Voici l’une des images présentées lundi pour le comparatif sur la lumière, dans sa version couleur.
Il s’agit de la version définitive de cette image, réalisée avant d’envisager de vous présenter le comparatif des densités, en noir et blanc.

Sans cet article préalable, certains d’entre vous, sachant que je fais généralement un travail assez poussé au niveau du post-traitement, se seraient sans doute écrié, devant cette image : « C’est la retouche qui fait tout ! ».
En effet, devant ce contraste fort, cette fumée lumineuse, ce rendu impressionnant, on a tendance à penser que cette vision n’est pas réelle et qu’il y a beaucoup de « trafiquage » là-dessous.

En fait, il y en a très peu.
Juste un bon boost du contraste, c’est vrai (n’oubliez jamais de tester un contraste fort sur vos images !).

Mais est-ce cela qui crée la couleur indigo du ciel, l’impact visuel de cette fumée blanche sur ce ciel noir ? Bien sûr que non !
Si vous avez consulté mon article précédent, vous savez que le contraste n’a fait que renforcer le travail de prise de vue mais ne pouvait pas rendre blanche une fumée qui serait apparue noire à l’origine, que ce bandeau de lumière ne pouvait en aucun cas être le fruit d’un post-traitement !

La retouche en contraste est une pincée de sel sur vos photographies.
Sans celui-ci, le repas est insipide. Mais est-ce lui qui fait le plat ? Surement pas !

Cuistots photographes, choisissez bien vos ingrédients, ne pensez jamais que l’assaisonnement fait tout… mais n’oubliez pas le sel !

J’ai décidé de vous présenter les étapes de retouche de la photographie, « Glowing city« , dont la version définitive a été présentée hier, et de vous donner quelques explications sur ma démarche et sur les processus techniques mis en oeuvre.

Attention, cet article ne constitue pas un tutoriel !
Il ne s’agit pas là d’une méthode à suivre mais d’un partage d’expérience sur la retouche d’une image.
L’ordre des actions est tout à fait personnel et peut varier selon les photos.
Ma manière de retoucher n’a en aucun cas été validée par un quelconque et hypothétique comité Photoshop !!

La suite de mon texte est rédigé au présent car j’ai vraiment écrit cet article en retouchant l’image. Au moment où j’écris les lignes ci-dessous, ma photo n’est pas encore retouchée et son rendu final n’est que suppositions.

Le résultat de chaque étape décrite est présenté sous le texte correspondant.

 

Je choisis cette image, prise à Nantes il y a quelques semaines et que je n’ai pas encore eu le temps de retravailler.
En faisant cette prise de vue, j’avais déjà en tête le rendu flamboyant que je voulais donner à cette photo.

J’avais aussi en tête les couvertures de roman que je réalise ; débouché qui explique en partie avec cette composition verticale qui laisse la place au ciel et, sans doute, à un titre.

 

Nous voilà donc dans le processus de retouche.

J’aime le rendu orangé de la ville de nuit…
Je pense donner à cette image un aspect « ville incandescente », peut-être dans une optique assez science fiction façon « la fin du monde est proche » (!).

Début de la retouche, je commence à contraster globalement et par zone afin de faire ressortir l’effet lumineux.
Au niveau technique, je crée des calques pour augmenter la luminosité ou assombrir l’image par zones.

L’image devient plus vive même si je n’ai pas touché aux couleurs car contraster une photographie augmente naturellement sa saturation.

J’entreprends de travailler mon image avec une texture pour lui donner de la matière, du mouvement et une ambiance plus forte.

Cette texture est une photo du sol de mon parking.

J’utilise deux fois la même texture avec des modes de fusion différents.

Les effets sont retravaillés par zones pour accentuer ou réduire l’impact de la texture à tel ou tel l’endroit de l’image.

Il me semble que l’aspect incandescent que j’avais en tête commence à venir.
Avec cette texture, on croirait presque à des projections de lave !!

La couleur dévore un peu trop l’image à mon goût tout de même, j’éclaircis donc un peu le rouge et le jaune ce qui rend mon image légèrement moins sombre et mes couleurs moins vives.

La texture semble avoir obscurci mon image. Aussi, je rajoute un peu de luminosité et je rends le jaune à nouveau plus lumineux et moins vif.

Je retravaille la balance des couleurs afin de rendre l’image un peu plus rouge et ainsi moins « fade » que dans les tons orange.
Je recontraste légèrement les deux buildings principaux de la photo.

Je recadre la photo de manière à couper dans l’arbre le long du bord droit du cadre. Ainsi, l’image finit vraiment par un bord noir à cet endroit.

Ma dernière étape de post-traitement consiste à prendre du recul sur les effets obtenus et, généralement, à les atténuer légèrement pour ne pas obtenir une image trop artificielle.

Il est très important de toujours comparer son image avec la version d’origine ou les versions précédentes afin de vérifier que l’on ne perd pas l’esprit de l’image, qu’on ne la dénature pas.
D’un autre côté, mettre en regard la version d’origine et la version retouchée est toujours assez « terrifiant », ainsi il est essentiel également de savoir se détacher de la réalité pour se laisser porter par la fiction.

Il m’est souvent plus facile d’y aller « franco » puis de revenir un peu en arrière (par la modification de l’opacité des claques et l’utilisation de la gomme). Être trop timide au départ est moins probant artistiquement parlant et donne des résultats plus « légers », moins affirmés.

 

Je décide donc de « fondre » mon résultat retouché dans la version d’origine afin de réduire l’impact du contraste et de la texture.

Enfin, pour terminer ma retouche, je retravaille le grain et j’accentue légèrement en utilisant « netteté optimisée« .
J’assombris également quelques éléments gênant dans le noir en haut et en bas de la photo.

A ceux qui pensent que je suis une affreuse « grugeuse », je vous invite à rejeter un oeil à mon article « la retouche, un acte superflu ? »…

Bien entendu, j’ai choisi ici, pour le plaisir de la démonstration, une photo qui se prêtait à un travail de retouche assez poussé, mais rassurez-vous, toutes mes images ne bénéficient pas d’un post-traitement aussi lourd !

 

Il n’y a aucune raison que la retouche soit mal vue en photographie.
Est-ce que l’on reproche à un cinéaste ses effets spéciaux ?

La photographie n’est PAS, par nature, un outil journalistique de témoignage.
Elle est ce qu’on en fait.

Ainsi, les effets spéciaux nous sont plus que permis s’ils sont crédibles !
Je n’ai aucun scrupule à retravailler mes images car je revendique haut et fort que je ne suis pas là pour montrer bêtement ce que nous avons tous les jours sous les yeux. Cela n’a aucun intérêt !
Je propose des visions subjectives, émotionnelles, expressives.
Je raconte les histoires en image, fait de la poésie parfois, ou de la « captation cinématographique ». La retouche, la création d’effets spéciaux (en mode système D, c’est ce qui me plait) fait partie de mon expression comme la magie fait partie intégrante des romans d’héroïc fantasy.

J’espère que cette photo vous aura fait rêver, vous aura apeuré peut-être, intrigué, vous aura plongé dans une situation que vous n’avez pas vécue voire qui n’existe pas !
Si c’est le cas, je dis « challenge relevé » ! ;)

 

Dans le cadre des cours de photo à distance que je propose, certaines personnes m’ont demandé un suivi orienté retouche, ce que j’ai accepté avec plaisir pour leur faire partager l’expérience que j’ai acquise à ce niveau en ce qui concerne la technique de retouche « classique » et les « trucs » de post-traitement créatif.
Si vous êtes intéressés par un tel suivi, n’hésitez pas à me contacter !

Cependant, l’objectif d’un suivi post-traitement ne peut être que je vous apprenne à « retoucher comme moi ».
Je peux vous enseigner des outils, des méthodes et vous aider à déterminer quel rendu vous souhaitez pour vos images mais ma pédagogie vise toujours à vous aider à vous épanouir photographiquement et non à vous donner des trucs pour faire comme quelqu’un d’autre.

A ceux qui souhaiteront tenter l’expérience, j’espère de tout coeur arriver à vous aider à trouver votre propre méthode de retouche à partir des « pièces détachées pratiques » que je vous aurai fournies !

 

Le post-traitement est comme notre manière de photographier.
Il nous est personnel et nous aide à mettre notre « patte » dans nos images, à définir notre style.

Et vous, quel est le vôtre ? :)

J’aime travailler la matière.
La texture, le relief, c’est ce qui crée la plus forte accroche visuelle.

Bien sûr, un bel uni bien propre est passionnant également à travailler.
Cependant, cela n’a pas le même charme que la recherche d’une texture qui contribue à donner un aspect expressionniste à nos photographies.
Sur une surface trop lisse, notre regard glisse !
Une prise en compte de la matière, éventuellement mise en valeur par un contre-jour, un travail de contraste, un angle de vue bien choisi, permet par contre au regard de fouiller le moindre recoin de l’image, à la recherche d’un effet de texture qu’il n’avait pas encore remarqué, d’un petit défaut bien maitrisé, et tout à fait appréciable.

Je préparais les illustrations de mon futur (et déjà célèbre !!) article sur la cohérence de couleurs quand je suis tombée sur cette photo datant de février 2005, assez adaptée au sujet. Mais alors, pas question de vous la présenter comme cela ! Cette image, pourtant considérée à l’époque comme aboutie, je la trouve à présent tordue, bancale et bien peu rigoureuse.
Ni une ni deux, je l’ouvre, effectue une rotation, une torsion, un recadrage (ainsi que quelques autres bricolettes que les plus attentifs d’entre vous remarqueront sans doute)… et voilà le travail !
Prête pour la mise en ligne !

J’avoue être toujours aussi impressionnée par ce genre de comparatif.
Avant / Après … presque une transfiguration non ?!
C’est incroyable le gain visuel que l’on peut obtenir avec un peu d’attention à la prise de vue et au post-traitement. On aurait tort de préférer la fainéantise, non ? ;)

 

Quelques conseils en passant. :)

En ce qui concerne la vigilance à la prise de vue :

- Soyez attentif à l’horizontalité de… l’horizon ! Car comme son nom l’indique, pour éviter tout mal de mer, il est préférable de ne pas le placer en position de tanguage.
Cela est particulièrement critique pour certaines photos de paysage… à avoir impérativement en tête en bord de mer !

- Evitez tout semi-effet de perspective. Optez pour une prise de vue bien parallèle au mur ou assumez réellement la perspective en composant presque en diagonale. Tout intermédiaire est plus difficile à gérer.

- Si la perspective est présente dans votre image, placez vous si possible de manière à ne pas cumuler des déformations horizontales ET verticales !
(Par exemple mettez vous bien au centre d’une fenêtre que vous photographiez en contre-plongée ; la perspective créera des lignes de fuite verticales mais l’image restera graphiquement viable grâce à votre positionnement horizontal)

NB : Ces remarques sont bien entendu inutiles si vous photographiez à la chambre ou avec un objectif à décentrement.

 

Au post-traitement, il est important de prendre conscience d’une certaine gêne graphique liée à l’incohérence entre les lignes principales de notre image et les bords de notre cadre.
Cela est d’autant plus critique que la photo est graphique et structurée de nombreuses lignes droites comme ma vue de la gare de Gêne du début de cet article.

Moi-même, comme vous avez pu le constater, je n’étais pas très pointilleuse là dessus il y a quelques années !
Un grand merci au passage à la personne qui m’a aidé à mettre le doigt sur cela et modifier mes habitudes… qui ne fait pas beaucoup de photo d’ailleurs, mais a un vrai oeil pour les regarder. :)

Rien ne sert de culpabiliser sur nos « penchages » au déclenchement ! Il arrive que l’on se sente pressé, qu’on soit dans une situation qui ne nous permette pas de bien nous équilibrer, que l’on n’ait pas bien perçu les jeux de lignes sur le moment…
Ayons l’exigence d’être plus vigilant après coup. Comme on dit, « errare humanum est, perseverare diabolicum. » (Il est humain de se tromper mais persister dans l’erreur est diabolique)

Nos images ne peuvent qu’y gagner, en simplicité, en lisibilité… j’aurais presque envie de dire en « sérénité« … :)

D’un point de vue technique, avec certains logiciels simples de gestion d’images, on peut pivoter la photo pour rectifier l’horizontalité … ou la verticalité… mais pas les deux !

Il est nécessaire d’avoir un programme un peu plus évolué (par exemple Photoshop) pour effectuer la torsion capable de corriger tout cela.
Il s’agit de tirer sur les coins de l’image pour rétablir le parallélisme des lignes de construction graphique avec les bords du cadre.
Attention tout de même aux déformations ! Les éléments de la photographie se déforment pendant que vos lignes se redressent, jetez donc régulièrement un coup d’oeil à l’intérieur de votre image, en particulier pour prendre garde aux éléments humains.
Une fois encore, bien entendu, c’est l’exigence à la prise de vue qui est à privilégier par rapport à un rattrapage trop prononcé après coup. La torsion ne doit servir qu’à corriger de légers problèmes de perspectives.

 

Comme souvent, on se rend compte que ce sont des « petits rien » qui font tout ! ;)
Vigilance et exigence au niveau du cadrage permettent de faire de vrais petits miracles !
Ce thème a d’ailleurs été précédemment abordé quand je vous ai avoué que j’étais une »adepte du recadrage » ! Vous pouvez retrouver dans cet article un autre exemple de photo redressée et « tordue » pour la bonne cause.

Pour les sceptiques, lisez aussi « La retouche numérique, un acte superflu ?!« . ;)

Décidément, la photographie, c’est tout un programme ! Avant, pendant, après le déclenchement… il y a de quoi alimenter une encyclopédie !! ;)

Le contraste d’une image correspond à l’écart de densité entre ses teintes les plus claires et ses teintes les plus sombres.
Rien à voir avec le fait que l’image soit claire ou foncée ! Si elle est à la fois l’un et l’autre, c’est qu’elle est contrastée.
La gamme de densités intermédiaires présentes dans l’image a son importance également : plus elle comprendra des tons intermédiaires proches des extrêmes (blanc et noir), et plus l’image sera contrastée.

Le summum du «non-contraste» serait donc une image presque grise, tandis qu’un contraste à son apogée correspondrait à une photographie composée entièrement de noir et de blanc.

GERER UN FORT CONTRASTE LUMINEUX LORS DE LA PRISE DE VUE

Le contraste d’une image dépend des circonstances de la prise de vue, en particulier de la quantité de lumière présente et de sa direction.

Une lumière très forte provoque des ombres très denses.
Ainsi, une photo prise à 15h mi-août sera plus contrastée que la même image prise en octobre.

De même, un contre jour crée un effet «silhouette» augmentant le contraste entre le fond lumineux et l’élément sombre qui se détache par devant.
En fonction de notre placement par rapport au soleil, notre image sera donc plus ou moins contrastée: certains éléments prendront plus ou moins de volume ou perdront leurs couleurs.

De nombreux paramètres de prise de vue influent ainsi sur l’image et son contraste.

Cet écart énorme en densités pose des problèmes au photographe.

En gardant un réglage standard, nous risquons fort d’obtenir des zones sombres “bouchées” (c’est à dire avec peu de détails lisibles) et des zones claires “surexposées” (on dit aussi vulgairement “cramées” : le blanc dévore l’image et la rend illisible). Résultat : rien n’est lisible dans l’image, aucune zone n’est bien exposée !

Lorsque la lumière est crue et violente, nous devons donc faire un choix : mettre en valeur les hautes lumières pour rendre les éléments de la zone claire bien lisibles, ou exposer pour les basses lumières, afin que les éléments présents dans les zones sombres soient identifiables.

On utilise pour cela la correction d’exposition. (J’ai évoqué ce réglage lors d’un récent article donnant des conseils pour photographier en basse lumière pendant les fêtes de fin d’année. Je vous conseillais de sous-exposer vos photos pour conserver du détail et des couleurs dans les zones lumineuses, ce qui réglait également en partie le problème du temps de pose)

La correction d’exposition correspond à une petite réglette que l’on peut afficher sur l’écran de l’appareil, graduée de -2 à +2, par tiers.
Attention ! Ce réglage n’est pas disponible en « mode vert ». Passez en mode P, Av ou Tv.
Par défaut, le curseur est à zéro, ce qui signifie que l’on ne souhaite ni éclaircir, ni obscurcir la photo.
 On choisit de déplacer le curseur vers les valeurs négatives pour sous-exposer la photo ou vers les valeurs positives pour sur-exposer la photo.

 

Récapitulons.
Dans un contexte avec un fort contraste lumineux,

- je souhaite m’intéresser principalement à ce qui se passe dans la zone claire quitte à basculer dans le noir complet certaines zones de l’image, à transformer certains éléments en simples silhouettes :
je sous-expose mon image (par exemple à -2) pour que la zone marquante de ma photographie ne soit pas surexposée.

Dans l’exemple ci-dessous, le ciel garde sa belle couleur et sa texture nuageuse grâce à la sous-exposition. Les éléments urbains sont transformés en silhouettes, ce qui ne pose pas de problème car ils sont bien lisibles.

- je souhaite m’intéresser principalement à à ce qui se passe dans la zone sombre quitte à blanchir et à faire disparaître certaines zones de mon image en contrepartie :
je sur-expose mon image (par exemple à +2) pour que la zone marquante de ma photographie ne soit pas sous-exposée.

Dans l’exemple ci-dessous, le contraste lumineux avait eu tendance, en réglage standard, à plonger la peluche dans l’ombre, ce qui rendait l’image peu lisible et non agréable au regard. La surexposition permet d’avoir suffisamment de lumière sur le nounours pour retranscrire cette scène tendre et anecdotique.

La technique appelée HDR (High dynamic range imaging : imagerie à grande gamme dynamique) permet, si on le souhaite, d’obtenir du détail à la fois dans les zones claires et sombres, mais nécessite de travailler sur pied et engendre parfois des images au rendu très peu naturel.
Il s’agit, ni plus ni moins (je caricature), de faire une vue sur-exposée et une vue sous-exposée (comme dans le cadre d’un bracketting violent), puis de les fusionner dans un programme adapté pour récupérer les zones qui nous semblent bien exposées dans chacune des images.

Cette technique peut être intéressante dans certains cas où le contraste est vraiment fort et où l’on ne souhaite pas choisir entre mise en valeur de la zone sombre ou de la zone claire… mais est plutôt à utiliser avec modération !

 

Ainsi, comme nous avons pu le constater, le contraste est à la fois notre meilleur allié et notre pire ennemi.

La lumière peut offrir à nos photographies fadeur ou agressivité, qui ne sont ni l’une ni l’autre souhaitables pour nos images.

Il est indispensable de savoir maîtriser la lumière à la prise de vue en nous positionnant par rapport à elle et en réglant correctement notre appareil photo afin d’obtenir, autant que possible, une image avec un bon contraste, c’est à dire allant du blanc au noir avec suffisamment de demi-teintes, de détails.

Nous avons fait rapidement de tour de l’influence du contraste lumineux à la prise de vue et des manières de le gérer.
Voyons maintenant ce qu’il en est au post-traitement.

 

MODIFIER LE CONTRASTE AU POST-TRAITEMENT

Les images produites par nos appareils numériques sont, le plus souvent, un peu ternes, grises.
Elle ont généralement besoin d’être contrastées.
Il est assez rare, finalement, qu’elles comportent à la fois du blanc ainsi qu’un «vrai noir».

Moins l’intensité lumineuse était forte au départ et plus l’image manquera de contraste.

Cela dit, le contraste souhaité pour une image est une notion tout à fait subjective.

Certaines personnes, dont je fais partie, aiment un contraste fort pour la majorité de leurs photographies avec des zones sombres bien noires, des zones claires presque blanches et des tons intermédiaires assez marqués (du gris assez foncé et du gris assez clair, mais pas trop de gris neutre).
D’autres apprécient les images au rendu plus doux, avec davantage de modelé, tout en demi-teintes.

De plus, il est bien évident que notre envie de contraste peut varier d’une photo à l’autre et d’une série à l’autre.

Le contraste peut être retravaillé sur la globalité de l’image ou par zone.
La première solution permet d’obtenir un contraste global fort avec des zones très sombres et d’autres très claires.

La seconde permet de chercher du détail dans chacune des zones de l’image (un peu à la manière du HDR, dans une moindre mesure).

Mais attention ! Vouloir trop de détails partout dans l’image risque de lui faire perdre sa dynamique globale.
Le travail de contraste sert aussi à focaliser le regard au bon endroit !
Dans certains cas, à quoi bon avoir beaucoup de détail dans une zone où il ne se passe pas grand chose, si cela n’apporte pas quelque chose à l’image ?

Au contraire, le travail de vignettage, par exemple, (il s’agit d’assombrir légèrement les bords de l’image) est un jeu sur le contraste qui permet de diriger le regard vers le sujet de la photo, ou tout du moins d’éviter qu’il ne s’échappe à cause d’un bord trop clair.
Casser le contraste d’un élément d’arrière plan est un bon moyen pour le neutraliser en partie, en diminuer l’impact.

Ainsi le travail sur le contraste nous permet de choisir ce que l’on souhaite dissimuler ou mettre en valeur. Il peut focaliser le regard à un endroit, et influencer le sens de lecture.

Ainsi telle ou telle manière de travailler le contraste est un choix à part entière pour une photo.

 

CONTRASTE ET EXPRESSIVITE… DONNEZ VIE A VOS PHOTOS !

Le contraste d’une image est déterminant pour son rendu, son impact, et même sa signification !

Il nous permet même de modifier l’expression d’un visage tant il influence l’émotion ressentie devant l’image.
Choisir tel ou tel type de contraste, privilégier les teintes claires ou au contraire les tons sombres, laisser le noir ou le blanc envahir une grande partie de l’image… tout cela constitue une palette d’outils au service de l’émotion.
Peur, douceur, angoisse, sérénité… c’est parfois votre choix de contraste qui fera la différence !

 

Un contraste plutôt faible permet qu’aucune zone de l’image ne soit très claire ou très sombre. On joue davantage sur des densités proches, des demi-teintes.
En découle donc une impression de douceur, de sérénité.
Attention tout de même à ce que douceur ne soit pas synonyme de molesse !

Ce type de traitement est assez adapté aux atmosphères un peu fantômatiques, évanescentes.
Un faible contraste associé à des tons clairs donne même parfois une impression un peu paradisiaque… un côté… illumination !!

 

Un contraste très fort peut contribuer à créer une atmosphère inquiétante, évoquer la peur, l’agressivité.
Ce genre de traitement est adapté également aux photos graphiques car il met bien en valeur les jeux de lignes et les textures.
Un fort contraste rend l’image plus lisible, en accentuant les détails et la dynamique globale de l’image.

 

Ne trouvez-vous pas cela incroyable qu’un choix de réglage ou de post-traitement soit aussi primordial pour l’impact final de notre image que ces jeux de contraste ?
Comme quoi, l’instant décisif et la composition ne sont les seuls maîtres de nos photographies !

Concluons en disant que, comme toujours, ce sont nos choix qui feront la différence…
Travaillons le contraste sans avoir peur de tester, quitte à tomber dans les excès, afin qu’il soit, comme le reste, un moyen d’expression de notre subjectivité !

Aaah que Cartier Bresson et son liseré noir me pardonnent… moi, je suis une adepte du recadrage !!

Bon, bon, je comprends cette sorte d’éthique photographique, cette intégrité, cette fidélité au cadrage d’origine qui a, il faut bien l’avouer quelques avantages …

 

LE LISERE NOIR

- Déjà le liseré noir, c’est beau. Enfin c’était. C’était une belle manière de cerner la photographie.
Il avait même presque une valeur symbolique ce liseré, symbolique de la Photographie elle-même, de l’instantané, tout comme ces planches contacts aux informations et perforations apparentes…

Maintenant, le numérique nous prive des imperfections qui marquaient symboliquement nos photographies (fuites de lumière et vignettage en lomographie, liseré noir, aspect aléatoire du tirage argentique). A présent, une image non-recadrée n’a plus vraiment de manière de se distinguer…



- Ensuite, le liseré noir, ça devait être un sacré repos pour l’esprit.
Inutile d’intellectualiser le cadrage par la suite !
Nul besoin de se poser des tas de questions existentielles sur le caractère parasite de tel ou tel élément sur le bord de l’image… On conservait le cadrage d’origine, point barre !

On pouvait avoir des regrets mais, au moins, on ne se posait pas de questions de composition à posteriori.


 

- Pour ce qui est du fameux côté éthique, on assumait son cadrage et on avait intérêt à être sûr de soi dès le départ !

Cela dit, on était sans doute plus vigilant à l’époque sur la qualité de chacune des photos que l’on prenait, pas seulement pour ce fameux liseré noir mais aussi parce qu’on n’en était pas encore arrivé à la mode de shooter en rafales à je ne sais combien d’images secondes sans rien gâcher d’autre que de la place sur notre carte mémoire …

Ainsi, est-ce que cette intégrité du non-recadrage a encore sa place de nos jours, alors que l’on peut faire sans scrupules et sans complexes 50 photos de son sujet (pas besoin de recadrer, il suffit de choisir la bonne dans le lot nous diront sans doute certains !… on est bien loin de l’éthique de base !) ?

 

L’ENJEU DU RECADRAGE

Alors, eh bien moi, je recadre. Pas beaucoup, hein ! Une petite bande par ci, un petit morceau par là.
Toujours en gardant le format homothétique de mon image (je garde mon 10×15 d’origine … un peu de cohérence dans les tailles sacrebleu !!).
Je recadre peu… mais je me rends compte que je recadre presque toujours …

NB : Cliquez sur les images pour les agrandir.

Il faut dire … je suis tellement pointilleuse sur mes cadrages, sur la lisibilité de mes images, que je trouve – presque – toujours une petite bricole qui me dérange l’oeil après coup. Une tâche un peu trop blanche qui attire le regard, une zone de couleur, un morceau de personnage trop peu présent, mais trop présent tout de même…
J’aime la sobriété de l’image, j’aime qu’elle ne contienne que ce qui sert son message, renforce son esthétique. Alors le petit fouillis sur le bord, je l’évite au maximum ! Hop et je m’en débarrasse au post-traitement.

En fait, cet article ne concerne pas le « recadrage sauvage », que l’on pratique quand on n’a pas su trouver le bon cadre du premier coup lors de sa prise de vue (cela arrive mais il faut que cela soit le moins souvent possible !). Il évoque l’importance d’une vigilance accrue aux bords de vos images dont les éléments sont … au moins aussi important que ceux du centre ou des tiers.
C’est fou, parfois, comme couper une petite bande d’un demi-centimètre peut tout changer à une photographie !

En ce qui concerne, en particulier, la photo reportage, il arrive que l’on ait dû déclencher à vitesse grand V en visant à peine, que l’on soit parti rapidos par timidité, que l’on n’ait pas osé trop s’approcher du sujet, tourner autour comme on l’aurait souhaité etc (on le sait que c’est pô bien … mais ça arrive…). On gagne beaucoup, alors, à regarder ses cadrages par la suite avec un regard critique.
Sur un sujet statique, par contre, (paysage, nature morte, graphisme, etc), prenez le temps sur le moment de réfléchir votre cadrage et balayez toujours le bord du cadre des yeux avant de déclencher . Ce qu’il y a dans le coeur de l’image, on le connaît, c’est notre sujet. Mais ce qu’il y a, ou non, sur le côté est tout aussi déterminant pour la qualité de notre image.

Après coup, voilà notre champ d’action : pivoter (rotation), redresser (torsion ou perspective), recadrer.
L’image peut en sortir réellement transformée !

Devrait-on avoir honte de repenser sa composition après coup, de recadrer d’un côté pour que le sujet soit moins centré, de se rendre compte qu’un élément gênant dans un coin gâche un peu l’image ?! Bien sûr que non !
D’autant plus que, comme je le dis dans chaque article relatif au post-traitement, les regrets que l’on a a posteriori (quand on essaie tant bien que mal de sauver certaines de nos photos) servent à l’apprentissage de la prise de vue.

Ne nous contentons pas de nous dire “bah je pourrai corriger tout cela après” ! C’est faux !
Couper une petite bande, c’est assez facile mais si l’on n’est pas suffisamment vigilant, c’est toute la photo qui sera à refaire ! (ce qui n’est évidemment pas possible…)
Il faut bien penser qu’au moment où l’on visionne nos photos avec un peu de recul, on travaille à la prise de conscience de nos défauts de prise de vue… à nous d’apprendre à les corriger.

Ainsi, un recadrage, c’est toujours un cadrage ! Vous ne pouvez plus vous accroupir, reculer, modifier votre angle d’approche, mais il est toujours possible de zoomer un peu et retailler un bord gênant…
Ne nous en privons pas : c’est la qualité de nos photos qui importe et non ce que nous souffle notre orgueil !

 

QUELQUES CONSEILS POUR BIEN RECADRER :

- Il est conseillé (faites ce que je dis, pas ce que je fais…) de recadrer en toute fin du post-traitement. Cela évite de regretter un cadrage une fois que toute la retouche est faite… seulement sur une partie de l’image. Si vous n’êtes pas sûrs de vos recadrages, retouchez d’abord, enregistrez, puis recadrez et créez un autre fichier. Ainsi, il vous sera toujours possible de revenir en arrière.


- Redressez ou faites pivoter avant de recadrer. Vérifier d’abord que votre horizon ne penche pas, que l’immeuble semble vertical, que l’arbre soit à peu près parallèle au bord de la photo. Faites les corrections nécessaires (rotation, torsion) avant de recadrer car ce sont des manipulations qui nécessitent d’avoir « un peu de place autour ». Si vous êtes ric-rac, avec votre cadrage au cheveu près, vous ne pourrez plus redresser sans “perdre un morceau de photo”.

- Soyez vigilants au fur et à mesure que vous rétrécissez votre cadre aux éléments que vous coupez. Eviter, sauf cas particuliers, les lignes tangentes au cadre : laisser un peu de place autour des éléments de l’image ou au contraire, coupez franchement.
Pensez à la fois à la composition globale et aux petits éléments parasites qui se trouvent au bord. L’enjeu consiste à choisir ce que l’on garde dans le cadre, ou non, et à déterminer la manière dont on coupe les éléments qui se trouvent sur le bord.
Quand la composition globale ne vous permet pas de couper certains éléments qui vous gênent, pensez qu’il est également possible de les obscurcir (calque de réglage des niveaux sur une sélection de l’élément) ou de les supprimer (retouche avec le tampon de duplication).

Quand vous avez le choix, faites plutôt en sorte que votre cadre coupe une zone sombre plutôt qu’une zone claire (dans un alignement de maisons, devant une fenêtre par exemple ). Une zone claire permet au regard de s’échapper hors du cadre, tandis qu’une zone sombre ferme mieux l’image.

- Quand on vient de recadrer son image, on est parfois destabilisé, car on “perd” des éléments (on peut parfois avoir une réaction “émotionnelle” en coupant un élément de l’image, même s’il est parasite). 

Si vous êtes désappointé par la nouvelle version qui pourtant vous semblait correspondre à un cadrage raisonné, laisser cela de côté et revenez-y plus tard. La perception que l’on a d’une image change en même temps que sa composition.
N’hésitez pas à faire plusieurs versions de l’image pour pouvoir choisir plus tard, à tête reposée.

Eh bien, à vos appareils photos … et à vos ciseaux … virtuels !
Le recadrage ne fait pas la photo mais vous donne souvent une seconde chance…
Et surtout … il s’agit d’un bien bon moyen de travailler … son cadrage !

 

NB : Vous trouverez peut-être que les photographies présentées sont peu caractéristiques pour un sujet sur le recadrage… J’ai eu du mal, c’est vrai, à trouver des images non retravaillées où les éléments qui justifiaient le recadrage étaient vraiment flagrants… le preuve que je ne cadre pas si mal que ça au départ finalement !!! ;)

Mais, l’objectif de cet article, c’est surtout la vigilance aux petits détails. Ainsi, c’est peut-être une bonne chose que ces photographies correspondent à des illustrations relativement « subtiles » du sujet.
Peut-être mes exemples vous donneront-il l’impression que je pinaille, mais la « propreté » des photographies que vous voyez sur ce site est en partie due à ce côté « perfectionniste du cadrage ».
Ne permet-il pas d’obtenir des images plus sobres, plus apaisantes, plus faciles à regarder ?

Remarque préalable :
N’hésitez pas à agrandir les photos retouchées en cliquant, afin de mieux voir les illustrations de cet article technique.

Avec l’avènement du numérique, et, avec lui, de la photo en masse, des traitements informatiques de tous poils, différents courants se sont créés, du plus conservateur au plus novateur, voire excentrique !
Parmi les sujets qui divisent, la retouche des images est encore un tabou…
Est-ce dénaturer l’image d’origine ? Est-ce la sublimer ?
Comment savoir à quelle étape s’arrêter ? La retouche est-elle réellement apparue avec le numérique ?

Je suis assez frappée de voir que certains photographes (ou assimilés) exposent et vendent des tirages tout en revendiquant une sorte d’éthique du “brut de capteur”.
Pas question de réaliser le moindre post-traitement !

Car la photographie, pour certains, n’est qu’un art de l’instant : il faut qu’en un centième de seconde l’image soit créée, décrivant à la perfection cette fraction de temps.

Personnellement, je trouve cette revendication de l’instantanéité assez illusoire !

Ce serait oublier tout le laps de temps qui a précédé la réalisation de l’image : la longue balade du photographe, la recherche d’une vision, la réflexion autour d’une intention, la réalisation d’un cadrage, et les choix techniques qui l’accompagnent.
Par la suite s’ajoutent une quantité d’actions qui influenceront l’image finale.
Déjà au temps (ancestral !) de l’argentique, le développement de la pellicule, le choix sur planche contact, le travail sous l’agrandisseur pour révéler la photographie (tiens, mais n’est-il pas question de contraster voire de retoucher son image ?!), la réalisation d’une série, d’un travail d’auteur cohérent donnaient une dimension temporelle beaucoup plus large à la création photographique.

Ce qui nous semblait ne prendre le temps que d’un appui sur le déclencheur n’est-il pas finalement un long processus de création, qui n’a rien à envier à l’écriture d’un roman, la confection d’une sculpture ?

Cette fameuse soit-disant authenticité, spontanéité, de l’image brute, m’évoque un écrivain qui dirait : “ C’est le premier jet non travaillé que je vous soumets, le ressenti tel quel sans aucune altération a posteriori.”
J’y vois davantage de fainéantise que de sens artistique !

De tout temps, on a contrasté sous l’agrandisseur, masqué des zones, réalisé des virages, altéré le négatif …

Cela n’a jamais nuit à l’authenticité des images, au contraire, le travail artistique de post traitement était là pour corroborer l’intention de prise de vue.
De nos jours, rien n’a changé !

Sans retouche, notre image sera un peu grise, terne, elle ne correspondra pas forcément à ce que l’on a voulu montrer : elle sera, souvent, en deçà de la réalité.
Le capteur de l’appareil ne réagit pas comme l’oeil.

Et il ne faut pas croire que ce besoin de post-traitement fait de nous un mauvais photographe !
Tout comme un bon auteur retravaille son texte jusqu’à s’approcher au plus près de ce qu’il avait en tête depuis le début, nous avons le droit, et même peut-être le devoir, d’aller au bout de nos idées en utilisant les outils techniques qui nous sont nécessaires pour cela.

Simple travail sur le contraste, choix des couleurs, ajouts de texture, ou composition d’images surréalistes, le choix est nôtre en fonction de l’image, de nos goûts et de nos ambitions artistiques.

Pour moi, la retouche est une manière de révéler l’image. Elle fait partie à part entière du processus créatif.

Cependant, même sans lui donner un rôle aussi prépondérant, on peut dire qu’elle est, en premier lieu, une manière de prendre soin de ses images.

Une photographie sans retouche, c’est comme une femme qui ne se met pas en valeur !
Entre la fade brute de capteur et la sur-retouchée, entre négligence et faute de goût, tous les intermédiaires sont possibles, à chacun de trouver celui qui lui convient !