensibilité à 100 ISO, et de choisir librement votre vitesse et votre diaphragme.)

LA BALANCE DES BLANCS

Eh bien, suite à mon dernier post présentant quelques photographies de Noël, je pensais vous donner quelques indications plus précises sur la balance des blancs afin que vous puissiez faire votre choix de rendu.

Mais le test de balance des blancs que j’ai fait avec mon EOS 30D me m’a pas du tout convaincue.

En réglant la balance sur « lumière électrique » (réglage symbolisé par une petite lampe à ampoule), on obtient une image aux tonalités, non plus jaune orangé chaleureux, mais vertes ! Et je ne sais pas vous, mais faire des images de Noël dans les tons verdâtres glauque, cela ne me branche pas vraiment…

J’en conclus qu’il est peut-être bien superflu de se préoccuper de la balance des blancs à la prise de vue, surtout si l’équilibrage des couleurs de votre appareil n’est pas convaincant.

Si vous utilisez un réflex, photographiez en raw ! Vous pourrez ainsi facilement choisir la tonalité de votre image au moment de son « développement » raw.

Voilà les quelques images test peu ragoutantes que je vous propose avec la charmante participation d’un de nos produits du terroir : le camembert !
Première image en balance des blancs non réglée, seconde en réglage « lumière électrique »…
La troisième version est ce que j’ai réussi à obtenir manuellement avec un réglage de balances des couleurs dans un programme de « dérawtisation » et de retouche.
J’ai souhaité choisir un sujet « alimentaire » car c’est dans ce cas qu’une tonalité trop marquée est absolument rédhibitoire pour une image.

QUELQUES CONSEILS CREATIFS POUR PHOTOGRAPHIER A NOËL

Noël est un sujet en or de par ses traditions et les décorations qui l’accompagnent.
Voici quelques idées pour traiter ce sujet au mieux, quelques conseils pour bien rendre en images ce que vous aurez sous les yeux et pour réaliser des images marquantes de cette fête traditionnelle et familiale.

- Jouez avec les détails.
Dans cette atmosphère de fête, chaque petit élément a son importance : texture du sapin et des guirlandes, santons, décorations traditionnelles, vaisselle fine, couverts en argent, pâtisseries.
Approchez-vous au maximum de ces détails si votre appareil le permet ! (possesseurs de compacts, optez pour le mode « fleur » !)

- Exploitez les reflets !
La profusion de lumières à Noël est exacerbée par tous les éléments réfléchissants qui se trouvent dans nos maisons : vitres, verres, vases, vaisselle, bougeoirs, carafes… Chacun sera parsemé de centaines d’étincelles, reflets de nos innombrables guirlandes et bougies.
Jouez la féérie !

De plus, les boules de Noël sont souvent très brillantes et peuvent permettre des images amusantes par des jeux de miroirs déformants… et colorés !
Difficiles à saisir à main levée, ces photos peuvent être faites au trépied.
Mais n’espérez pas passer incognitos ! Ne pas se refléter soi-même ainsi que son pied photo est quasiment mission impossible !!

- Photographiez les lumières en faible profondeur de champ !
Les guirlandes lumineuses constituent un formidable arrière plan car dans notre atmosphère en clair obscur, elles permettent d’agrémenter l’image de tâches colorées du plus bel effet.

Le flou apporte un côté mystérieux et rêveur à l’ambiance. Il retranscrit la vision d’un oeil ensommeillé à 1h du matin pendant le réveillon de Noël !
Visuellement, il crée un modelé, accentue l’effet de profondeur et permet d’agrandir les zones lumineuses (une lampe de guirlande nette n’est qu’un petit point lumineux alors que la même lampe, rendue floue par une faible profondeur de champ occupera une plus grand surface lumineuse et colorée).

- Utilisez le décor de la maison !
Noël est une fête de famille, et nombre d’entre nous serons chez nos parents ou grands-parents pour les fêtes. Et là bas, il n’y a pas que du ik*a !!
Si la cuisine est remplie de vieux ustensiles, que les meubles sont pâtinés par le temps, que la vieille crèche est sortie, et que Grand-Papa a toujours son vieux fauteuil d’antan, profitez-en !
Ce décor nous est familier, et nous ne pensons pas assez à le prendre en photo. Associés à l’aspect traditionnel de Noël, ces éléments de décor peuvent être un atout décisif pour nos images !

- Jouez au reporter ! Noël ne commence pas le 24 décembre à 20h quand tout est fin prêt ! Suivez les coulisses de la fête, témoignez de l’envers du décor ! Photographiez les apprentis pâtissiers en cuisine, les décorateurs empêtrés dans leurs guirlandes, le chat qui joue avec les boules de Noël, les sacs remplis de cadeaux alignés dans le couloirs, etc. De même, pendant ou après la fête, photographiez à la fois l’euphorie et la fatigue, les réjouissances, et les moments de flottement.

Un ado, bonnet de Noël sur la tête, avachi dans le canapé, les yeux remplis de sommeil? C’est LA photo à ne pas rater !

Cette petite liste est loin, bien entendu, d’être exhaustive, et chacun doit adapter son approche en fonction du lieu et des habitudes familiales.
Photographier le froid, la gourmandise, la joie des retrouvailles, le plaisir des cadeaux, c’est aussi photographier Noël ! Engrangez large, afin de ne pas perdre une miette des moments magiques et authentiques spécifiques à la fête de Noël!

Je vous souhaite de très BONNES FÊTES DE NOËL à tous ! :)

J’entends par “portrait” la photographie d’une seule personne. Il s’agit d’une prise de vue du haut du corps (buste, visage). Le portrait a pour but de caractériser une personne.

 

L’article technique d’aujourd’hui traite donc du portrait.

Comme vous l’aurez peut-être remarqué, ce n’est pas mon sujet de prédilection !
J’en fais quand la situation se présente, mais ce n’est pas le sujet qui m’attire a priori.
C’est justement pour cela qu’il me semble intéressant d’écrire cet article, après une réflexion qui m’a permis de comprendre (en partie) mes réticences au sujet du portrait et m’a conduit à en faire davantage.

 

UN SUJET HUMAIN

Tout d’abord, d’un point de vue purement humain, ce qui m’empêchait de travailler davantage le portrait, c’est, tout simplement, …. la timidité.
La réticence qu’a la plupart des gens à se faire prendre en photo n’y est pas non plus étrangère !
En résulte une sorte de gêne qui ne facilite pas vraiment les choses …

De plus, je n’étais pas tentée, a priori, par les photos posées. Or le portrait spontané peut rapidement devenir synonyme de portrait volé, bâclé, quand timidité et discrétion nous empêchent de vraiment approfondir notre photo.
Résultat : une image tout à fait moyenne et ce sentiment persistant de gêne qui ne motive guère à travailler le portrait !

Sur ce point, je me sens évoluer ces temps-ci : j’ai envie des regards plus que je ne les redoute, j’assume davantage mon statut de photographe et je me rends compte que de nombreuses personnes se laissent photographier de bonne grâce !
Cela m’intéresse à présent de travailler le portrait dans un contexte mi-posé mi-spontané, qui constitue un bon juste milieu pour des résultats optimaux.

Mes prises de vue avec Julie (Moment glamour et Course poursuite en forêt) m’ont aidé à prendre confiance en moi , m’ont permis de prendre plaisir aux échanges de regards, à l’interaction que permet cette discipline, à la dimension sociale qui y mène et en découle.
C’est cet échange qui fait finalement tout le charme du portrait !… surtout dans le cadre d’un métier aussi solitaire que celui d’Auteur-Photographe freelance.

Je déduis de cette première réflexion que pour réussir de bons portraits, il est nécessaire :
- de savoir mettre de côté sa timidité pour aller vers l’autre
- de se laisser porter par les propositions de son modèle, ne pas le faire poser, mais le laisser être !
- de rechercher une véritable dimension humaine lors de la prise de vue. Celle-ci se retrouve par la suite dans nos images : regards complices, véritable collaboration, modèle qui s’oublie, qui lâche prise …

Bien entendu, les meilleurs modèles que nous puissions trouver sont nos amis, les membres de votre famille, s’ils ne sont pas réticent à la réalisation de portraits.
A nous, alors, de savoir aller au delà de la simple photo souvenir et de traiter ces sujets qui nous sont familiers de manière résolument artistique. Chez certaines personnes, une mèche de cheveux caractéristique, quelques tâches de rousseurs, des lunettes à forme originale, un nez qui induit un profil particulier seront les points sur lesquels s’appuyer pour un portrait révélateur.

L’ambition du portrait n’est-elle pas, ni plus ni moins, que de laisser entrevoir un bout d’âme ?!

 

UN ECUEIL A EVITER, LA PHOTO D’IDENTITE

Le second point qui rendait difficile, pour moi, la réalisation de portraits était la crainte de tomber dans la photo d’identité. Je pense que j’avais du mal à discerner ce qui différencie un bon portrait d’un mauvais…
Moi qui suis tellement réceptive aux lignes graphiques, je me sentais moins à l’aise avec des sujets “naturels” : paysages, portrait, qui me semblaient bien peu structurés.

Le fait de se précipiter par gêne ou timidité ne faisait qu’empirer mon aveuglement devant les lignes courbes, les volumes, les possibilités esthétiques qu’offre un visage.

Alors, qu’est-ce qui différencie, finalement, un assez bon portrait d’un cliché tout juste bon à servir de photo d’identité ?!
Pour moi, c’est avant tout une question de cadrage et d’expression.
Un cadrage centré, la tête en entier, les mains hors du champ, l’expression assez neutre sont caractéristiques de la photo d’identité.

Changez un de ces paramètres et vous verrez la différence ! Changez les tous, et vous obtiendrez un excellent portrait ! (Eh oui, cela ressemble à une recette !… mais ne vous méprenez pas, aucune recette ne vous rendra bon cuisinier !)

- Personnellement, je suis une adepte du front coupé. Un tel cadrage permet aux yeux de se placer presque automatiquement au tiers haut de l’image, ce qui renforce le regard et nous éloigne définitivement de l’identité.

- Le fait de décentrer le visage dans l’image induit également une composition plus forte et permet au regard, lorsqu’il n’est pas dirigé vers l’objectif, de ne pas buter sur le bord de l’image (il faut alors placer davantage d’espace du côté où se dirige le regard)

Voilà les deux notions essentielles en ce qui concerne le cadrage.

Pour ce qui est de l’expression, le challenge est de rendre la photo attachante, de lui donner une dimension humaine forte.

- Bien entendu, le fait de savoir saisir une mimique de votre modèle, un regard appuyé, un moment de spontanéité sera déterminant pour la qualité de votre image. 

N’hésitez pas (surtout si vous travaillez en numérique) à déclencher plusieurs fois de suite : il serait dommage de voir tous vos efforts réduits à néants par un clignement d’yeux, une moue inesthétique ou un léger flou !

- Enfin, à moins qu’il ne s’agisse d’un plan très serré, la présence d’une main dans le champ peut être un réel plus pour votre image : le geste apporte une expressivité supplémentaire. En s’associant au regard, il induit une composition plus complexe et donc plus intéressante par l’ajout d’un point fort (notre regard ira alors de l’oeil à la main en parcourant l’image).

 

QUELQUES CONSEILS TECHNIQUES ET PRATIQUES POUR METTRE TOUS LES ATOUTS DE VOTRE COTE

Pour certaine d’entre vous, ces conseils ne feront qu’enfoncer des portes ouvertes mais cela ne fait pas de mal de se rappeler que ce qui nous semble évident ne l’est pas toujours pour tout le monde !

- Ne négligez pas le format vertical qui est souvent le plus adapté. l’humain est un sujet vertical ! Les yeux se placent mieux et l’image est souvent plus harmonieuse en vertical.

Le format horizontal peut être utilisé au contraire dans le cadre d’un portrait plus rapproché, ou intégrer davantage d’arrière plan dans l’image.

- Pensez à l’option “noir et blanc” qui convient à de nombreux portraits. C’est un premier point qui peut rendre plus fort un regard et nous éviter d’épineux problèmes de colorimétrie de la peau.

- Evitez le grand angle qui risque de déformer le visage de votre modèle.

- Utilisez une faible profondeur de champ (diaphragme très ouvert : nombre petit) afin de rendre l’arrière plan bien flou. Ainsi, il ne perturbera pas la lecture de l’image.
Quand cela n’est pas possible, pensez à placer le visage sur un fond uni afin qu’aucun élément de l’arrière plan n’affecte la lisibilité de l’image ni de semble surgir de la tête de votre modèle !

- De manière générale, choisissez les yeux comme point focal (faites la mise au point sur les yeux). Ils seront le point fort de notre image.

- Parlez à votre modèle !
Ne le laissez pas penser à son image, s’angoisser de sa coiffure, prendre une pose figée !
Faites le rire, décontractez le, racontez-lui une histoire, suggérez des poses ou des mouvements.

- Soyez vigilant en continu, même quand vous n’avez pas l’appareil devant les yeux.
C’est souvent quand votre modèle pense qu’il a un moment de répit, que vous ne faites plus attention à lui, qu’il se relâche et permet le portrait le plus réussi !

- Pour photographier un enfant, vif, rapide et intenable comme chacun le sait (!), accroupissez-vous pour être à sa hauteur et préférez les prises de vue en extérieur.
La luminosité étant meilleure, vous pourrez travailler à un temps de pose suffisant (vitesse rapide) pour éviter les flous et espérer avoir votre sujet sur l’image … dans la pose que vous aviez repérée !!
N’ayez pas peur de gâcher de la pellicule … virtuelle !

 

 

OSONS LE PORTRAIT CREATIF !

Le portrait est un sujet classique, mais que l’on peut traiter de manière originale !

Demi-visage, portrait sans regard, mise au point inattendue, association avec un élément intéressant de l’arrière plan, très gros plans, visage se détachant en contre-jour, regard dissimulé par une mèche de cheveux, vue de dos, flou de mouvement … de nombreux choix inattendus permettront à vos portraits de sortir de l’ordinaire !

J’espère que ces exemples vous donneront des idées lors de vos futures prises de vue !

Pour conclure, le portrait n’est pas un sujet aussi facile que l’on croit, mais c’est loin d’être un sujet ingrat : l’humain est le thème qui nous intéresse le plus, pauvres petits égocentriques que nous sommes ! …

Ainsi, vos photographies de portraits ne subiront pas l’indifférence et seront sans doute très appréciées, si vous savez comment procéder !

Remarque préalable :
N’hésitez pas à agrandir les photos en cliquant, afin de mieux voir les illustrations de cet article technique.

Au vu du temps superbe dont le ciel nous a gratifié cet été et de l’automne qui s’annonce, je vous propose quelques idées et astuces techniques pour photographier par temps de pluie.

Je ne vous apprendrai rien en disant que ce qui caractérise le temps pluvieux, c’est … l’eau !
Et mis à part le fait que l’eau, ça mouille (!), en particulier notre objectif, nos cheveux, nos chaussures, on peut dire que cela peut être plutôt une aubaine.

L’eau est un sujet très intéressant en photographie.

AVANT OU PENDANT L’ORAGE :

Le ciel s’assombrit, créant une atmosphère tout à fait particulière.
Voyez le bon côté des choses ! Cet orage, qui vous a surpris pendant la balade, vous garantit de ne tomber en aucun cas dans la carte postale !
Ambiance nostalgique, voire dramatique assurée, surtout si le ciel est bien sombre… En noir et blanc bien sûr !

PENDANT L’ORAGE :

La pluie crée un rideau d’eau entre le photographe (de préférence abrité) et le sujet. Malheureusement, elle est difficilement visible sur l’image, sauf dans des conditions de lumière particulières et lorsqu’elle est très dense.
On utilise donc des artifices pour évoquer l’orage.

L’astuce classique consiste à se placer derrière une vitre (de plus,vous serez mieux abrité !).

En fonction de l’inclinaison de la vitre (s’il s’agit, par exemple d’une fenêtre ou d’un pare-brise), de la force de la pluie, l’eau peut créer des effets variés et intéressants : gouttes bombées ou écrasées, mur d’eau, coulures en tous genres…

Le paysage apparaît parsemé de perles, ou complètement déformé par l’eau.
Les effets graphiques obtenus peuvent être particulièrement originaux.

Les jeux de mise au point et de profondeur de champ permettent des variantes intéressantes (d’une goutte floue, il ne reste plus que l’aspect déformant, ou le spot lumineux)

Ayez en tête également … la “photogénie” du parapluie !
Même si ce n’est pas un sujet directement lié à l’eau, il est notable par temps pluvieux et riche en possibilités photographiques.

Graphique, coloré, symbolique, c’est un sujet qui est souvent porteur d’images fortes.
Vus de haut (eh eh !), les parapluies sont vraiment bien mis en valeur.

APRES L’ORAGE :

N’hésitez pas à sortir dès que la pluie s’est calmée.
Le temps est bien nettoyé, et, surtout si l’orage était assez violent, ce moment est propice à de superbes lumières.

L’aspect « perles de rosée » met parfaitement en valeur les surfaces.
C’est une jolie plus-value qui permet de prendre des choses assez simples (un capot de voiture, une plante…) avec un joli rendu, brillant et parsemé de gouttes.

L’effet « miroir » des flaques d’eau n’est absolument pas à négliger après la pluie. Les reflets sont un de mes pêchés mignon, c’est pourquoi je ne peux que vous encourager à exploiter leurs propriétés rêveuses et mystérieuses.
Entre sol mouillé ou complètement inondé, les rendus sont différents, mais tout aussi exploitables.

Simple réflexion du ciel ou de lumières, ou reflets d’éléments du décor ou de passants, les possibilités d’images sont multiples et peuvent donner des résultats particulièrement créatifs.

Notons que l’eau et la lumière font très bon ménage !

Ainsi, la nuit et ses éclairages urbains nous offre un moment privilégié pour profiter des effets de réflexion créés par l’eau. La lumière des réverbères, enseignes, loupiotes en tous genres sera démultipliée par les gouttes d’eau.

Pour conclure, même si l’on grince souvent des dents à la vue d’une météo maussade, les temps pluvieux ne sont pas incompatibles avec la réalisation de bonnes photos, loin de là !
Ils sont gages d’originalité, de possibilités photographiques décuplées, de créativité !

A vos boitiers !