Pour ce bouquet d’hortensia, pas de carton blanc, pas de tissu à l’arrière-plan.

Pas de fond, en fait. Juste un bouquet, et de la lumière.
C’est avec ces deux seuls ingrédients que j’ai créé ces images, en lumière naturelle et hors studio.

Il s’agit d’une technique vraiment toute simple mais à laquelle on ne pense pas toujours, c’est pourquoi je me suis dit qu’il pourrait être utile que je vous fasse partager ce « truc » de prise de vue.

Le mode d’emploi ?
Contre-jour et surexposition.

Voici comment mettre en oeuvre cette technique, chez vous, dans une situation mise en scène mais en lumière naturelle. (Nous verrons par la suite que l’exploitation de ce procédé va bien plus loin que cela, comme le montrent les images illustrant cet article !)

> Choisissez un sujet, si possible pas trop clair (évitez le blanc qui surexposera en même temps que le fond).
Un sujet coloré et translucide est idéal (fleurs, feuilles, agrumes, objets en plastique translucide ou en verre coloré, bonbons etc.) car le contre-jour révèlera sa structure (alvéoles, pulpe, craquelures…) et renforcera ses couleurs.

> Placez votre sujet sur un appui de fenêtre ou, en extérieur, sur fond de ciel lumineux (pas trop bleu…).
S’il est léger, vous pouvez également le scotcher à la fenêtre ou l’y apposer avec de la patafix !

> Surexposez violemment : décalez le curseur de la réglette de correction d’exposition vers la droite, à +1 IL voire +2 ;

> Composez en associant une zone de « fond blanc » à votre sujet ;

> Retouchez légèrement l’image si besoin car elle peut paraître voilée à la prise de vue.
Pour obscurcir les tons les plus sombres : décalez le curseur « point noir » et éventuellement le curseur « contraste » vers la droite dans un logiciel classique ou glissez vers la droite le curseur gauche des niveaux sous Photoshop.
Parfois, aussi fou que cela puisse paraître, on gagne aussi à augmenter encore la luminosité au traitement (curseur « exposition » et/ou « luminosité » vers la droite ou curseur central et droit des niveaux vers la gauche) !

Quelques remarques complémentaires :

> Les images qui illustrent cet article donnent l’impression d’un fort éblouissement, d’une source lumineuse très présente mais sachez qu’il n’est pas nécessaire qu’il y ait du soleil ni une très grande luminosité. N’importe quel jour terne peut faire l’affaire pour réaliser ce type de prise de vue.
Veillez cependant à ce que l’on ne voie pas trop d’éléments sombres par la fenêtre. Un voilage blanc fait très bien l’affaire pour atténuer la vue extérieure.

> Cette technique n’est pas valable uniquement pour des photographies d’objets mis en scène ! Nous rencontrons fréquemment des situations de contre-jour lors de nos prises de vue, que nous pouvons exploiter comment explicité plus haut. Sur cette page, différentes images non mises en scène utilisent la surexposition pour mettre en valeur un sujet et le faire se détacher sur fond blanc : portrait spontané, prises de vue végétale ou animale, scène de vie en extérieur.

> Une image au fond blanc a parfois besoin d’un liseré, selon la manière dont elles est présentée (site internet sur fond blanc par exemple). Le fond uni obtenu n’est pas une fatalité ni forcément une fin en soi : on peut le vigneter (photo assombrie sur les bords), ou le texturer par exemple

J’espère que cette technique facile à mettre en oeuvre et créative vous permettra de faire des photos lumineuses… et originales !

Bonnes surexpositions à vous ! ;)

Quelle meilleure manière de mettre en valeur la couleur que de la maquiller de noir ?

Les situations de clairs-obscurs et les « effets de projecteur » avec une lumière très localisée sont des situations très propices aux prises de vue couleurs. J’avoue que j’apprécie vraiment l’impact de ces teintes vives qui surgissent de l’obscurité.

Dans de telles situations de prise de vue, pour plonger l’environnement dans le noir et conserver la bonne densité et la vivacité des couleurs, il est souvent nécessaire de sous-exposer.

Voici une petite sélection photo présentant des « couleurs en clair-obscur », que j’avais envie de vous partager.

Fumée blanche, fumée noire…
Deux photographies prises de ma fenêtre à deux jours d’intervalle pour un effet négatif assez saisissant !
Les deux images présentées sont très peu retouchées. Je les ai juste un peu contrastées et passées en noir et blanc, traitement qui me paraissait le plus judicieux pour évoquer la densité.

Je ne pense pas que la fumée ait réellement changé de couleur entre ces deux prises de vue mais l’éclairage, ah ça oui ! Il différait du tout au tout !

La lumière crée la couleur et la densité.
Elle les rend changeantes, mouvantes, étonnantes ! Du blanc, du gris, du bleu vif ?? Tout dépend de la lumière !
D’ailleurs, comme le dit le dicton, la nuit, tous les chats sont gris !

Les plus futés d’entre vous me diront sans doute : mais c’est le ciel !
C’est normal, le ciel change de couleur. C’est un cas particulier.
Hum… oui… mais non !

La façade de votre voisin d’en face est aussi changeante que le ciel de Paris et s’en rendre compte est un atout considérable pour faire de la photographie.
Un gris moyen, sur du noir, peut paraître presque blanc tandis que ce même gris moyen, avec un arrière plan blanc, par temps maussade, peut paraître presque noir. L’appareil comme notre oeil fonctionne par contraste, et le contraste, c’est bien souvent ce qui fait la lisibilité et l’impact d’une photographie !

Gardez bien en tête que les éléments que vous photographiez n’ont pas une couleur, une densité données. Leur rendu est influencé par la lumière mais aussi par votre prise de vue : orientation par rapport à la lumière (éclairage direct ou contre-jour…), exposition (on sous-expose, par exemple, pour obtenir des couleurs plus vives).

Quelle densité donnerez-vous au prochain pigeon que vous croiserez ? ;)

Le contre-jour est l’une des situations lumineuses les plus riches pour le photographe.

Lorsque le soleil est derrière nous et qu’il éclaire ce qui nous fait face, la lumière semble tout envahir…
Peut-être montre-t-elle trop de choses…
Quand, au contraire, nous regardons le soleil en face, la lumière semble beaucoup plus dirigée. Le choix d’angle de vue est franc (face à la source lumineuse), ce qui nous conduit forcément à faire des images plus marquées, où notre intention est plus claire.

 

Les situations de contre-jour nous posent des problèmes au niveau exposition.
Un fort contraste juste subi ne nous permet d’obtenir qu’une image trop claire par endroits et trop sombre à d’autres ! « Assise entre deux chaises », l’exposition automatique de notre appareil photo ne donne généralement rien de bon.

Il faut donc, là encore, CHOISIR et exposer son image en fonction d’une intention.
Généralement, la surexposition d’un contre-jour donne un aspect fantomatique à l’image tandis qu’une sous-exposition crée des effets de silhouettes(Tout comme sur la photo de couverture du dernier roman de China Miévielle).

Le contre-jour a un potentiel créatif vraiment riche, non seulement par rapport à cette question d’exposition, mais aussi par de nombreux autres aspects.

-> Lorsque l’on place un élément translucide entre notre objectif et une source lumineuse, nous obtenons une transparence du plus bel effet, qui renforce les couleurs et donne un caractère plus lumineux à l’image.
Souvenez-vous des fameuses mandarines !

-> Positionné de manière particulière par rapport au soleil, vous pouvez saisir des artefacts lumineux tout à fait impressionnant… s’il sont utilisés de manière volontaire et à bon escient !
Rayons de lumière, flare, mini arcs-en-ciel peuvent conférer à votre image une ambiance plus rêveuse… magique parfois !

-> En contre jour, les ombres viennent vers vous. Cette seule constatation contient de nombreuses possibilités sous-jacentes ! Ces ombres en premier plan enrichissent les images. Elles peuvent même être un sujet à part entière.

-> Nous avons évoqué les propriétés des éléments translucides… Tout ce qui est brillant prend également une dimension toute particulière en contre-jour !
L’effet de scintillement obtenu, le relief accentué de certains éléments rugueux sont des mines d’or à exploiter !

Je suis convaincue que toutes ces caractéristiques des contre-jours vous donnent de nombreuses idées !
Créatifs, à vos boitiers !!

Comme promis, je vais vous parler un peu plus en détail de cette petite manie que j’ai de souvent photographier en conditions de lumière limite, voire quasiment dans le noir.
Parfois, j’ai même l’impression que les « bonnes lumières », celles qui ne posent pas de problèmes d’exposition, sont tristes et banales. Personnellement, je préfère bien souvent les lumières pourries !!!

Le premier souvenir que j’ai de photographie « dans le noir » correspond à cette image.
En mars 2005, dans cette pièce déserte et obscure du théâtre de Douai, j’ai été attirée par le visage de cette statue, tout juste décelable dans la lumière dorée du réverbère de la rue.

J’ai fait cette photographie au 13ème de seconde, 1600 iso, correction d’exposition à -1 et je me rappelle assez bien mon état d’âme à ce moment.
Un truc du genre « t’es quand même un peu dingue de faire des photos toute seule dans le noir comme ça… ».

 

J’ai rarement vu d’autres photographes se risquer à photographier des scènes aussi obscures, de manière impromptue, sans trépied.
Quelles belles ambiances, pourtant ! Ces clairs-obscurs ont une force visuelle incroyable !

Comme je l’ai déjà raconté ici, j’ai remarqué que la plupart des photographes avaient « peur du noir » pour leurs images.

Il est dit qu’un bon photographe doit faire des tirages nuancés, avec un certain modelé, des tonalités variées de gris…
Ainsi, dans l’inconscient collectif des photographes qui se respectent, une trop grand zone noire semble correspondre à une erreur d’exposition, un mauvais traitement, une image sans relief. Chercher du détail dans les zones sombres est une préoccupation constante chez la plupart des photographes.
Révéler les zones sombres, peut-être… Mais chercher du détail dans le noir est, selon moi, une erreur !
A ce sujet, référez-vous à Johnny. « Noir c’est noir » !
Qu’allez-vous y chercher là dedans… sinon du grain ?!
Chercher du détail là où il n’y en a pas ne me semble pas la meilleure démarche pour faire une bonne image. ;)

Ainsi, donc, pour faire des photographies dans l’obscurité, il est essentiel, dans un premier temps, d’accepter le noir.
Sous-exposez en utilisant la correction d’exposition ou une mesure spot de manière à ce que vos éléments éclairés soient bien exposés et laissez le reste de l’image se plonger dans le noir !

J’irai même plus loin.
Choisissez en priorité des situations avec un contraste très fort : quelques éléments bien éclairés et le reste vraiment plongé dans l’ombre car s’il y a trop de zones de densités intermédiaires, faiblement éclairées, c’est là que vous obtiendrez une image granitée, difficilement utilisable.
Le noir ne présente pas de grain. Il est lisse et uniforme à souhait !

D’ailleurs, gardez cela en tête au post-traitement : bidouillez comme vous le souhaitez, jouez sur les niveaux, « coloriez » les éléments parasites dans les zones sombres… mais que votre noir soit noir !

Dans ces conditions bien particulières de prise de vue, la lumière est très localisée, orientée. Elle n’arrive pas de tous les côtés, atténuant les ombres et diluant les reliefs.
Vous avez une ou quelques sources de lumières bien définies que vous pouvez exploiter en lumière directe ou, mieux encore, en contre-jour. Ces sources de lumière facilement repérables sont un atout pour votre prise de vue.
Nul besoin de se casser la tête pour se demander d’où provient telle ombre et si vous êtes bien placés par rapport à l’éclairage. Que vous l’ayez de dos, de face, de côté, vous aurez une conscience facile de la lumière ambiante, de la provenance de la lumière.
Vous pouvez facilement jouer avec elle. La lumière est votre sujet au même titre que les éléments qu’elle éclaire !

Amusant paradoxe pour quelqu’un qui photographie… dans le noir ! ;)

Pour composer votre image aussi, les choses devraient être plus simples.
Imaginez que vous ayez une image toute noire avec, admettons, 3 éléments éclairés. Il n’y a qu’à répartir ces éléments de manière harmonieuse, les disposer dans votre photographie. Organiserez-les vous en triangle, selon un alignement diagonal ?
L’obscurité simplifie votre photo et la réduit à sa plus simple expression : quelques éléments dans un décor uni.

En ce qui concerne le grain… c’est comme le noir ! Il faut l’accepter, l’assumer… que dis-je ?! L’exploiter !
Les lueurs fantômatiques et ombres portées se marient très bien avec le grain, surtout lorsque l’on travaille en noir et blanc. Finalement, cette contrainte technique contribue à créer une ambiance.

Dans le pire des cas, si vous regrettez le rendu intrinsèque de votre image, dites-vous que cette image a un atout que rien ne peut lui enlever ! Elle existe !
Elle existe sans l’éclair dévastateur du flash intégré, elle existe malgré la difficulté technique de la prise de vue.
Quand nous photographierons tous à 100 000 iso (!), le problème ne se posera plus, mais, dès maintenant, osons faire exister ces images de l’extrême qui nous permettent de découvrir ce que nous voyons à peine !

Et, dans certains cas, pourquoi ne pas oser la couleur ?! Les lumières électriques ont des température différentes qui influent sur leurs teintes.
Le ton étrangement pastel que l’on peu déceler dans certaines de nos photographies nocturnes peut être également intéressant à travailler.

Et pour terminer ce tour d’horizon de la photographie dans ce qu’elle a de plus subtil (écrire avec la lumière… surtout quand celle-ci n’est qu’à l’état de traces, qu’elle ne se donne qu’avec parcimonie), une image réalisée, non pas de nuit, mais effectivement dans le noir…
Devinerez-vous en quoi consiste ce passage vers un monde parallèle ?!

Certains photographes gravissent l’Everest pour une image, d’autres partent en trekking en Alaska, les doigts gelés sous leurs gants, crispés sur l’objectif…
D’autres encore attendent 4 heures, immobiles, l’arrivée d’un oiseau, dans une planque à l’allure militaire…

Eh bien moi aussi, figurez-vous, je suis une photographe de l’extrême !!

Je photographie dans le noir.

 

Non pas « de nuit« , quand les éclairages électriques nous inondent de leurs teintes colorées, sur trépied pour photographier la ville sous un autre jour !!
Dans le noir, quand la lumière disponible n’est qu’une mince clarté indiscible et rend notre décor fantomatique.

 

Bien entendu, on a rarement un trépied avec soi lorsqu’on va se coucher et que seule la lumière d’un réverbère éclaire notre chambre, ou quand on attend, retenant notre souffle dans le noir, de pouvoir s’égosiller avec toute la bande sur l’air de « joyeux anniversaire » !!

Vous êtes avec un compact à 1600 iso, vous vous tassez sur vous-même, espérant vous ancrer suffisamment dans le sol pour compenser un temps de pose à la limite du raisonnable… vous essayez de distinguer les ombres qui courent le long des murs et vous vous concentrez sur les quelques affleurements de lumière dans cette marée noire.

 

La photographie ci-dessus a donc été prise dans ce genre de contexte.
GX100, 1600 iso, f2.9, 1/10 s (stab heureusement !)… quand on parlait de conditions extrêmes !! Le second degré n’était presque pas nécessaire ! ;)
Bien sûr il y a du grain… mais l’envie ne vous prend-elle pas parfois de répondre « et alors ?!« …

Photographier l’humain à 1/10 de seconde, dans l’obscurité, a quelque chose de très particulier.
Une intimité à retranscrire.

 

Je pense vous proposer dans les jours qui viennent un article sur la photographie en conditions de lumière « limite ».
Nous verrons alors plus en détails tout ce qu’implique ce choix de prise de vue, avec davantage d’illustrations à l’appui.

 

Bonne soirée !… n’ayez pas peur du noir ! ;)

Le contraste d’une image correspond à l’écart de densité entre ses teintes les plus claires et ses teintes les plus sombres.
Rien à voir avec le fait que l’image soit claire ou foncée ! Si elle est à la fois l’un et l’autre, c’est qu’elle est contrastée.
La gamme de densités intermédiaires présentes dans l’image a son importance également : plus elle comprendra des tons intermédiaires proches des extrêmes (blanc et noir), et plus l’image sera contrastée.

Le summum du «non-contraste» serait donc une image presque grise, tandis qu’un contraste à son apogée correspondrait à une photographie composée entièrement de noir et de blanc.

GERER UN FORT CONTRASTE LUMINEUX LORS DE LA PRISE DE VUE

Le contraste d’une image dépend des circonstances de la prise de vue, en particulier de la quantité de lumière présente et de sa direction.

Une lumière très forte provoque des ombres très denses.
Ainsi, une photo prise à 15h mi-août sera plus contrastée que la même image prise en octobre.

De même, un contre jour crée un effet «silhouette» augmentant le contraste entre le fond lumineux et l’élément sombre qui se détache par devant.
En fonction de notre placement par rapport au soleil, notre image sera donc plus ou moins contrastée: certains éléments prendront plus ou moins de volume ou perdront leurs couleurs.

De nombreux paramètres de prise de vue influent ainsi sur l’image et son contraste.

Cet écart énorme en densités pose des problèmes au photographe.

En gardant un réglage standard, nous risquons fort d’obtenir des zones sombres “bouchées” (c’est à dire avec peu de détails lisibles) et des zones claires “surexposées” (on dit aussi vulgairement “cramées” : le blanc dévore l’image et la rend illisible). Résultat : rien n’est lisible dans l’image, aucune zone n’est bien exposée !

Lorsque la lumière est crue et violente, nous devons donc faire un choix : mettre en valeur les hautes lumières pour rendre les éléments de la zone claire bien lisibles, ou exposer pour les basses lumières, afin que les éléments présents dans les zones sombres soient identifiables.

On utilise pour cela la correction d’exposition. (J’ai évoqué ce réglage lors d’un récent article donnant des conseils pour photographier en basse lumière pendant les fêtes de fin d’année. Je vous conseillais de sous-exposer vos photos pour conserver du détail et des couleurs dans les zones lumineuses, ce qui réglait également en partie le problème du temps de pose)

La correction d’exposition correspond à une petite réglette que l’on peut afficher sur l’écran de l’appareil, graduée de -2 à +2, par tiers.
Attention ! Ce réglage n’est pas disponible en « mode vert ». Passez en mode P, Av ou Tv.
Par défaut, le curseur est à zéro, ce qui signifie que l’on ne souhaite ni éclaircir, ni obscurcir la photo.
 On choisit de déplacer le curseur vers les valeurs négatives pour sous-exposer la photo ou vers les valeurs positives pour sur-exposer la photo.

 

Récapitulons.
Dans un contexte avec un fort contraste lumineux,

- je souhaite m’intéresser principalement à ce qui se passe dans la zone claire quitte à basculer dans le noir complet certaines zones de l’image, à transformer certains éléments en simples silhouettes :
je sous-expose mon image (par exemple à -2) pour que la zone marquante de ma photographie ne soit pas surexposée.

Dans l’exemple ci-dessous, le ciel garde sa belle couleur et sa texture nuageuse grâce à la sous-exposition. Les éléments urbains sont transformés en silhouettes, ce qui ne pose pas de problème car ils sont bien lisibles.

- je souhaite m’intéresser principalement à à ce qui se passe dans la zone sombre quitte à blanchir et à faire disparaître certaines zones de mon image en contrepartie :
je sur-expose mon image (par exemple à +2) pour que la zone marquante de ma photographie ne soit pas sous-exposée.

Dans l’exemple ci-dessous, le contraste lumineux avait eu tendance, en réglage standard, à plonger la peluche dans l’ombre, ce qui rendait l’image peu lisible et non agréable au regard. La surexposition permet d’avoir suffisamment de lumière sur le nounours pour retranscrire cette scène tendre et anecdotique.

La technique appelée HDR (High dynamic range imaging : imagerie à grande gamme dynamique) permet, si on le souhaite, d’obtenir du détail à la fois dans les zones claires et sombres, mais nécessite de travailler sur pied et engendre parfois des images au rendu très peu naturel.
Il s’agit, ni plus ni moins (je caricature), de faire une vue sur-exposée et une vue sous-exposée (comme dans le cadre d’un bracketting violent), puis de les fusionner dans un programme adapté pour récupérer les zones qui nous semblent bien exposées dans chacune des images.

Cette technique peut être intéressante dans certains cas où le contraste est vraiment fort et où l’on ne souhaite pas choisir entre mise en valeur de la zone sombre ou de la zone claire… mais est plutôt à utiliser avec modération !

 

Ainsi, comme nous avons pu le constater, le contraste est à la fois notre meilleur allié et notre pire ennemi.

La lumière peut offrir à nos photographies fadeur ou agressivité, qui ne sont ni l’une ni l’autre souhaitables pour nos images.

Il est indispensable de savoir maîtriser la lumière à la prise de vue en nous positionnant par rapport à elle et en réglant correctement notre appareil photo afin d’obtenir, autant que possible, une image avec un bon contraste, c’est à dire allant du blanc au noir avec suffisamment de demi-teintes, de détails.

Nous avons fait rapidement de tour de l’influence du contraste lumineux à la prise de vue et des manières de le gérer.
Voyons maintenant ce qu’il en est au post-traitement.

 

MODIFIER LE CONTRASTE AU POST-TRAITEMENT

Les images produites par nos appareils numériques sont, le plus souvent, un peu ternes, grises.
Elle ont généralement besoin d’être contrastées.
Il est assez rare, finalement, qu’elles comportent à la fois du blanc ainsi qu’un «vrai noir».

Moins l’intensité lumineuse était forte au départ et plus l’image manquera de contraste.

Cela dit, le contraste souhaité pour une image est une notion tout à fait subjective.

Certaines personnes, dont je fais partie, aiment un contraste fort pour la majorité de leurs photographies avec des zones sombres bien noires, des zones claires presque blanches et des tons intermédiaires assez marqués (du gris assez foncé et du gris assez clair, mais pas trop de gris neutre).
D’autres apprécient les images au rendu plus doux, avec davantage de modelé, tout en demi-teintes.

De plus, il est bien évident que notre envie de contraste peut varier d’une photo à l’autre et d’une série à l’autre.

Le contraste peut être retravaillé sur la globalité de l’image ou par zone.
La première solution permet d’obtenir un contraste global fort avec des zones très sombres et d’autres très claires.

La seconde permet de chercher du détail dans chacune des zones de l’image (un peu à la manière du HDR, dans une moindre mesure).

Mais attention ! Vouloir trop de détails partout dans l’image risque de lui faire perdre sa dynamique globale.
Le travail de contraste sert aussi à focaliser le regard au bon endroit !
Dans certains cas, à quoi bon avoir beaucoup de détail dans une zone où il ne se passe pas grand chose, si cela n’apporte pas quelque chose à l’image ?

Au contraire, le travail de vignettage, par exemple, (il s’agit d’assombrir légèrement les bords de l’image) est un jeu sur le contraste qui permet de diriger le regard vers le sujet de la photo, ou tout du moins d’éviter qu’il ne s’échappe à cause d’un bord trop clair.
Casser le contraste d’un élément d’arrière plan est un bon moyen pour le neutraliser en partie, en diminuer l’impact.

Ainsi le travail sur le contraste nous permet de choisir ce que l’on souhaite dissimuler ou mettre en valeur. Il peut focaliser le regard à un endroit, et influencer le sens de lecture.

Ainsi telle ou telle manière de travailler le contraste est un choix à part entière pour une photo.

 

CONTRASTE ET EXPRESSIVITE… DONNEZ VIE A VOS PHOTOS !

Le contraste d’une image est déterminant pour son rendu, son impact, et même sa signification !

Il nous permet même de modifier l’expression d’un visage tant il influence l’émotion ressentie devant l’image.
Choisir tel ou tel type de contraste, privilégier les teintes claires ou au contraire les tons sombres, laisser le noir ou le blanc envahir une grande partie de l’image… tout cela constitue une palette d’outils au service de l’émotion.
Peur, douceur, angoisse, sérénité… c’est parfois votre choix de contraste qui fera la différence !

 

Un contraste plutôt faible permet qu’aucune zone de l’image ne soit très claire ou très sombre. On joue davantage sur des densités proches, des demi-teintes.
En découle donc une impression de douceur, de sérénité.
Attention tout de même à ce que douceur ne soit pas synonyme de molesse !

Ce type de traitement est assez adapté aux atmosphères un peu fantômatiques, évanescentes.
Un faible contraste associé à des tons clairs donne même parfois une impression un peu paradisiaque… un côté… illumination !!

 

Un contraste très fort peut contribuer à créer une atmosphère inquiétante, évoquer la peur, l’agressivité.
Ce genre de traitement est adapté également aux photos graphiques car il met bien en valeur les jeux de lignes et les textures.
Un fort contraste rend l’image plus lisible, en accentuant les détails et la dynamique globale de l’image.

 

Ne trouvez-vous pas cela incroyable qu’un choix de réglage ou de post-traitement soit aussi primordial pour l’impact final de notre image que ces jeux de contraste ?
Comme quoi, l’instant décisif et la composition ne sont les seuls maîtres de nos photographies !

Concluons en disant que, comme toujours, ce sont nos choix qui feront la différence…
Travaillons le contraste sans avoir peur de tester, quitte à tomber dans les excès, afin qu’il soit, comme le reste, un moyen d’expression de notre subjectivité !