Ces trois photos se sont associées dans mon esprit, à travers des points communs qui « font le pont » d’une image à l’autre.

Il faut bien l’admettre, la plupart des images réalisées de par le monde sont descriptives.
Elles ont alors pour but premier de montrer un sujet, bien souvent sans y apporter de plus-value : le souci majeur consiste au contraire à s’approcher au plus près de ce qui nous semble être la réalité.

Bien entendu, de nombreux photographes vont plus loin et s’aventurent dans la photographie créative.
En effet, en exploitant à bon escient les paramètres de prise de vue, nous pouvons, non plus présenter le sujet de façon neutre et détachée, mais bien l’interpréter à notre manière. Rendu noir et blanc, angle de vue spécifique, cadrage particulier, flou de profondeur de champ, sous ou surexposition, effet de mouvement etc. nous permettent, entre autres, d’arriver à nos fins. Nous rendons ainsi hommage au sujet selon une approche personnelle, originale.

De la photo descriptive, nous avons glissé vers la photo créative…

Qu’en est-il, alors, de ce que j’appelle « la photo imaginative » ?!

L’Oasis

Cette fois-ci, il ne s’agit plus d’interpréter mais, au contraire, de détourner !

Faire abstraction de la situation de prise de vue, de l’identité du sujet lui-même, de la réalité, parfois, peut nous conduire à aller encore plus loin sur la voie de la créativité.
Avez-vous déjà eu envie de partager un nouvel univers, de mettre en image des ambiances de contes ou de science fiction, ou de projeter sur l’élément photographié un tout autre sujet ?!

Il est essentiel de garder en tête que cela est possible, et que les montages numériques n’ont pas l’apanage de l’imaginaire !

Le poisson-chat

Donner un titre à une photo peut permettre d’influencer son interprétation. Cependant, celui-ci ne constitue pas toujours une nécessité. Suis-je la seule à percevoir l’évidence de cette pirogue abandonnée au milieu des roseaux ?…

Dans les trois photos présentées ici, l’interprétation imaginative est chaque fois liée à un changement d’échelle : les éléments nommés (titres) sont plus grands, plus « à notre taille » que le sujet de départ. L’infiniment petit comme l’infiniment grand, par leur disproportion vis à vis de nos propres repères, peuvent donc faciliter les détournements.

L’une des images (l’oasis) a été retournée pour correspondre à l’interprétation que je souhaitais en faire.
Les associations reflet et flou de profondeur de champ (l’oasis et le poisson-chat) puis rapprochement de formes et angle de vue au ras du sol (la pirogue) me permettent de vous proposer ces visions imaginaires…
Vous adhérez ?!

La pirogue

Si cette approche vous tente mais que vous ne savez pas trop comment vous y prendre pour la mettre en oeuvre, je vous propose :

- de vous extirper tout d’abord de la réalité en allant vers l’abstrait (images graphiques, très gros plans, jeux de flou et de couleurs qui rendent le sujet non-identifiable)
- de visionner vos images abstraites pour ce qu’elles sont, en oubliant le sujet : vous font-elles penser à autre chose ?
- de changer l’orientation de vos photos abstraites (rotation à 90° ou à 180°, symétrie de la zone de travail) pour vous détacher plus encore de la situation de prise de vue et rechercher de nouvelles interprétations
- de tenter par la suite, lors de vos prises de vue, de vous projeter tout de suite dans l’imaginaire, de repérer les éléments ambigus qui peuvent être le point de départ d’une nouvelle interprétation, de vous laisser aller à la rêverie créative.

Vous verrez, ce genre de prise de vue peut avoir l’effet « dépaysant » d’une longue séance de ciné ou de méditation !

Je réalise que j’ai oublié de vous faire part de la publication d’un extrait de mon prochain livre, « Vivez, déclenchez, partagez ! La photo au quotidien », sur le blog QuestionsPhoto.
C’est surtout l’aspect technique de la photographie qui est abordé sur ce site ; j’ai donc choisi, en partenariat avec Eyrolles, de proposer un extrait relatif à l’un des avantages de nos petits matériels quotidiens : la visée à l’écran.

Compacts et hybrides proposent bien souvent l’écran comme unique mode de visée. Cette caractéristique, régulièrement montrée du doigt et considérée comme un aspect négatif et restrictif de ces matériels cache bien des avantages. Il est important d’en avoir conscience pour les exploiter à leur juste valeur ! D’ailleurs, pourquoi de nombreux reflex proposeraient-ils une fonction « live view » (visée écran) si celle-ci avait tant d’inconvénients ?

 

Ce texte, que j’ai écrit il y a quelques mois, constitue aussi une réponse toute trouvée à cette phrase qui m’a faite bondir de ma chaise, l’autre jour, en feuilletant le dernier numéro de Réponses Photo (Sept 2011, p 115)…
Voici comment y est jugée la visée à l’écran d’un hybride : « Par défaut, on devra composer avec l’écran, exercice peu plaisant pour les vrais photographes, d’autant plus que l’affichage n’est pas parfait ». Comment ne pas s’insurger en lisant que celui est à l’aise avec le cadrage à l’écran ne peut pas être un « vrai photographe » ?!!

Ainsi, je me permets d’affirmer que la visée à l’écran n’est pas qu’un pis aller qui nous fait regretter chaque jour que notre matériel ne soit pas doté d’un sacro saint viseur mais bien un mode de visée qui présente de nombreux avantages et n’empêche pas, loin s’en faut, de se sentir vraiment photographe. :)

RDV sur QuestionsPhoto pour lire l’article « Les atouts de la visée à l’écran », extrait de mon prochain livre, qui sort le 6 octobre prochain !

La végétation, matière première de nos photos nature, est globalement sombre. Elle est même souvent plus dense pour l’appareil que pour notre oeil, ce qu’il nous faut garder en tête pour éviter les problèmes d’exposition.
La végétation est également désordonnée. A l’opposé de nos lignes droites, des marquages dociles de nos villes, elle est faite de tiges enchevêtrées, de feuilles superposées, d’herbes folles et de buissons destructurés.

Le challenge du photographe, dans ce contexte, est d’organiser visuellement cet environnement naturel dans le cadre. Le contraste y joue un rôle essentiel ! C’est lui qui crée les lignes et les formes que nous pourrons agencer dans nos compositions : tronc de bouleau sur fond sombre ou écorce de chêne sur fond clair, insecte noir se détachant sur une feuille vert tendre, végétal dans la lumière au sein d’un sous-bois obscur… Utilisez les contrastes en densité pour guider l’oeil et dompter le chaos !

A l’échelle du paysage, comme la végétation est, nous l’avons dit, dense, la recherche d’éléments clairs constitue une formidable de stratégie pour réaliser des photos fortes et graphiques.

Barrières blanches, rochers clairs, chemins de cailloux, animaux d’élevage, ruisseaux ou flaques réverbérant la lumière, nuages ou soleil éblouissant crevant un ciel azur, bouleaux jalonnant le paysage… tout ce qui tranche et prend la lumière au milieu du vert sombre des forêts et campagnes est un bon outil pour diriger le regard dans vos paysages.

Et si, par temps de neige, vous « composiez en négatif » ?…
Car chaque météorologie, chaque orientation lumineuse, chaque association de végétaux, de minéraux amène un contraste spécifique. Quel qu’il soit, « pensez en densité » et écrivez vos photos en « blanc sur noir » et en « noir sur blanc »… Elles s’en ressentiront !

Mon précédent article, « B&W BZH » présente également de nombreux exemples de « compositions en densité ».

Les inconditionnels du site reconnaîtront sans doute le chemin en zig zag de la dernière image ; c’est l’un de mes sujets de prédilection du moment (capté en hiver, au printemps, sous la pluie, le soleil, dans la brume !!…) ! Vous le retrouverez sur la couverture de « Vivez, déclenchez, partagez ! La photo au quotidien ».

Ces derniers jours, je vous ai présenté pas mal de photos en noir et blanc…
Alors, suis-je fâchée avec la couleur ?

A priori non, mais particulièrement adapte de contraste, par contre !
Et quel plaisir, en noir et blanc, de pouvoir avoir une telle latitude pour le traitement, un tel champ d’action pour gérer le contraste !
En couleur, c’est plus délicat car la saturation monte vite dès qu’on force un peu le traitement. De plus, un noir dense et granuleux associé à des teintes vives peut donner des images un peu agressives.

 

La meilleure manière de créer des images contrastées en couleurs consiste donc… (Monsieur de La Palisse, si vous nous lisez…) à choisir des tons contrastés dès la prise de vue !
Le contraste ne se fait alors plus en densité mais en teinte.

Les associations les plus fortes sont celles qui s’approchent des couples de couleurs complémentaires et avec le duo vert et orange que je vous propose ici, nous n’en sommes pas loin.
Les images du chat et du reflet, prises à quelques jours d’écart, cohabitaient tellement bien dans mon dossier d’images abouties que je n’ai pas résisté à vous les présenter ensemble. Cette façade de maison, captée il y a quelques mois, s’associait bien à ces deux dernières et amène une thématique doublant ma cohérence de couleurs : « à la fenêtre ».

Une très bonne fin de semaine à tous !

Je suis une fervente partisane du post-traitement.
En effet, sans ce petit grain de sel, je trouve que nos images manquent souvent un peu de saveur…
Nos fichiers numériques sont, la plupart du temps, fades et ternes et ils ont bien besoin d’une certaine mise en valeur.

Je sais que beaucoup d’entre vous ne retouchent pas leurs images, par peur de ne pas savoir s’y prendre, en pensant que cela prend du temps, que c’est compliqué… Et pourtant… Force et de constater qu’en quelques mouvements de curseurs, on transfigure une image !

Pour moi, la vraie problématique n’est PAS, encore une fois, technique. L’enjeu se situe ailleurs : comment exploiter ces outils de retouche à bon escient ? Bien retravailler une image ne signifie pas savoir utiliser un logiciel mais s’en servir comme tremplin : ce qui compte étant toujours l’expressivité qui en ressort !

Pour illustrer cela, voici deux retouche complètement différentes de cette image.

 

Voici tout d’abord le fichier brut… Bon sujet mais quelle grisaille !

 

Je vous propose ci-dessous une version contrastée de cette photo. Les densités plus variées font bien mieux ressortir le graphisme du sujet. La lisibilité est également meilleure.

 

Enfin, pour cette autre variante, j’ai joué également sur le contraste… mais d’une autre manière. L’expression est alors totalement différente, ainsi que le rendu ! La partie basse en ombre chinoise met davantage en valeur la forme du Sacré Coeur et distrait moins le regard, alors plus réceptif au graphisme des innombrables fils.

Ce qui est étrange, c’est que cette dernière variante pourrait sembler très retouchée voire artificielle alors qu’en fait elle est beaucoup moins travaillée que la précédente.

La première version ressemble davantage à ce que l’on voit « en vrai » mais au moment de la retouche, le contraste entre le ciel et le sol oblige à retoucher par zones, à modifier la luminosité différemment à un endroit ou l’autre de l’image, ce qui constitue un artifice.
La seconde version exploite au contraire l’extrême différence de luminosité entre ciel et sol et ne découle que d’un traitement global très facile à réaliser…

Cela vous donnera peut-être des idées ? :)

Je suis convaincue qu’il est essentiel de photographier avec intention.

Savoir ce que l’on veut montrer dans une image, ce que l’on veut faire ressortir est le gage d’une photo « qui se tient ». L’impact visuel de nos images s’en ressent ainsi que le sens qu’elles véhiculent.

Est-ce que, pour autant, la signification de nos images s’avère limpide et définie ?
Bien souvent, non, car chacune des personnes qui visionne l’une de vos photographies a un vécu différent, elle perçoit les choses avec sa propre sensibilité. Ainsi, une image riche et relativement symbolique présentera sans doute autant de significations différentes que de personnes qui l’auront visualisée…
Parfois, des points communs ressortent mais, en fonction de la personnalité du spectateur, un élément peut avoir un sens bien particulier… ou son contraire !

 

Personnellement, j’aime que l’on interprète mes images et qu’on leur donne une autre vie, un autre sens que celui que j’avais imaginé au départ. Il est tellement riche de laisser la liberté au spectateur de se créer son histoire… Quand il nous la fait partager, c’est une redécouverte de la photo, à chaque fois. Moi-même, je laisse parfois vagabonder mon imagination pour réinventer une image…

Pour cette raison, il est délicat de donner un titre à ses photos car s’il correspond à une simple description visuelle, il n’a aucun intérêt, mais s’il propose un axe de lecture trop directif, il fait perdre un peu de rêve, de liberté et d’imagination au spectateur…

 

C’est pourquoi j’aimerais vous proposer de choisir vous-même un titre pour cette image et de nous raconter l’histoire qui s’y associe.
Que voyez vous dans cette photo ? Comment vous-y projetez-vous ? Quelle interprétation vous vient à l’esprit ?
Je souhaiterais que chacun d’entre vous prenne la liberté de s’approprier cette image et qu’il nous fasse partager son interprétation, sans se laisser influencer par celle des autres.

Alors, à vos plumes et à vos claviers…
Et merci d’avance pour votre participation ! :)

Pour ce bouquet d’hortensia, pas de carton blanc, pas de tissu à l’arrière-plan.

Pas de fond, en fait. Juste un bouquet, et de la lumière.
C’est avec ces deux seuls ingrédients que j’ai créé ces images, en lumière naturelle et hors studio.

Il s’agit d’une technique vraiment toute simple mais à laquelle on ne pense pas toujours, c’est pourquoi je me suis dit qu’il pourrait être utile que je vous fasse partager ce « truc » de prise de vue.

Le mode d’emploi ?
Contre-jour et surexposition.

Voici comment mettre en oeuvre cette technique, chez vous, dans une situation mise en scène mais en lumière naturelle. (Nous verrons par la suite que l’exploitation de ce procédé va bien plus loin que cela, comme le montrent les images illustrant cet article !)

> Choisissez un sujet, si possible pas trop clair (évitez le blanc qui surexposera en même temps que le fond).
Un sujet coloré et translucide est idéal (fleurs, feuilles, agrumes, objets en plastique translucide ou en verre coloré, bonbons etc.) car le contre-jour révèlera sa structure (alvéoles, pulpe, craquelures…) et renforcera ses couleurs.

> Placez votre sujet sur un appui de fenêtre ou, en extérieur, sur fond de ciel lumineux (pas trop bleu…).
S’il est léger, vous pouvez également le scotcher à la fenêtre ou l’y apposer avec de la patafix !

> Surexposez violemment : décalez le curseur de la réglette de correction d’exposition vers la droite, à +1 IL voire +2 ;

> Composez en associant une zone de « fond blanc » à votre sujet ;

> Retouchez légèrement l’image si besoin car elle peut paraître voilée à la prise de vue.
Pour obscurcir les tons les plus sombres : décalez le curseur « point noir » et éventuellement le curseur « contraste » vers la droite dans un logiciel classique ou glissez vers la droite le curseur gauche des niveaux sous Photoshop.
Parfois, aussi fou que cela puisse paraître, on gagne aussi à augmenter encore la luminosité au traitement (curseur « exposition » et/ou « luminosité » vers la droite ou curseur central et droit des niveaux vers la gauche) !

Quelques remarques complémentaires :

> Les images qui illustrent cet article donnent l’impression d’un fort éblouissement, d’une source lumineuse très présente mais sachez qu’il n’est pas nécessaire qu’il y ait du soleil ni une très grande luminosité. N’importe quel jour terne peut faire l’affaire pour réaliser ce type de prise de vue.
Veillez cependant à ce que l’on ne voie pas trop d’éléments sombres par la fenêtre. Un voilage blanc fait très bien l’affaire pour atténuer la vue extérieure.

> Cette technique n’est pas valable uniquement pour des photographies d’objets mis en scène ! Nous rencontrons fréquemment des situations de contre-jour lors de nos prises de vue, que nous pouvons exploiter comment explicité plus haut. Sur cette page, différentes images non mises en scène utilisent la surexposition pour mettre en valeur un sujet et le faire se détacher sur fond blanc : portrait spontané, prises de vue végétale ou animale, scène de vie en extérieur.

> Une image au fond blanc a parfois besoin d’un liseré, selon la manière dont elles est présentée (site internet sur fond blanc par exemple). Le fond uni obtenu n’est pas une fatalité ni forcément une fin en soi : on peut le vigneter (photo assombrie sur les bords), ou le texturer par exemple

J’espère que cette technique facile à mettre en oeuvre et créative vous permettra de faire des photos lumineuses… et originales !

Bonnes surexpositions à vous ! ;)

Benoît Marchal, photographe et animateur du site Declencheur.com m’a fait le plaisir de me contacter, il y a quelques temps, pour une interview audio.

Nous avons donc parlé de « Composez, réglez, déclenchez ! La photo pas à pas » mais aussi et surtout, de photographie !
Benoît adhère, manifestement, à la même approche photographique que moi : peu technique, pas prise de tête voire… libérée ?! D’ailleurs il photographie aussi avec un GF1 !

Ainsi, l’interview s’appelle « Pour une photo décontractée »…
Un extrait de 12 mn est disponible gratuitement à l’écoute.
J’espère que le contenu de cette discussion vous intéressera !

Un grand merci à Benoît Marchal pour sa disponibilité.

Décontractée ? Moi ?! ;)

Ooops ! Juste après avoir photographié un contre-jour violent pour lequel j’avais fermé le diaphragme à f/11, je suis rentrée dans cette boutique et ait eu envie de photographier ce mannequin grandeur nature qui prenait une pose rêveuse au milieu des tissus…
Est-ce que, pour autant, j’ai pensé à changer d’iso et de diaph ?! Que nenni !!… Cela arrive, à vous aussi ?!

Eh oui, comme vous, j’ai mes moments de rêverie et parfois, comme ici, il s’accompagnent de poésie…

Cette image me rappelle un mot de Bernard Plossu, il y a un an et demi, lors de son intervention au Salon de la Photo. « C’est vrai qu’il y a des photos ratées qui sont bonnes »…

Et autant il est exemplaire d’exceller dans la maîtrise, de peaufiner les moindres détails de son oeuvre, de tout préméditer jusqu’au petit effet qui fait la différence, autant il est trop rare d’avoir l’humilité de dire : « Non, je ne l’ai pas fait exprès, et je crois que le résultat est encore meilleur que celui que j’envisageais »…

Il n’est pas question, bien sûr, de shooter au petit bonheur la chance en attendant le cadeau du hasard ni de se vanter de ses erreurs ! Mais il n’est-il pas tout aussi essentiel d’être ouvert aux impondérables qui ne manquent pas d’arriver que d’avoir une vraie intention pour nos images ?
Je crois bien que c’est l’association de ce « yin » et de ce « yang » qui font les photographies pleines d’harmonie.

Combien de personnes renieraient une photo comme celle-ci parce qu’elle n’est pas celle prévue ? Combien de photographes rejettent le flou par défaut sans même s’intéresser à l’esthétisme qui s’y associe ? Quel dommage !
Et vous, savez-vous parfois trouver la perle rare qui se cache au milieu de vos imprévus photographiques ?

Je photographie beaucoup de choses, mais, le moins que l’on puisse dire, c’est que je ne suis PAS une photographe animalière !
J’aime pourtant photographier les petites bébêtes que nous côtoyons quand l’occasion se présente, souvent des insectes communs ou des animaux de compagnie mais je ne suis à la recherche d’aucune performance photographique. L’espèce rare captée au 600mm à 5 heures du matin, ce n’est pas pour moi !!

Ainsi, l’image ci-dessous n’est pas une photographie animalière au sens où on l’entend généralement.
Cette simple mésange bleue posée sur la balustrade de mon balcon donne une photo plus « jardin » que « nature ».
La lumière n’a rien d’exceptionnel et la netteté laisse à désirer !!
On est bien loin de l’exploit photographique que recherchent nos compatriotes animaliers et pourtant, je trouve que cette image dégage une certaine poésie… justement, peut-être, parce que la lumière est douce, la photo légèrement floue, la mésange pas trop grande dans l’image et la balustrade présente…
Composition à l’inverse de notre sens de lecture et cadrage panoramique (cinématographique ?!) ajoutent encore à l’atmosphère sereine, assez zen… Enfin, les tonalités parfaitement assorties entre les plumes de mon modèle et le fer forgé moussu par endroits donnent la petite touche finale !

Encore une fois, on dirait que l’ambiance a primé sur la technicité… Et n’est-ce pas mieux ainsi ?

Bonne journée !

N’hésitez pas à cliquer sur la photo pour la voir en plus grand !

Il n’y a pas que les petits fleurs, les herbes et les gouttelettes dans la vie… Il y a la ferraille, aussi !

Rechercher l’abstraction dans notre environnement quotidien constitue une activité à la fois intéressante et amusante.

Considérer ce qui nous entoure comme des lignes, des formes, des densités, des couleurs et non comme des lieux, des objets, des personnes est le fondement de la photo graphique.
Le jour où vous trouvez « qu’il n’y a rien à photographiez », tentez l’expérience de faire abstraction de la réalité des choses pour passer dans un monde parallèle : cherchez les matières, les motifs, les alignements, repérez les teintes qui se répondent, les jeux d’ombres et lumières… (Pour éveiller votre réceptivité, consultez « Composez, réglez, déclenchez ! La photo pas à pas » p 6 à 19. Pour une aide au cadrage et à la composition, RDV p 42 43 et p 70 à 73)

Adoptez une approche soit résolument géométrique, soit coloriste, soit basée sur la lumière et le contraste ! Je suis sûre que vous ne serez pas déçu du voyage !

Attention, il est probable que vous n’ayez pas forcément envie de revenir illico dans notre univers terre à terre ! ;)

Voici quelques astuces pour réussir vos images graphiques formant des motifs :

- Placez-vous bien parallèlement à votre sujet, ne vous positionnez pas en biais ;
- Cherchez la régularité pour créer un motif répétitif. Cadrez uniquement les éléments qui se répètent à l’exclusion du reste. Incluez éventuellement un élément « trouble-fête » unique dans votre image pour casser le rythme !
- Adoptez un cadrage « rentre-dedans » : coupez le sujet de chaque côté de votre image, ne laissez au maximum qu’un bord de « libre » (comme le bas sur mes images). Vous donnerez ainsi l’impression que le motif se prolonge indéfiniment ;
- Appliquez-y un contraste fort au post-traitement. Le noir et blanc est aussi une option très intéressante à tester.

Bonnes prises de vue graphiques et abstraites à vous !

Je parle rarement « appareils photo » sur Au Présent du Subjectif… Il y a tellement de sites qui le font déjà, tellement de choses plus intéressantes à dire, et tellement d’images à montrer !

Ceci dit, trouver le matériel qui nous convient n’est pas toujours une mince affaire. Nos recherches sur internet et feuilletages magazines ont des allures de labyrinthes. Piqués variés, aberrations chromatiques, focales à valeur variable suivant le référentiel photographique utilisé, ergonomies au ressenti subjectif… les méandres de la technique photo sont bien peu balisés.
Déterminer à grand renfort d’arguments quel est le meilleur appareil photo nous laisse plutôt de marbre, n’est-ce pas ? Ce qui nous intéresse avant tout est de savoir lequel nous conviendra le mieux ! Bien entendu, le meilleur appareil n’est pas le même pour tout le monde, sinon pourquoi existerait-il 9647 modèles d’appareils, d’objectifs et d’accessoires en tous genres ?

Quel est le matériel qui VOUS convient, je ne saurais le dire.
Mais je veux bien vous faire partager les raisons de mon choix et vous présenter rapidement et de manière que j’espère accessible ce format µ4/3 des appareils dits « hybrides » pour lequel je viens d’opter.
Peut-être cela vous ouvrira-t-il des horizons ?

Autoportrait avec le Lumix GF1 associé au 20mm 1.7 pancake, de chez Panasonic.

LES FAMILLES D’APPAREILS PHOTO

Il existe plusieurs familles d’appareils.
Le grand public a le choix, en numérique, parmi :

- les COMPACTS : appareils aux dimensions réduites, au zoom intégré et rétractable, à petit capteur et visée électronique par l’intermédiaire d’un écran.
- les BRIDGES : appareils plus volumineux à objectif fixe, à petit capteur et à visée électronique par l’intermédiaire d’un écran.
- les REFLEX : appareils beaucoup plus volumineux, à objectifs interchangeables, à grand capteur et à visée « reflex » dans un viseur optique. Un miroir présent dans l’appareil renvoie la vision de la réalité dans notre viseur.
Il existe deux types de reflex numériques avec un capteur plus ou moins grand : les appareils haut de gamme ont un capteur 24×36 comme nos anciens reflexes argentiques tandis que les reflex grand public (et plus accessibles au niveau prix) ont un capteur plus petit bien que de taille appréciable et supérieure à celui des compacts et bridges.

Il y a quelques années, Olympus et Panasonic ont créé un nouveau type d’appareil :
- les HYBRIDES au FORMAT MICRO-QUATRE-TIERS.
Il s’agit d’appareils aux dimensions assez réduites, à objectifs interchangeables et à visée électronique par l’intermédiaire d’un écran. Leur capteur est un peu plus petit que celui d’un reflex mais bien plus grand que celui d’un compact ou d’un bridge.

 

Avant de passer à la suite, arrêtons-nous quelques secondes sur cette question de taille de capteur.
En effet, cette caractéristique de nos appareils, c’est le « nerf de la guerre » du matériel photographique (contrairement à la résolution en méga-pixels qui n’a rien à voir et présente beaucoup moins d’intérêt) !
La taille du capteur détermine en particulier :
- la qualité de l’image lorsque la lumière manque et que l’on monte en sensibilité ISO (un grand capteur donne des photos moins « bruitées », présentant moins de « grain » à haute sensibilité)
- le modelé de l’image, lié au flou de profondeur de champ que l’on peut créer à grande ouverture (un grand capteur donne des flous plus prononcés et plus esthétiques qui apportent une certaine profondeur aux photos).

Avoir ces données en tête permet de mieux saisir l’intérêt des appareils hybrides au format micro 4/3 : proposer un capteur plus grand dans un boitier plus petit !

RETOUR SUR MA PROPRE EXPERIENCE

Personnellement, j’ai toujours eu tendance à considérer que les bridges étaient des « entre-deux » peu intéressants : trop gros pour être compacts et contraignants par rapport à un réflexe (pas de possibilité de changer d’objectif). Attention ! Ce ressenti ne découle pas d’une expérience car je n’ai jamais eu de bridge.

J’ai longtemps alterné compact et reflex : après avoir commencé la photo, quand j’étais enfant, avec un compact argentique, je suis passée à un reflex argentique, le Canon AE1. Mon passage au numérique s’est fait grâce à un lot de concours photo sur le web (j’ai gagné un compact numérique, un Canon Powershot A10 je crois). J’ai acquis par la suite, dans une dynamique professionnelle, successivement, deux reflex numériques, les Canon EOS 300D puis 30D.

Il y a quelques années, je suis revenue vers un compact qui me permettait la prise de vue au format carré et correspondait à un matériel photo léger et discret que je pouvais toujours avoir sur moi, le Ricoh GX100.
Depuis, je dois bien avouer que sauf pour des prises de vue en conditions particulières ou à dominante professionnelle forte (prises de vue gastronomiques par exemple), mon reflex a tendance à prendre la poussière…
Ses inconvénients majeurs ? Le poids et le volume qui m’alourdissent en balade, en font un matériel qui ne peut pas nous accompagner au quotidien, absolument non discret pour photographier en ville, la prise de vue au viseur qui réduit la liberté d’action et d’angle de vue (certains ne peuvent pas, au contraire, se passer de viseur et détestent la visée à l’écran…) et l’absence de format carré à la prise de vue.
Du côté des avantages du reflex, on a tout de même, bien sûr, la qualité d’image, le modelé donné par les faibles profondeurs de champ, la rapidité de déclenchement et de mise au point et le caractère interchangeable des objectifs.

Il y a quelques mois, j’ai commencé à me demander s’il ne serait pas possible d’avoir le beurre et l’argent du beurre… ;)
Je recherchais un appareil qui soit compact, me permette la prise vue au format carré mais ait une meilleure qualité d’image (piqué et absence de grain lors de la montée en ISO en conditions de lumière difficiles).
Je souhaitais aussi (et c’était l’une de mes envies les plus fortes), retrouver un meilleur modelé pour mes images, lié à la possibilité de jouer sur la profondeur de champ, ce qui est impossible avec un compact sauf en mode macro, à cause de son capteur trop petit.

Le format µ4/3, qui commence à être bien installé et peut donc à présent être considéré comme fiable et durable dans le temps, m’a semblé être la solution rêvée à mon problème « matériel ».
Les inconditionnels du matériel photo trouveront sans aucun doute que cet article arrive un peu comme « la soupe après dîner » mais je crois que le « grand public », au contraire, ou d’autres photographes qui, un peu comme moi, ne s’intéressent que d’assez loin à la technique pure, n’ont pas encore bien identifié cette nouvelle catégorie d’appareil… ce qui justifie à lui seul cet article !

 

Ce qu’il faut retenir des quatre photos ci-dessous ? Qu’un appareil µ4/3 est quasi au niveau d’un reflex en terme de profondeur de champ et de qualité d’image ! La photo réalisée au compact est beaucoup plus dure, plus nette et manque de modelé.
Le compact est un matériel formidable pour certains types de photos et sa grande netteté peut le servir comme le desservir. Autant il convient parfaitement pour des photos de rue ou du quotidien, autant pour de la photo macro peu rapprochée comme ici ou pour de la photo culinaire, par exemple, il vaut mieux lui préférer un reflex ou un hybride µ4/3.

QU’EST CE QU’UN APPAREIL HYBRIDE AU FORMAT MICRO-QUATRE-TIERS ?

Je crois bien que certains des appareils µ4/3 (en l’occurrence les plus petits, à mon humble avis) constituent le maillon manquant du marché des appareils photographiques.

Leur format compact si on les dote d’une focale fixe peu volumineuse (dite « pancake ») s’associe à
- une très bonne qualité d’image (piqué) et une montée en sensibilité (ISO) qui garantit des photos presque sans grain jusqu’à 800 iso voire au delà selon les modèles
- l’opportunité de jouer sur la profondeur de champ et de faire la mise au point manuellement
- la possibilité de viser à l’écran (qui ne convient pas à tout le monde mais donne plus de liberté d’angle de vue, de discrétion et permet, comme je le lisais il y a quelques jours sur internet, à nos modèles de nous regarder dans les yeux plutôt que de nous deviner, cachés derrière notre machine !)
- une réactivité impressionnante (pas de latence comme avec un compact)
- des fonctionnalités améliorées : autofocus performant, ergonomie etc
- la possibilité de choisir son objectif, d’en changer au cours du temps ou selon le type de prise de vue, ainsi que de conserver ses objectifs lorsque l’on achètera, par la suite, un boitier plus récent.

Je lisais récemment sur internet qu’un bridge était bien plus proche d’un compact que d’un réflexe, à part sa taille. C’est quand même un comble !!… d’autant plus que beaucoup de compacts nous permettent de maîtriser nos images (en photographiant en priorité diaphragme par exemple)… La taille ne fait pas la qualité !
Au contraire, les appareils hybrides au format µ4/3 sont plus proches des reflex que des compacts… sauf en ce qui concerne leur gabarit… et là je dis youpi !! ;)
Il est vrai que ces appareils semblent au premier abord un peu chers car presque aussi coûteux (voire plus) qu’un reflex d’entrée de gamme. Nos préjugés nous freinent à acheter un boitier plus petit pour un même tarif ! Et pourtant, avoir une meilleure compacité, quasi sans perte de qualité, ne trouvez-vous pas que cela n’a pas de prix ?

 

QUELQUES REMARQUES COMPLEMENTAIRES

L’appareil que j’ai acheté, le Lumix GF1, était proposé avec une bandoulière (contrairement à mon compact que je tenais avec une courroie au poignet) et cela m’a, dans un premier temps, étonnée, vue la taille du boitier.
Quand l’appareil est juste lié à notre poignet, on a une liberté de mouvement totale, par contre, on range son appareil dès que l’on n’en a plus besoin et que l’on veut se servir de ses mains ! Avec une bandoulière, on tend un peu moins le bras et l’on a parfois une sangle dans son champ de vision mais, par contre, on peut garder l’appareil autour du cou, ce qui libère les mains et nous permet de garder davantage l’appareil à notre portée.
Un appareil µ4/3 doté d’un petit objectif nous laisse la possibilité de choisir entre ces deux options.

Avez-vous déjà eu mal au cou avec votre reflex, ou avez-vous déjà subi le problème du « zoom qui zoome tout seul à cause de son propre poids » ?? Ici, rien de tout cela ! Vous troquez une enclume contre une plume autour du cou, qui saura se faire oublier lorsque vous renoncerez à l’utiliser.

 

Le boitier d’un hybride étant petit, il n’est pas vraiment adapté à un gros zoom polyvalent et/ou « grossissant ». La possibilité est là, bien sûr, et c’est une bonne chose, mais choisir un zoom conséquent fait perdre à votre matériel tout le bénéfice de la légèreté, de la compacité et de la discrétion.
Pour garder une configuration compacte, optez pour un objectif pancake (très plat). Il s’agit généralement d’une focale fixe (c’est une contrainte à gérer, il est vrai), souvent bien lumineuse (adaptée aux photos en basse lumière et aux jeux de profondeur de champ). L’un des arguments majeurs qui m’a poussé à choisir le GF1 est sa commercialisation avec un 20mm ouvrant à 1.7.

La gamme d’objectifs disponibles pour ces nouveaux appareils µ4/3 est encore relativement restreinte. Vérifiez que vous y trouverez votre bonheur avant d’investir dans un boitier.
Des bagues d’adaptation existent, aussi, qui permettent d’utiliser d’anciens objectifs (ce sont souvent des objectifs de très bonne qualité et qui coûtent peu cher) en faisant la mise au point manuellement et en réglant le diaphragme sur l’objectif lui-même et non sur le boitier. Cela ouvre encore de belles perspectives au niveau des optiques !

 

CONCLUSION

J’espère que cet article vous aura permis d’y voir plus clair concernant les différents types d’appareil photo et de comprendre ce que sont ces appareils hybrides µ4/3 !
N’hésitez pas à me poser des questions et demander des précisions si certains aspects manquent de clarté. J’actualiserai cet article au fil du temps en fonction de vos interrogations et mon expérience avec ce matériel.

On me demande souvent cette confirmation : « Alors, tu utilises ce petit appareil [compact ou µ4/3] en complément de ton reflex ? »… et je suis toujours un peu gênée d’avouer que non, c’est plutôt le reflex qui est devenu le matériel de complément !

Avec ce nouvel appareil en micro 4/3, vraiment convainquant côté qualité d’image et d’une efficacité redoutable, je crois que j’ai plus que jamais envie d’assumer mon affinité pour les petits matériels.

Et, pour terminer en images, voici quelques photos réalisées au Lumix GF1 de Panasonic.

De très bonnes photos à tous, avec ou sans gros zoom ! ;)

L’image ci-dessus, à droite, montre l’efficacité du GF1 + 20 mm 1.7 en basse lumière. A 21h, à la nuit tombante, j’ai encore pu déclencher à 100 iso grâce à une ouverture du diaphragme à 1.7. La vitesse était de 1/40s, temps de pose que je peux « tenir » à main levée.

Les deux photos ci-dessous sont révélatrices de l’intérêt d’un capteur assez grand couplé à une grande ouverture de diaphragme (je suis toujours à 1.7). On obtient un flou esthétique qui enveloppe le sujet et renforce la netteté du point fort, par opposition. Les possibilités esthétiques et ludiques sont infinies ! L’image de gauche présente essentiellement un flou d’arrière-plan ; celle de droite un flou de premier-plan.

Enfin, les deux images ci-dessous montrent ce que l’on peut faire avec un petit appareil discret, maniable que l’on tient négligemment et que l’on garde à portée de main. Contrairement à mon reflex, mon GF1 m’a permis de passer presque inaperçue et de photographier ces scènes de vie sans en déranger les protagonistes, tout en gardant une qualité d’image irréprochable !

Je vous invite à lire aussi ce récit illustré d’un reportage dans l’Himalaya, au GF1 (en anglais dans le texte…), très révélateur d’une certaine philosophie de prise de vue.
Personnellement, je ne suis pas une globe-trotter mais une photographe du quotidien, cependant, il est amusant de constater que l’approche photographique est finalement assez semblable entre ces deux démarches…

Comme je l’ai fait parfois précédemment, je vais vous raconter l’histoire de cette photo, vous partager les coulisses et anecdotes de sa réalisation.
J’en profiterai pour décrypter l’image, en ce qui concerne le choix des éléments qui la constituent et la composition.

Cette image est à la fois toute simple et plutôt peu conventionnelle.
Voyez plutôt.

Je vous raconte ?

En balade dans ma nouvelle ville, de retour du marché, je repère cet arbre tout de blanc fleuri.
Arbre en fleur sur ciel bleu, jusque là rien de bien transcendant mais bon, c’est le printemps !… j’essaie donc de considérer ce sujet avec intérêt !!

Mon attirance pour les éléments réputés laids de nos décors me fait remarquer cette double rangée de fils électriques. Je leur trouve un certain potentiel graphique et pense qu’ils peuvent « casser » le côté un peu « cul-cul-la-praline » des « fleufleurs » sur fond azur. Je traverse donc la rue pour me rapprocher de l’arbre et me positionne de côté par rapport aux fils de manière à les placer en biais dans la photo.

Mon image à peine cadrée dans le viseur, j’aperçois comme un « trouble noir » dans le cadre et, pour une fois, je déclenche. Sans réfléchir.
Est-ce que cela vous arrive, à vous aussi, d’hésiter à déclencher, à l’heure du numérique où cela ne coûte rien et alors que personne n’a la moindre intention de se moquer de vos déclenchements intempestifs ? On peut attendre longtemps, n’est-ce pas, par la suite, que se reproduise ce que l’on vient de rater avec notre hésitation, notre réflexion, notre manque de spontanéité photographique !

Cette fois-ci, clac ! J’ai réagi du tac au tac, sans bien savoir ce que cela donnera sur l’image. Hop ! A notre époque, la magie du « développement » dure une demi-seconde, juste le temps d’appuyer sur la touche lecture. Et, surprise, l’oiseau est non seulement dans la boîte, mais, en plus, il est suffisamment gros pour ne pas avoir l’air d’un insecte collé sur l’objectif et présente une posture parfaitement lisible.
Ce placement très près du coin de l’image sort des sentiers battus et crée une composition étonnante !
L’oiseau, à égale distance des bords haut et gauche de la photo (image finale garantie sans recadrage !) complète mon image, lui donne une dynamique et ajoute encore un peu de non-conformisme à mon idée de départ.

 

Cette image tout à fait sans prétention ne trouvera pas place dans les musées mais je lui trouve un certain charme.

ATTRAIT VISUEL
Elle montre l’association de 4 éléments, tous utiles, sans que rien ne vienne perturber le tableau.
Arbre fleuri, ciel bleu, fils électriques et oiseau en vol se complètent bien visuellement. On retrouve du noir dans tous les éléments sauf le fond. La finesse des fils renvoie à celle des branches ; le caractère désordonné des branches s’oppose à la rectitude des cables.

COMPOSITION
Les branches fleuries, placées en bas de la photo semblent s’étirer vers le ciel, tandis que l’oiseau, surgissant tout en haut dans un coin du cadre, se dirige vers le sol.
Notre regard est sans cesse ramené dans l’image par ces éléments, tandis que ma diagonale de fils électriques dynamise la photo, même si elle ne « relie » pas, malheureusement, l’oiseau à l’arbre. Si cela avait été le cas, cependant, le coin en haut à gauche de l’image aurait été bien vide… On ne peut pas tout avoir ! Ainsi, notre regard se déplace en Z ou en L, selon qu’il suit les lignes électriques ou devine le trajet supposé de l’oiseau.

RENDU
La bonne luminosité de départ et le contraste naturel entre fleurs blanches, silhouettes sombres et ciel bleu bien dense m’ont donné un fichier brut très plaisant dès le départ. Je n’ai pas résisté à doper légèrement le contraste tout de même mais le traitement s’est vraiment avéré minimaliste.

PERSONNALITE
La présence assumée des fils électriques et la composition au point fort placé de façon ultra-décentrée dans le coin de l’image font de cette photo aux sujets quotidiens, une image amusante qui sort un peu de l’ordinaire.

Certains n’y trouveront sans doute pas grand intérêt mais d’autres, comme moi, apprécieront peut-être cette photo mi-banale mi-osée ?

Périodiquement, cela me reprend. Je veux des couleurs qui flashent, qui clashent, qui tranchent.
Tantôt Docteur Hyde, tantôt Mister Jekyll, je fais se succéder ambiances contrastées monochromes et photos-arcs-en-ciel vives et claquantes.

Personnellement, je ne trouve pas que passer de l’un à l’autre constitue un grand-écart aussi prononcé qu’il n’y parait… Après tout, dans les deux cas, c’est le contraste qui mène la danse, non ?!

Je crois que c’est dans cette alternance, cette complémentarité que je trouve mon équilibre.

Place aux couleurs !!

La nature est bien moins structurée que la ville !
A petite échelle, le caractère organisé de Dame Nature s’exprime : les nervures des feuilles sont disposées régulièrement, les fleurs ont un nombre défini de pétales, les arbres ont une allure bien reconnaissables et les animaux des caractéristiques bien précises. A plus grande échelle, par contre, les visions dont nous pouvons généralement bénéficier sont souvent assez chaotiques et l’environnement désordonné.
Prendre du recul et photographier des paysages au zoom est, je pense, l’une des manières qu’ont trouvé les photographes pour s’extirper de l’embrouillamini ambiant ! En tant qu’ « aventurière de l’image » (!), c’est au contraire dans les sous-bois que j’ai été me glisser.

Structurer ses images en forêt est un sacré challenge. Dans l’antre du Finistère, pas de tronc alignés ni d’arrière-plan uni derrière les arbres. Les branches moussues des arbres tortueux surgissent des broussailles pour s’enchevêtrer avec d’autres espèces parasites ou symbiotiques.
J’ai donc utilisé, pour structurer mes images, la lumière qui éclaire certains éléments au profit des autres, le graphisme de certaines branches à la forme plus marquante et l’ombrage artificiel créé par la mousse qui ne se forme que d’un seul côté des troncs ou plus particulièrement à certains endroits (sur le chemin et non sur le bas-côté par exemple).

En résulte ce triptyque végétal qui nous plonge dans une ambiance assez Brocéliande !

L’une des difficultés majeures de nos photographies urbaines ? Réaliser des photos structurées à la présence humaine « bien dosée » afin d’apporter lisibilité et attrait aux images réalisées dans la jungle de nos villes.

Je souhaite aujourd’hui vous faire partager la manière dont je réalise mes images urbaines. Ce n’est pas la seule démarche de prise de vue possible, évidemment, mais je trouve qu’elle permet d’obtenir des images bien composées, agréables à l’oeil avec une présence bienvenue. Cela vous tente ?

J’utilise tout simplement deux ingrédients : un décor et un passant.

 

 

RECHERCHE D’UN DECOR ET COMPOSITION

Notre environnement urbain est fait de plans successifs empilés à l’infini, de panneaux indicateurs et feux de signalisation en tous sens, d’une perspective difficile à gérer, de foules qui se croisent et se bousculent…

Aïe ! L’enjeu principal est donc d’éviter le désordre et de structurer l’image.

Voici ce que je vous conseille, dans un premier temps, pour sélectionner un bon décor potentiel.

 

ATTENTE D’UN PASSANT ET INSTANT DECISIF

Vous avez le décor ? Il vous faut donc à présent y ajouter l’élément-clé, le point fort, le surplus d’attrait que constitue l’humain afin d’apporter une dynamique à votre image et de lui donner vie.

> Technique de prise de vue :

- Choisissez un appareil discret.
- Apprivoisez le délai de réaction de votre appareil.
- Testez quelques variantes dans la manière d’intégrer le passant à l’image : temps de pose (passant net ou plus ou moins flou), cadrage (passant en entier ou présent uniquement par le bas ou le haut du corps) etc.

> Et le droit à l’image ?

Gardez en tête que vous AVEZ le droit de photographier les gens sur la voie publique.

C’est pour UTILISER les images réalisées que les restrictions s’appliquent mais elles ne sont généralement valables que si votre photo porte préjudice au passant, ce qui est peu probable.
Soyez ouverts à la discussion si quelqu’un vous reproche vos prises de vue (ce qui est tout de même, rassurez-vous, assez peu fréquent). Communiquez ! N’hésitez pas à rappeler vos droits à vos modèles impromptus mais s’ils insistent pour que vous supprimiez la photo et qu’elle n’est pas réussie, n’en faites pas une question de principe ! Simplifiez-vous la vie !

L’un des challenges tacites de ma nouvelle vie en province ?
Trouver du graphisme, des lignes propices aux compositions dans la nature, plus ou moins domptée par l’homme.

Quelle aubaine (photographiquement parlant, j’entends…) que cette neige qui simplifie notre environnement et fait ressortir sa structure graphique, les lignes qui l’organisent !

L’un des challenge majeurs du photographe est la composition. Il s’agit d’organiser des éléments dans le cadre de manière harmonieuse.

Comment réaliser cela ?
On ne se pose peut-être pas toujours suffisamment la question…

Nous avons deux outils à notre disposition pour composer : le cadrage et l’angle de vue.

LE CADRAGE nous permet de choisir le contenu de nos images (ce qu’on laisse en dehors et ce qu’on y intègre) et de placer quelque chose à un endroit précis dans l’image. Déplacez votre cadre vers le bas et vos éléments monteront dans l’image !
L’ANGLE DE VUE, lui, permet de déplacer les éléments constitutifs de nos images les uns par rapport aux autres et de les disproportionner. Votre déplacement influe sur les proportions et le positionnement relatifs des éléments. Déplacez-vous vers la droite et les éléments de premier plan se décaleront vers la gauche par rapport aux éléments d’arrière-plan !

Ainsi, quand j’affirme que la composition est une mise en scène, ce sont ces deux outils que vous pouvez utiliser pour modeler littéralement votre environnement. Je vous engage vraiment à réaliser quelques « photographies minimalistes » pour expérimenter cela sur des cas simples. Deux plans à organiser, c’est la situation la plus facile pour commencer !

 

Ces trois photos toutes simples, réalisées hier soir, constituent, il me semble, un bon exemple de DEMARCHE DE COMPOSITION.

La première image correspond à mon positionnement de départ, au moment où j’ai repéré ce fin croissant de lune et le fil électrique qui divisait le ciel en zones de formes plus ou moins géométriques. Placer le poteau au tiers à droite m’a semblé naturel pour intégrer suffisamment de câbles tout en gardant la lune.

N’étant pas vraiment satisfaite de la position relative des fils et de la lune, je me suis éloignée du poteau (j’ai reculé mon positionnement). Le fait d’être moins en contre-plongée m’a permis de faire descendre le poteau par rapport à la lune. Mon cadrage a également évolué : j’ai cadré plus bas pour faire monter la lune dans la photo. Soit dit en passant, c’est plus logique que la lune soit au dessus du poteau et en haut de l’image, non ?

Cependant, dans ces deux images, les éléments sont simplement côte à côte, ils n’interagissent pas.

Quelle meilleure manière de mettre en valeur la couleur que de la maquiller de noir ?

Les situations de clairs-obscurs et les « effets de projecteur » avec une lumière très localisée sont des situations très propices aux prises de vue couleurs. J’avoue que j’apprécie vraiment l’impact de ces teintes vives qui surgissent de l’obscurité.

Dans de telles situations de prise de vue, pour plonger l’environnement dans le noir et conserver la bonne densité et la vivacité des couleurs, il est souvent nécessaire de sous-exposer.

Voici une petite sélection photo présentant des « couleurs en clair-obscur », que j’avais envie de vous partager.

La première image de cette article prolonge un peu la partie de cache-cache photographique dans les champs. Avoir le soleil dans les yeux pour se laisse envoûter par le contre-jour, on ne s’en lasse pas même si cela éblouit !

Ci-dessus, à gauche, un seul oeil suffit à faire le regard et la timidité associée à l’attitude du jeune garçon justifie à elle-seule tous les visages masqués du monde !

En haut à droite, le geste donne davantage de tendresse à ce portrait et le rend plus original. Masquer en partie le visage de la petite fille met en valeur d’autres regards : ceux des créatures du tee shirt !

Sur la photographie ci-contre, je trouve que la composition centrée renforce l’absence de regard. Notre oeil cherche le sujet, tourne autour du centre de l’image pour s’accrocher finalement à la main, là où l’on s’attendrait à trouver un visage.

Vous aviez découvert la photographie ci-dessous en diptyque. Ce geste visant à dompter quelques mèches rebelles et ce regard saisi donnent à cette image une ambiance un peu « photo de mode », ne trouvez-vous pas ?

Êtes-vous de ceux qui ont peur de cadrer ?
De ceux qui n’assument pas ce qu’ils veulent montrer et craignent d’avoir une vision franche, qui va droit au but, ont peur de s’affirmer ?
Êtes-vous de ceux qui ont peur de leur sujet et peur de le couper ?

Je crois que, bien souvent, nous n’osons pas assez nous plonger dans l’image et assumer nos choix de cadrage.
Poser son cadre et couper, ce devrait pourtant être ce qu’il y a de plus naturel pour un photographe ! Mais je vois trop de photographies dont on reste réellement en retrait.

Il y a la fameuse formule, « si la photo n’est pas bonne, c’est que tu n’étais pas assez près »… Mais la proximité n’est pas qu’une question de distance au sujet.
Je suis personnellement convaincue qu’elle est fortement liée au cadrage.
Si la photo est ratée, c’est que tu n’as pas cadré assez serré ! ;)

Pour l’intérêt de la démonstration (et le désespoir de nos yeux affutés), voici ce à quoi l’on échappe en sachant cadrer serré :

Edifiant non ?

Et vous, quand vous photographiez, vous choisissez l’option A (photo1) ou l’option B (photo 2) ?!

Voici l’une des images présentées lundi pour le comparatif sur la lumière, dans sa version couleur.
Il s’agit de la version définitive de cette image, réalisée avant d’envisager de vous présenter le comparatif des densités, en noir et blanc.

Sans cet article préalable, certains d’entre vous, sachant que je fais généralement un travail assez poussé au niveau du post-traitement, se seraient sans doute écrié, devant cette image : « C’est la retouche qui fait tout ! ».
En effet, devant ce contraste fort, cette fumée lumineuse, ce rendu impressionnant, on a tendance à penser que cette vision n’est pas réelle et qu’il y a beaucoup de « trafiquage » là-dessous.

En fait, il y en a très peu.
Juste un bon boost du contraste, c’est vrai (n’oubliez jamais de tester un contraste fort sur vos images !).

Mais est-ce cela qui crée la couleur indigo du ciel, l’impact visuel de cette fumée blanche sur ce ciel noir ? Bien sûr que non !
Si vous avez consulté mon article précédent, vous savez que le contraste n’a fait que renforcer le travail de prise de vue mais ne pouvait pas rendre blanche une fumée qui serait apparue noire à l’origine, que ce bandeau de lumière ne pouvait en aucun cas être le fruit d’un post-traitement !

La retouche en contraste est une pincée de sel sur vos photographies.
Sans celui-ci, le repas est insipide. Mais est-ce lui qui fait le plat ? Surement pas !

Cuistots photographes, choisissez bien vos ingrédients, ne pensez jamais que l’assaisonnement fait tout… mais n’oubliez pas le sel !

Fumée blanche, fumée noire…
Deux photographies prises de ma fenêtre à deux jours d’intervalle pour un effet négatif assez saisissant !
Les deux images présentées sont très peu retouchées. Je les ai juste un peu contrastées et passées en noir et blanc, traitement qui me paraissait le plus judicieux pour évoquer la densité.

Je ne pense pas que la fumée ait réellement changé de couleur entre ces deux prises de vue mais l’éclairage, ah ça oui ! Il différait du tout au tout !

La lumière crée la couleur et la densité.
Elle les rend changeantes, mouvantes, étonnantes ! Du blanc, du gris, du bleu vif ?? Tout dépend de la lumière !
D’ailleurs, comme le dit le dicton, la nuit, tous les chats sont gris !

Les plus futés d’entre vous me diront sans doute : mais c’est le ciel !
C’est normal, le ciel change de couleur. C’est un cas particulier.
Hum… oui… mais non !

La façade de votre voisin d’en face est aussi changeante que le ciel de Paris et s’en rendre compte est un atout considérable pour faire de la photographie.
Un gris moyen, sur du noir, peut paraître presque blanc tandis que ce même gris moyen, avec un arrière plan blanc, par temps maussade, peut paraître presque noir. L’appareil comme notre oeil fonctionne par contraste, et le contraste, c’est bien souvent ce qui fait la lisibilité et l’impact d’une photographie !

Gardez bien en tête que les éléments que vous photographiez n’ont pas une couleur, une densité données. Leur rendu est influencé par la lumière mais aussi par votre prise de vue : orientation par rapport à la lumière (éclairage direct ou contre-jour…), exposition (on sous-expose, par exemple, pour obtenir des couleurs plus vives).

Quelle densité donnerez-vous au prochain pigeon que vous croiserez ? ;)

J’ai décidé de vous présenter les étapes de retouche de la photographie, « Glowing city« , dont la version définitive a été présentée hier, et de vous donner quelques explications sur ma démarche et sur les processus techniques mis en oeuvre.

Attention, cet article ne constitue pas un tutoriel !
Il ne s’agit pas là d’une méthode à suivre mais d’un partage d’expérience sur la retouche d’une image.
L’ordre des actions est tout à fait personnel et peut varier selon les photos.
Ma manière de retoucher n’a en aucun cas été validée par un quelconque et hypothétique comité Photoshop !!

La suite de mon texte est rédigé au présent car j’ai vraiment écrit cet article en retouchant l’image. Au moment où j’écris les lignes ci-dessous, ma photo n’est pas encore retouchée et son rendu final n’est que suppositions.

Le résultat de chaque étape décrite est présenté sous le texte correspondant.

 

Je choisis cette image, prise à Nantes il y a quelques semaines et que je n’ai pas encore eu le temps de retravailler.
En faisant cette prise de vue, j’avais déjà en tête le rendu flamboyant que je voulais donner à cette photo.

J’avais aussi en tête les couvertures de roman que je réalise ; débouché qui explique en partie avec cette composition verticale qui laisse la place au ciel et, sans doute, à un titre.

 

Nous voilà donc dans le processus de retouche.

J’aime le rendu orangé de la ville de nuit…
Je pense donner à cette image un aspect « ville incandescente », peut-être dans une optique assez science fiction façon « la fin du monde est proche » (!).

Début de la retouche, je commence à contraster globalement et par zone afin de faire ressortir l’effet lumineux.
Au niveau technique, je crée des calques pour augmenter la luminosité ou assombrir l’image par zones.

L’image devient plus vive même si je n’ai pas touché aux couleurs car contraster une photographie augmente naturellement sa saturation.

J’entreprends de travailler mon image avec une texture pour lui donner de la matière, du mouvement et une ambiance plus forte.

Cette texture est une photo du sol de mon parking.

J’utilise deux fois la même texture avec des modes de fusion différents.

Les effets sont retravaillés par zones pour accentuer ou réduire l’impact de la texture à tel ou tel l’endroit de l’image.

Il me semble que l’aspect incandescent que j’avais en tête commence à venir.
Avec cette texture, on croirait presque à des projections de lave !!

La couleur dévore un peu trop l’image à mon goût tout de même, j’éclaircis donc un peu le rouge et le jaune ce qui rend mon image légèrement moins sombre et mes couleurs moins vives.

La texture semble avoir obscurci mon image. Aussi, je rajoute un peu de luminosité et je rends le jaune à nouveau plus lumineux et moins vif.

Je retravaille la balance des couleurs afin de rendre l’image un peu plus rouge et ainsi moins « fade » que dans les tons orange.
Je recontraste légèrement les deux buildings principaux de la photo.

Je recadre la photo de manière à couper dans l’arbre le long du bord droit du cadre. Ainsi, l’image finit vraiment par un bord noir à cet endroit.

Ma dernière étape de post-traitement consiste à prendre du recul sur les effets obtenus et, généralement, à les atténuer légèrement pour ne pas obtenir une image trop artificielle.

Il est très important de toujours comparer son image avec la version d’origine ou les versions précédentes afin de vérifier que l’on ne perd pas l’esprit de l’image, qu’on ne la dénature pas.
D’un autre côté, mettre en regard la version d’origine et la version retouchée est toujours assez « terrifiant », ainsi il est essentiel également de savoir se détacher de la réalité pour se laisser porter par la fiction.

Il m’est souvent plus facile d’y aller « franco » puis de revenir un peu en arrière (par la modification de l’opacité des claques et l’utilisation de la gomme). Être trop timide au départ est moins probant artistiquement parlant et donne des résultats plus « légers », moins affirmés.

 

Je décide donc de « fondre » mon résultat retouché dans la version d’origine afin de réduire l’impact du contraste et de la texture.

Enfin, pour terminer ma retouche, je retravaille le grain et j’accentue légèrement en utilisant « netteté optimisée« .
J’assombris également quelques éléments gênant dans le noir en haut et en bas de la photo.

A ceux qui pensent que je suis une affreuse « grugeuse », je vous invite à rejeter un oeil à mon article « la retouche, un acte superflu ? »…

Bien entendu, j’ai choisi ici, pour le plaisir de la démonstration, une photo qui se prêtait à un travail de retouche assez poussé, mais rassurez-vous, toutes mes images ne bénéficient pas d’un post-traitement aussi lourd !

 

Il n’y a aucune raison que la retouche soit mal vue en photographie.
Est-ce que l’on reproche à un cinéaste ses effets spéciaux ?

La photographie n’est PAS, par nature, un outil journalistique de témoignage.
Elle est ce qu’on en fait.

Ainsi, les effets spéciaux nous sont plus que permis s’ils sont crédibles !
Je n’ai aucun scrupule à retravailler mes images car je revendique haut et fort que je ne suis pas là pour montrer bêtement ce que nous avons tous les jours sous les yeux. Cela n’a aucun intérêt !
Je propose des visions subjectives, émotionnelles, expressives.
Je raconte les histoires en image, fait de la poésie parfois, ou de la « captation cinématographique ». La retouche, la création d’effets spéciaux (en mode système D, c’est ce qui me plait) fait partie de mon expression comme la magie fait partie intégrante des romans d’héroïc fantasy.

J’espère que cette photo vous aura fait rêver, vous aura apeuré peut-être, intrigué, vous aura plongé dans une situation que vous n’avez pas vécue voire qui n’existe pas !
Si c’est le cas, je dis « challenge relevé » ! ;)

 

Dans le cadre des cours de photo à distance que je propose, certaines personnes m’ont demandé un suivi orienté retouche, ce que j’ai accepté avec plaisir pour leur faire partager l’expérience que j’ai acquise à ce niveau en ce qui concerne la technique de retouche « classique » et les « trucs » de post-traitement créatif.
Si vous êtes intéressés par un tel suivi, n’hésitez pas à me contacter !

Cependant, l’objectif d’un suivi post-traitement ne peut être que je vous apprenne à « retoucher comme moi ».
Je peux vous enseigner des outils, des méthodes et vous aider à déterminer quel rendu vous souhaitez pour vos images mais ma pédagogie vise toujours à vous aider à vous épanouir photographiquement et non à vous donner des trucs pour faire comme quelqu’un d’autre.

A ceux qui souhaiteront tenter l’expérience, j’espère de tout coeur arriver à vous aider à trouver votre propre méthode de retouche à partir des « pièces détachées pratiques » que je vous aurai fournies !

 

Le post-traitement est comme notre manière de photographier.
Il nous est personnel et nous aide à mettre notre « patte » dans nos images, à définir notre style.

Et vous, quel est le vôtre ? :)

J’ai remarqué, en particulier en donnant mes cours de photographie gastronomique, que certains photographes semblent avoir une certaine « crainte de leur sujet ».

Ils mettent une distance entre eux et ce qu’ils photographient soit par habitude de rester un peu en retrait (ce qui est recommandé, par exemple, pour photographier l’humain), par méconnaissance des capacités de leur appareil (la fameuse distance minimale de mise au point que j’aime la plus courte possible), à cause d’une limitation de ce côté, mais également par peur de couper leur sujet.

 

Or je crois que les meilleures photos se font en « rentrant dans le sujet ».

Il s’agit d’être près, de tailler dans la masse, de proposer une vraie vision afin de faire partager cette proximité avec ceux qui visionneront nos images.
Vous pouvez ainsi créer une certaine intimité avec le sujet.

Testons cela sur le champ !
Laquelle des deux photographies ci-dessous préférez-vous ? Pourquoi ?

Edifiant n’est-ce pas ?!
Plus esthétique, plus appétissante, mieux structurée graphiquement, la seconde remporte la bataille haut la main !
La proximité lui donne un vrai plus !

Il est amusant de remarquer que, les deux photos n’exploitant pas le cadre de la même manière, la taille et la forme de l’image semblent différentes…

 

Ainsi, l’approche « macro », en photographie, est loin d’être réservée aux insectes et aux fleurs.
Le « mode fleur » de certains appareils photo numérique est tout à fait indiqué pour photographier les trombones qui traînent sur votre bureau !

Les jours d’ennui ou d’inspiration zéro, voyez la vie en macro et votre créativité prendra un nouveau souffle, c’est certain !

Je donnais ce conseil lors d’un suivi il y a quelques jours. Photographier de près est une très bonne technique pour s’obliger à aller au delà d’une simple description du sujet.

Pour photographier un objet, commencez en vous plaçant le plus près possible.
Même trop près, oui ! …Quand votre sujet disparaît dans un modelé de flous et de couleurs, quand l’oeil perd ses repères et que l’image glisse dans l’abstrait, c’est que vous y êtes !

Cherchez un angle intéressant et photographiez (il s’agit de faire une bonne photo et non pas de décrire le sujet ! Un bon jeu de lignes, de couleurs peut donc tout à fait faire l’affaire).
Reculez-vous légèrement et continuez à photographier. En numérique, nous ne sommes pas limités en nombre d’images alors n’hésitez pas à faire beaucoup de photos pour expérimenter, et vous immerger totalement dans l’atmosphère rêveuse induite par la proximité !

Croyez-moi sur parole, vous pourrez passer une heure à photographier 10 centimètres carré !!

En commençant ainsi très près puis en élargissant votre plan progressivement, vous entrerez dans le sujet de manière forcément non descriptive avant de retrouver vos repères visuels.
Le challenge et le suivant : lorsque votre plan s’élargit, ne perdez pas la magie de vos images !
Conservez la beauté du flou, des couleurs, la matière de votre sujet, son intérêt graphique !

J’espère que ces conseils vous aideront à produire des images plus intimistes et moins conventionnelles !

 

Quelques informations pratiques, techniques et artistiques :

Amateurs de flou, soyez conscient que plus vous serez près, plus votre flou sera prononcé !

Avec un reflex, je vous conseille de passer en mise au point manuelle afin de bien contrôler la netteté.
Il est très important que ce soit vous qui choisissiez ce qui doit être le point fort net de votre image, et non l’appareil !

Avec un compact en mode macro ( ou « fleur »), centrez votre point fort, appuyez à mi-course pour faire la mise au point, cadrez à nouveau l’image correctement puis faites variez légèrement la distance entre l’appareil et le sujet pour retrouver la distance qui vous permet d’avoir la netteté précisément où vous voulez. Déclenchez !

Comme vous pouvez le remarquer sur les photos illustrant cet article, être près ne signifie pas étouffer le sujet en le plaçant plein cadre et au centre ! La proximité n’empêche pas de composer son image en intégrant aussi un espace vide ou… des éléments qui sont plus loin de nous.

Pour transcender vos sujets, photographiez plus près !

Il faut croire que je dois être sensible aux pâquerettes !!

L’année dernière, à la même époque, je vous suggérais de vous coucher dans l’herbe, vous rouler dans les champs pour voir la vie au ras des pâquerettes…

Cette année, je vous les présente en vue plongeante et j’ai bien envie de vous suggérer :
Pourquoi ne pas voir le printemps… en noir et blanc ?

Les fleurs sont par nature un sujet coloré. Elles sont donc trop rarement photographiées en noir et blanc !
Il est vrai que les tonalités vives des fleurs nous attirent l’oeil après le gris mélancolique de l’hiver, mais il serait dommage que cela nous aveugle sur la structure même de ces petits bijoux naturels !

Les fleurs sont passionnantes à observer, indépendamment de leurs couleurs.
Hauteurs de tiges variées, pétales disposés de manière régulière, pistils et étamines de toutes sortes, fouillis d’herbes, bord découpé des feuilles… tant de caractéristiques peuvent être mieux travaillées en noir et blanc avec un vrai parti pris graphique !

Jeux de lumière, de flous, de transparence, mise en valeur des formes, des textures… comme d’habitude, soyez créatifs !
J’espère que ces premiers exemples vous inspireront pour vos propres images.

Côté contraste, tous les coups sont permis !!
Noirs et blancs très marqués pour un effet visuel fort et une surenchère graphique assumée ou nuances de gris alliées au flou de profondeur de champ pour davantage de douceur dans ce monde de brutes… à vous de vous affirmer dans vos choix !

NB : Les photos présentées ici n’ont pas réellement été pensées en noir et blanc… Je pense qu’en réfléchissant ses images d’une autre matière dans une intention purement « noir et blanc », on peut obtenir des résultats encore plus étonnants, plus graphiques… affaire à suivre ! ;)

Et vous, comment photographiez-vous les fleurs en noir et blanc ?

N’hésitez pas à réagir photographiquement en m’envoyant vos images et/ou en les mettant en ligne sur votre blog !
Vos images seront postées dans les commentaires de l’article.

En cas d’envoi, pensez à redimensionner l’image de manière à ce qu’elle fasse 650 pixels sur le plus grand côté.
Une seule photo par personne ! ;)
( alj [arobase] annelaurejacquart [point] com )

Je crois que l’on a trop tendance à être fatalistes, en photographie comme ailleurs.
Combien de fois ai-je entendu ou lu sur un site « Bien sûr le camion à l’arrière plan ne fait pas très chouette mais bon, je ne pouvais pas enlever le camion, alors tant pis ! ».
Quel dommage d’être aussi résigné sur le contenu de ses images !! Personnellement, je pense que 4 fois sur 5, on a la possibilité de faire une bonne photographie. Il s’agit de s’adapter, d’avoir bien en tête les conditions de prise de vue, d’être conscient de l’environnement et de ses possibilités… et les solutions apparaissent comme des évidences.

Pour éviter un élément gênant en arrière plan comme le camion cité plus haut comme exemple, de nombreuses alternatives sont possibles :
- Cadrer suffisamment serré pour que l’élément d’arrière-plan devienne un simple fond uni.
- Se déplacer et photographier la scène sous un autre angle pour éliminer l’élément gênant (se déplacer sur le côté, faire une vue en plongée ou en contre-plongée…)
- Attendre qu’un élément se place entre l’élément gênant et le sujet afin que l’arrière plan peu esthétique soit masqué par autre chose de plus intéressant.
- Utiliser une plus faible profondeur de champ pour que l’arrière plan soit plus flou.

Rendez-vous compte des possibilités qu’offrent, déjà, ces quatre idées simples ?
Voyez comme elles nous permettent d’agir sur la scène entrevue !

 

La Composition est une forme de mis en scène.

Bien sûr, on ne choisit pas d’ajouter une fillette blonde en robe fuchsia dansant dans la rue sur notre image !
Mais les éléments existants, nous pouvons presque les placer à notre guise tant les choix photographiques que nous avons sont riches et diversifiés.
L’angle de vue, en particulier, est une caractéristique bien trop négligée par les photographes. Faire un pas dans un sens ou dans l’autre, se pencher de quelques centimètres… Avez-vous remarqué à quel point cela vous permet de placer les différents éléments en jeu exactement comme vous le souhaitez ?!

J’ai pris cette photographie en arrivant chez le coiffeur.
Cette vision s’est imposée à moi… encore fallait-il mettre en scène ces éléments pour construire une image structurée et esthétique. C’est mon positionnement qui m’a permis d’articuler les composantes de mon image comme si on les avait placé là, tout naturellement !
Lorsque l’on visionne une photographie comme celle-ci, on pense que la vision est évidente. Mais dans notre réalité en trois dimensions, c’est tout autre chose !

Jouez à faire coïncider les différents plans, à trouver le meilleur « encastrement » pour votre image, vous verrez, c’est un challenge passionnant et cela peut être très ludique.

La qualité de vos images s’en ressentira !

Le contre-jour est l’une des situations lumineuses les plus riches pour le photographe.

Lorsque le soleil est derrière nous et qu’il éclaire ce qui nous fait face, la lumière semble tout envahir…
Peut-être montre-t-elle trop de choses…
Quand, au contraire, nous regardons le soleil en face, la lumière semble beaucoup plus dirigée. Le choix d’angle de vue est franc (face à la source lumineuse), ce qui nous conduit forcément à faire des images plus marquées, où notre intention est plus claire.

 

Les situations de contre-jour nous posent des problèmes au niveau exposition.
Un fort contraste juste subi ne nous permet d’obtenir qu’une image trop claire par endroits et trop sombre à d’autres ! « Assise entre deux chaises », l’exposition automatique de notre appareil photo ne donne généralement rien de bon.

Il faut donc, là encore, CHOISIR et exposer son image en fonction d’une intention.
Généralement, la surexposition d’un contre-jour donne un aspect fantomatique à l’image tandis qu’une sous-exposition crée des effets de silhouettes(Tout comme sur la photo de couverture du dernier roman de China Miévielle).

Le contre-jour a un potentiel créatif vraiment riche, non seulement par rapport à cette question d’exposition, mais aussi par de nombreux autres aspects.

-> Lorsque l’on place un élément translucide entre notre objectif et une source lumineuse, nous obtenons une transparence du plus bel effet, qui renforce les couleurs et donne un caractère plus lumineux à l’image.
Souvenez-vous des fameuses mandarines !

-> Positionné de manière particulière par rapport au soleil, vous pouvez saisir des artefacts lumineux tout à fait impressionnant… s’il sont utilisés de manière volontaire et à bon escient !
Rayons de lumière, flare, mini arcs-en-ciel peuvent conférer à votre image une ambiance plus rêveuse… magique parfois !

-> En contre jour, les ombres viennent vers vous. Cette seule constatation contient de nombreuses possibilités sous-jacentes ! Ces ombres en premier plan enrichissent les images. Elles peuvent même être un sujet à part entière.

-> Nous avons évoqué les propriétés des éléments translucides… Tout ce qui est brillant prend également une dimension toute particulière en contre-jour !
L’effet de scintillement obtenu, le relief accentué de certains éléments rugueux sont des mines d’or à exploiter !

Je suis convaincue que toutes ces caractéristiques des contre-jours vous donnent de nombreuses idées !
Créatifs, à vos boitiers !!

J’espère que la présentation programmée de ma série en triptyques vous a permis de garder un lien agréable avec Au Présent du Subjectif pendant mon escapade temporaire dans le Finistère… en attendant la définitive !
Me revoilà donc en direct pour vous conter mes aventures photographiques, vous faire partager mes nouvelles images et mes réflexions sur la création de celles-ci.

Les suivis me donnent également du grain à moudre en me permettant d’analyser de près vos moindres petits défauts photo ! ;)
Cela me tient toujours à coeur de vous aider à les corriger peu à peu tout en vous ouvrant l’oeil, que ce soit par l’intermédiaire du site, ou, de manière plus personnalisée, dans le cadre des suivis photographiques.

 

J’évoquais hier, dans le cadre d’un suivi, la difficulté d’aller au delà de la carte postale, en particulier lorsque l’on se retrouve dans la peau de celui qui s’émerveille dans un contexte nouveau et qui en oublie, bien souvent, de faire des images autres que celles qu’ont faites toutes les personnes dans une situation semblable avant lui !

Voici un des petits trucs qui peuvent, selon moi, nous aider à faire des photographies qui vont au delà de l’hommage à un lieu, un monument, une personne : Il s’agit de montrer moins pour exprimer plus !

Ce conseil me semble valable selon trois aspects.

 

L’INTENTION PHOTOGRAPHIQUE

D’une part, là où la carte postale a pour objectif de montrer, décrire, et existe pour des raisons documentaires, la photographie d’auteur cherche autre chose : une expression personnelle, une originalité assumée ainsi que du sens.

Il est évident que c’est en s’éloignant de la première démarche qu’on se rapproche de la seconde !

En faisant de l’ « anti-carte-postale », vous irez forcément vers une approche moins liée au sujet.
Il ne s’agit plus alors de montrer mais d’exprimer ce qu’il y a derrière, d’imaginer, parfois, de suggérer seulement pour laisser aux spectateurs de vos images la possibilité de s’approprier vos photographies.

Nous avons là le même écart qu’entre un livre qui laisse toute possibilité d’interprétation à son lecteur et un film qui donne parfois une image bien trop figée de l’histoire, à vouloir trop montrer…

 

NE PAS MONTRER EN QUANTITE

Montrer moins, c’est aussi faire l’effort ne pas surcharger nos images, de les épurer du superflu.

Montrer trop pour avoir toute l’information en une seule image, comme en photographie de presse par exemple, nous conduit souvent à des images banales, fouillis et… non subjectives !
En effet, ce sont nos choix visuels qui créent l’expression.

Être sélectif dans ce que l’on montre, c’est le point de départ d’une vraie démarche photographique.

A vouloir tout montrer, on ne montre rien !
A montrer moins, on montre mieux.

 

LA MANIERE DE MONTRER

Enfin, à l’image de la photo ci dessous, c’est aussi en montrant autrement que l’on fait partager une vision personnelle.

Travail de la lumière, brouillard, buée, reflets, ombres, cadrages close-up, jeux de flou, recherche d’une abstraction… C’est par l’intermédiaire d’artifices visuels que l’on transforme la banalité quotidienne en des photographies mystérieuses, voire magiques…

Imaginez ce qu’auraient donné cette maison et cet arbre, photographiés autrement, de manière classique ?
Je n’ai pas l’image correspondante à vous montrer… car elle ne valait pas le coup d’être prise !

 

Et vous, avez-vous une véritable intention d’expression photographique ?
Savez-vous choisir ce que vous voulez montrer ?
Savez vous comment vous allez partager cela à votre manière ?

J’aime travailler la matière.
La texture, le relief, c’est ce qui crée la plus forte accroche visuelle.

Bien sûr, un bel uni bien propre est passionnant également à travailler.
Cependant, cela n’a pas le même charme que la recherche d’une texture qui contribue à donner un aspect expressionniste à nos photographies.
Sur une surface trop lisse, notre regard glisse !
Une prise en compte de la matière, éventuellement mise en valeur par un contre-jour, un travail de contraste, un angle de vue bien choisi, permet par contre au regard de fouiller le moindre recoin de l’image, à la recherche d’un effet de texture qu’il n’avait pas encore remarqué, d’un petit défaut bien maitrisé, et tout à fait appréciable.

Le concept même d’instant décisif, cher aux amateurs de photographie, hérité de la photographie humaniste et des photo-reporters est parfois trompeur.

Cette idée met l’accent sur une certaine instantanéité de l’image. Il s’agit d’un moment précis à saisir grâce à l’appui sur le déclencheur. Ainsi, nous nous percevons à l’affut, traquant le sujet et déclenchant dans la foulée sur un laps de temps proche du soixantième de seconde. 

Or la photographie n’est pas une discipline aussi instantanée qu’on le pense. Elle est faite d’anticipation, de réflexion… de patience et de persévérance.
S’il peut arriver qu’une image se présente à nous dans un délai court et que nous ayons à réagir au quart de tour pour la capter, ce scénario est loin d’être le plus répandu. 

 

Je vous fais partager aujourd’hui une prise de vue datant d’il y a quelques semaines et vous invite dans les coulisses de la création d’images en mode « planche contact« .
Nous sommes dans dans une situation typique de photographie classique : prise de vue en ville, un décor, des passants… La photographie humaniste n’est pas bien loin !
Les exifs sont là pour nous donner le timing.

(La planche contact peut être agrandie par un clic)

 

Balade photographique dans Paris, donc. Ma série en diptyques est très présente à mon esprit.
Je cadre en carré en me laissant attirer par des visions anecdotiques, en me laissant envahir d’états d’âme qui correspondent à la saison et à la météo.

 

A 12h15, je repère, de très loin, un bonnet rouge. Je traverse la route sur le pont de Sully et je prends cette photographie de repérage, sans même y penser (cf photo ci dessous, à gauche). L’homme au couvre chef rouge au milieu des oiseaux, devant la Seine, cela me semble être une vison suffisamment évocatrice pour que l’on s’y attarde. Cette image n’est pas faite pour être gardée mais marque mon intérêt pour cette vision entrevue.

Je rejoins le square Barye, sur l’île Saint Louis.
12h17, je prends le temps de photographier un autre type, assis sur le rebord d’un muret puis je me penche au dessus de la balustrade pour retrouver mon « bonnet rouge ». La vision de dessus n’est pas la plus adatée, l’image semble un peu bancale et la posture du gars n’est pas très visible.
Encore quelques photos de l’autre homme puis je décide de descendre sur les quais, à cette extrémité de l’île Saint Louis. 

12h24, Je m’intéresse dans un premier temps à cette vision de l’homme, de loin, avec un arbre tortueux au premier plan. Sa silhouette ne se détache pas bien car elle se superpose à l’horizon.
Ni une, ni deux (l’endroit est calme et désert, j’ose), je monte sur l’un de ces gros bancs blancs qui jalonnent les quais parisiens. Ainsi, mon angle de vision est bon. 

On sent, en visualisant la planche globale que cette vision me plait car je multiplie les vues, attendant qu’un peu de vie se crée autour de l’homme. Je me doute que cette quantité de pigeons peut être de bon augure pour moi.  
Par bonheur, quelque chose les fait s’envoler et les volatiles agrémentent mon image par leur présence dans l’arbre et aux alentours. J’aime bien la disposition des différents éléments et l’ambiance qui se dégage de cette image ; je crois que cette photographie méritera d’être mise en valeur par un traitement approprié et exploitée !

12h26, je descend de mon banc. Vient maintenant la problématique de l’approche.
Hors de question, bien sûr, de débarquer comme un chien au milieu d’un jeu de quilles, faisant s’envoler des pigeons et troublant l’homme dans sa méditation ! Impossible, non plus, de m’avancer subrepticement comme si je souhaitais le photographier en cachette.
J’essaie donc de m’approcher à pas lents sans photographier jusqu’à pouvoir m’adresser à mon modèle. D’un hochement de tête, il me donne l’autorisation de le photographier et je peux continuer mes images.

12h27, je perçois assez vite l’intérêt de ce panneau à la flèche bordée de rouge, symbolique et à la couleur rappelant le bonnet. Je cherche donc un cadrage construit autour de ces deux éléments principaux.
Si la tête « bute » contre le pont à l’arrière plan, la photo n’est pas lisible, je relève donc légèrement mon angle de vue afin que le personnage s’inscrive dans l’espace laissé sous le pont.
A 12h28, au moment où il baisse la tête, les mains enfoncés dans ses poches, la posture est bien lisible et particulièrement expressive. Notre Dame, en arrière plan, donne un petit plus à cette image. C’est la photographie que j’utiliserai pour le diptyque « Réconfort ».

Je sais déjà que j’ai les images qu’il me faut de mon sujet mais j’avoue que je me sens bien, au finistère de l’île de la Cité, dans le calme de la Seine et le froid de décembre.
Pendant 3 ou 4 minutes supplémentaires, j’essaie d’exploiter la présence des pigeons au sol en adoptant un point de vue plus bas. Cela ne s’avère pas particulièrement payant, ces sacrés volatiles ayant la manie de s’éloigner dès que je m’approche et s’agglomérant bien souvent en un tas informe.

Il est 12h35 lorsque je m’éloigne après un mot de remerciement à l’homme, touchée par cette rencontre muette au milieu du tumulte parisien et enrichie de quelques bonnes images.

 

Loin de rechercher à figer un instant, j’ai donc essayé, pendant ces 20 minutes de prendre le temps de l’approche pour apprivoiser mon sujet, trouver le bon angle, peaufiner mes cadrages et déclencher au bon moment.
Mais est-ce vraiment l’instant T, à 12h28 et 8 centièmes de secondes qui est le plus décisif ?

Certains photographes ont l’habitude de s’immerger dans un milieu, une culture pendant plusieurs jours avant de prendre la moindre de photo et passent parfois plusieurs mois voire années à faire des repérages, travailler une série… Le temps est décisif bien plus que l’instant !

 

Comme vous le savez, je ne prémédite pas mes diptyques. Je ne pars pas à la chasse à l’image complémentaire. D’ailleurs quand j’ai vu ce panneau « interdit d’être triste », je n’ai pas spécialement pensé à notre homme au bonnet rouge. Il est important d‘être pleinement dans l’image que l’on cadre et d’oublier momentanément celles que l’on vient de faire lorsque l’on photographie !
Ainsi, ce n’est qu’aujourd’hui sur ma « planche contact » que je me suis rendue compte que les deux images que j’ai assemblées pour mon diptyque ont été prises à 15 minutes d’intervalle, sans que j’aie fait d’autres images pendant ce laps de temps.
Hasard, disiez-vous ?!

Le titre de cet article « Persévérance photographique (comment créer l’instant décisif) » vous semble peut-être un tantinet abusif…
« L’instant décisif ne se crée pas ! C’est le hasard, une coïncidence , la chance ! », avez-vous sans doute envie de rétorquer !

Pas si sûr ! Car votre instant décisif ne correspond pas juste à un moment.
Celui-ci sera différent selon ce que vous cadrez, votre angle de prise de vue et même, votre exposition. Bien souvent, d’ailleurs, si vous ne cadrez rien et n’anticipez pas, il vous passera sous le nez ! L’instant décisif n’existe pas en soi… c’est donc bien l’acte photographique qui crée ce moment clé.
C’est votre réceptivité qui déclenche l’opportunité d’une bonne photographique et non la chance.

 

Matthieu Raffard, dans son petit livre « La soif d’images », que je suis actuellement en train de « dévorer avec parcimonie et délectation »raconte :  » J’ai développé une aptitude à pressentir qu’une situation photographique va survenir. L’expérience m’a également enseigné que, lorsqu’il ne manque qu’un seul élément pour qu’une photographie ait lieu, celui-ci finit toujours par arriver. »

 

C’est ce principe qu’a respecté Marc Montméat, jeune photographe propulsé en quelques semaines sur le devant de la scène par son succès à Paris Photo pour sa photographie « Le choix ».
Que valent 15 minutes d’attente au regard de cette photographie et de l’engouement qu’elle a créé ?

 

Ainsi, anticipation et patience font partie des clés qui nous permettent de réussir de très bonnes photographies… qu’on se le dise !

Réconfort

L’expressivité photographique est un domaine bien vaste.
Elle est étroitement liée à toutes les émotions que l’on peut ressentir devant une image, de la plus discrète à la plus ravageuse, de la plus intime à la plus étrangère, de la plus évidente visuellement à la plus ténue…

J’ai commencé une série de diptyques il y a quelques semaines avec l’idée d’exprimer quelque chose d’assez indéfinissable…
Le genre de chose qui, justement, peut avoir besoin d’images quand les mots semblent un peu pris de court.
Je me dis qu’aux antipodes de la série « RDV« , directe, intense, peut-être presque agressive, il y a ce début de série qui cherche son expression dans des éléments plus délicats, plus subtils…

Ma recherche vise à obtenir des diptyques dont l’association n’est pas particulièrement évidente à première vue.
Les images représentent des traces de vie, des fragments d’histoires qui espèrent trouver leur sens dans la série complète… Le sentiment est fait de réceptivité au monde qui nous entoure, démarche empreinte de nostalgie autant que de fascination pour cet univers en transition…

Et aussitôt je m’interroge… le « trop subtil » ne risque-t-il pas de faire face à un mur d’incompréhension ?
Ma démarche photographique pourra-t-elle, encore une fois, subir de tels « grands-écarts » ?

 

N’hésitez pas à cliquer pour agrandir les diptyques.

Comme promis, je vais vous parler un peu plus en détail de cette petite manie que j’ai de souvent photographier en conditions de lumière limite, voire quasiment dans le noir.
Parfois, j’ai même l’impression que les « bonnes lumières », celles qui ne posent pas de problèmes d’exposition, sont tristes et banales. Personnellement, je préfère bien souvent les lumières pourries !!!

Le premier souvenir que j’ai de photographie « dans le noir » correspond à cette image.
En mars 2005, dans cette pièce déserte et obscure du théâtre de Douai, j’ai été attirée par le visage de cette statue, tout juste décelable dans la lumière dorée du réverbère de la rue.

J’ai fait cette photographie au 13ème de seconde, 1600 iso, correction d’exposition à -1 et je me rappelle assez bien mon état d’âme à ce moment.
Un truc du genre « t’es quand même un peu dingue de faire des photos toute seule dans le noir comme ça… ».

 

J’ai rarement vu d’autres photographes se risquer à photographier des scènes aussi obscures, de manière impromptue, sans trépied.
Quelles belles ambiances, pourtant ! Ces clairs-obscurs ont une force visuelle incroyable !

Comme je l’ai déjà raconté ici, j’ai remarqué que la plupart des photographes avaient « peur du noir » pour leurs images.

Il est dit qu’un bon photographe doit faire des tirages nuancés, avec un certain modelé, des tonalités variées de gris…
Ainsi, dans l’inconscient collectif des photographes qui se respectent, une trop grand zone noire semble correspondre à une erreur d’exposition, un mauvais traitement, une image sans relief. Chercher du détail dans les zones sombres est une préoccupation constante chez la plupart des photographes.
Révéler les zones sombres, peut-être… Mais chercher du détail dans le noir est, selon moi, une erreur !
A ce sujet, référez-vous à Johnny. « Noir c’est noir » !
Qu’allez-vous y chercher là dedans… sinon du grain ?!
Chercher du détail là où il n’y en a pas ne me semble pas la meilleure démarche pour faire une bonne image. ;)

Ainsi, donc, pour faire des photographies dans l’obscurité, il est essentiel, dans un premier temps, d’accepter le noir.
Sous-exposez en utilisant la correction d’exposition ou une mesure spot de manière à ce que vos éléments éclairés soient bien exposés et laissez le reste de l’image se plonger dans le noir !

J’irai même plus loin.
Choisissez en priorité des situations avec un contraste très fort : quelques éléments bien éclairés et le reste vraiment plongé dans l’ombre car s’il y a trop de zones de densités intermédiaires, faiblement éclairées, c’est là que vous obtiendrez une image granitée, difficilement utilisable.
Le noir ne présente pas de grain. Il est lisse et uniforme à souhait !

D’ailleurs, gardez cela en tête au post-traitement : bidouillez comme vous le souhaitez, jouez sur les niveaux, « coloriez » les éléments parasites dans les zones sombres… mais que votre noir soit noir !

Dans ces conditions bien particulières de prise de vue, la lumière est très localisée, orientée. Elle n’arrive pas de tous les côtés, atténuant les ombres et diluant les reliefs.
Vous avez une ou quelques sources de lumières bien définies que vous pouvez exploiter en lumière directe ou, mieux encore, en contre-jour. Ces sources de lumière facilement repérables sont un atout pour votre prise de vue.
Nul besoin de se casser la tête pour se demander d’où provient telle ombre et si vous êtes bien placés par rapport à l’éclairage. Que vous l’ayez de dos, de face, de côté, vous aurez une conscience facile de la lumière ambiante, de la provenance de la lumière.
Vous pouvez facilement jouer avec elle. La lumière est votre sujet au même titre que les éléments qu’elle éclaire !

Amusant paradoxe pour quelqu’un qui photographie… dans le noir ! ;)

Pour composer votre image aussi, les choses devraient être plus simples.
Imaginez que vous ayez une image toute noire avec, admettons, 3 éléments éclairés. Il n’y a qu’à répartir ces éléments de manière harmonieuse, les disposer dans votre photographie. Organiserez-les vous en triangle, selon un alignement diagonal ?
L’obscurité simplifie votre photo et la réduit à sa plus simple expression : quelques éléments dans un décor uni.

En ce qui concerne le grain… c’est comme le noir ! Il faut l’accepter, l’assumer… que dis-je ?! L’exploiter !
Les lueurs fantômatiques et ombres portées se marient très bien avec le grain, surtout lorsque l’on travaille en noir et blanc. Finalement, cette contrainte technique contribue à créer une ambiance.

Dans le pire des cas, si vous regrettez le rendu intrinsèque de votre image, dites-vous que cette image a un atout que rien ne peut lui enlever ! Elle existe !
Elle existe sans l’éclair dévastateur du flash intégré, elle existe malgré la difficulté technique de la prise de vue.
Quand nous photographierons tous à 100 000 iso (!), le problème ne se posera plus, mais, dès maintenant, osons faire exister ces images de l’extrême qui nous permettent de découvrir ce que nous voyons à peine !

Et, dans certains cas, pourquoi ne pas oser la couleur ?! Les lumières électriques ont des température différentes qui influent sur leurs teintes.
Le ton étrangement pastel que l’on peu déceler dans certaines de nos photographies nocturnes peut être également intéressant à travailler.

Et pour terminer ce tour d’horizon de la photographie dans ce qu’elle a de plus subtil (écrire avec la lumière… surtout quand celle-ci n’est qu’à l’état de traces, qu’elle ne se donne qu’avec parcimonie), une image réalisée, non pas de nuit, mais effectivement dans le noir…
Devinerez-vous en quoi consiste ce passage vers un monde parallèle ?!

Certains photographes gravissent l’Everest pour une image, d’autres partent en trekking en Alaska, les doigts gelés sous leurs gants, crispés sur l’objectif…
D’autres encore attendent 4 heures, immobiles, l’arrivée d’un oiseau, dans une planque à l’allure militaire…

Eh bien moi aussi, figurez-vous, je suis une photographe de l’extrême !!

Je photographie dans le noir.

 

Non pas « de nuit« , quand les éclairages électriques nous inondent de leurs teintes colorées, sur trépied pour photographier la ville sous un autre jour !!
Dans le noir, quand la lumière disponible n’est qu’une mince clarté indiscible et rend notre décor fantomatique.

 

Bien entendu, on a rarement un trépied avec soi lorsqu’on va se coucher et que seule la lumière d’un réverbère éclaire notre chambre, ou quand on attend, retenant notre souffle dans le noir, de pouvoir s’égosiller avec toute la bande sur l’air de « joyeux anniversaire » !!

Vous êtes avec un compact à 1600 iso, vous vous tassez sur vous-même, espérant vous ancrer suffisamment dans le sol pour compenser un temps de pose à la limite du raisonnable… vous essayez de distinguer les ombres qui courent le long des murs et vous vous concentrez sur les quelques affleurements de lumière dans cette marée noire.

 

La photographie ci-dessus a donc été prise dans ce genre de contexte.
GX100, 1600 iso, f2.9, 1/10 s (stab heureusement !)… quand on parlait de conditions extrêmes !! Le second degré n’était presque pas nécessaire ! ;)
Bien sûr il y a du grain… mais l’envie ne vous prend-elle pas parfois de répondre « et alors ?!« …

Photographier l’humain à 1/10 de seconde, dans l’obscurité, a quelque chose de très particulier.
Une intimité à retranscrire.

 

Je pense vous proposer dans les jours qui viennent un article sur la photographie en conditions de lumière « limite ».
Nous verrons alors plus en détails tout ce qu’implique ce choix de prise de vue, avec davantage d’illustrations à l’appui.

 

Bonne soirée !… n’ayez pas peur du noir ! ;)

A coup sûr, vous l’avez déjà entendue.
La fâââmeuse théorie de la focale fixe qui prouve par A + B qu’ « une focale fixe, c’est mieux ».
Mieux qu’un zoom, accessoire diabolique qui vous cimente les pieds au sol et vous change illico en un photographe paresseux et traînard ! ;)

Grosso modo, le principe s’énonce comme ceci : « La focale fixe, c’est mieux car ça nous oblige à bouger, à nous avancer, à tourner autour du sujet. »
Car, c’est bien connu, avec un zoom, il suffit de zoomer et la photo se fait.

Trêve de plaisanteries, j’ai toujours trouvé cette remarque bien simpliste !…
L’objectif nous « oblige » !… une contrainte est souvent, en effet, porteuse de choses positives.
La contrainte est créative, elle nous fait prendre des chemins de traverse pour contourner l’obstacle, loin de l’autoroute toute tracée que l’on utilise mécaniquement la plupart du temps.
Oui ! Mais faut-il être particulièrement fier de devoir introduire une contrainte matérielle pour être plus créatif, pour sortir des sentiers battus ?! Pour nous « obliger » à décoller nos pieds du sol et à bouger nos fesses afin de voir de plus près ce qu’il en est ?

Allons donc ! Personnellement, j’ai presque toujours photographié au zoom (« Hooou !! » <- Désapprobation de la foule), et, en toute humilité, je crois pouvoir dire que je n'ai pas eu besoin de la contrainte de la focale fixe pour être mobile en faisant mes images. Vous devriez me voir à l’oeuvre, d’ailleurs, ce doit être particulièrement drôle.
Je choisis un placement… J’enchaîne un petit pas de côté, je me recule légèrement, j’ajoute un recroquevillement sur moi-même, une légère inclination, je retiens mon souffle et je déclenche.
Une vraie chorégraphie… chaque fois à recréer.

Et je vais vous avouer un truc détonnant. Un zoom, c’est plein de focales fixes. En fait.
Finement, précisément, on change de focale à petit pas… Des petits pas, comme ceux que je fais sur le bord du trottoir en photographiant les feuilles mortes qui traînent.

Est-ce que j’ai parfois un peu honte de ce choix matériel ? Pour tout vous dire, pas du tout !
Car enfin, se déplacer d’avant en arrière ou zoomer/dézoomer… cela ne provoque absolument pas le même résultat !
S’approcher avec une focale fixe pour « grossir le sujet », cela change notre placement, et donc la perspective.
Zoomer permet de « grossir » le sujet tout en gardant le même positionnement dans l’espace, celui qui fait en sorte de certains élément se juxtaposent ou non, ont une proportion plus ou moins grande dans l’image, celui qui garantit que tout cela s’organise comme on l’a décidé.
A ne pas négliger non plus, la possibilité de se rapprocher et de dézoomer ! Une perspective encore différente pour un même « grossissement » de notre élément principal.

Le zoom nous offre ainsi la finesse du choix de la focale !
Il faut sans cesse se décider, le plus souvent intuitivement, entre zoomer un peu ou se rapprocher un peu (ou se pencher si l’on photographie au sol)…
Dézoomer ou reculer ? Bonne question ! Ou mieux !! Dézoomer très légèrement tout en se reculant très légèrement ! Ou encore reculer et zoomer ! Ou pourquoi pas dézoomer, s’avancer de deux pas… et s’accroupir !?!

La gestion de ces différents paramètres n’est-elle pas passionnante ?!

 

Allez, faisons l’avocat du diable ! Avec un peu d’imagination, on pourrait presque imaginer que le culte de la focale fixe est peut-être, lui-même, une manifestation de la paresse (visiblement tenace) du photographe !
Ne pas avoir à choisir sa focale ne serait-il pas tout simplement une bonne manière de se faciliter la vie tout en citant Cartier-Bresson ?! ;)

Non non ! Ne jetez pas tout de suite votre objectif par la fenêtre !!

J’ai oublié de vous dire : la focale fixe a quand même de sacré avantages.
- Poids et encombrement. L’objectif à focale fixe est généralement moins épais, plus léger. Il est parfait à emmener dans une situation informelle où l’on aura peut-être l’occasion de faire des photos, mais où l’on ne veut pas s’encombrer.
- Ouverture. Les focales fixes ont une ouverture plus grande que les zooms.
On trouve des 50 mm 1.4 mais on n’a pas l’équivalent en zoom. (Quel dommage !!)
- Piqué. De manière générale, les objectifs à focale fixe ont un meilleur piqué que les zooms. Cela signifie que la photographie sera plus nette, plus détaillée. Cependant, certains zooms ont une telle réputation de piqué qu’on pourrait presque mettre en doute ce dernier point.

Qu’en est-il alors, de ses inconvénients ?
Je dois bien avouer qu’influencée par le discours ambiant (« la focale fixe c’est mieux ») et alléchée par une ouverture 1.4, j’avais bien envie de franchir le cap (je finirai sans doute par me lancer d’ailleurs).
Mais côtoyer quelques photographes amateurs munis de focales fixe a un peu refroidi mes ardeurs.
N’avoir jamais la focale souhaitée sur son boîtier et toujours se demander si l’on va devoir faire encore un changement d’objectif, ne pas pouvoir cadrer comme on le souhaite car on est « trop long » ou « trop court »…
J’ai l’impression que ces problématiques sont à même de perturber (voire de décourager) bien des photographes trop peu avertis.

Ainsi j’aurais tendance à penser que, quitte à opter pour une focale fixe, autant n’en avoir qu’une et la garder en permanence sur son boitier. En effet, on n’a pas le choix, on se débarrasse de quelques états d’âme et on se donne la possibilité de connaître sa focale à fond et de regarder avec l’oeil qui correspond.
De plus, on ne risque pas d’orner notre capteur de saletés à chaque changement d’objectif… toutes les 10mn.

Enfin, il faut souligner qu’il est essentiel d’être suffisamment avancé en photo pour exploiter la contrainte de la focale fixe. Si l’on se dit juste : « ah ben je ne peux pas prendre ma photo » et que l’on n’exploite pas, par exemple une focale « trop longue » en imaginant un bon cadrage plus serré, ou « trop courte » en prenant en compte de manière intelligente le décor, on perd l’intérêt de notre argument de base « la contrainte m’oblige »…

En fait, en photo, on n’est jamais obligé de rien.
On peut aussi ne pas déclencher… ou accepter de faire une mauvaise photo !

 

Ainsi, les choses ne sont pas aussi simplistes qu’on veut nous le faire croire.
Les gens répètent bien facilement l’argument choc qu’ils ont entendu sans jamais le remettre en question.
Ainsi se répandent des idées préconçues qui nous influencent ou nous font culpabiliser… parfois à tort.

De toute façon, vous connaissez ma manière de voir les choses quand il s’agit de « matos » !
Qu’importe le flacon pourvu qu’on ait l’ivresse… photographique !

Cette photographie a une histoire toute simple.
Elle est prise sur mon boulevard. Celui qui me casse les oreilles du matin au soir… à ma porte, pour ainsi dire !
Je sors poster une lettre au coin de la rue, non sans avoir vérifié que mon petit compact, mon compagnon de tous les instants est bien au chaud au fond de mon sac.

Tiens, c’est sympa ces coulures blanches sur les parpaings !
Il faut dire que mon boulevard porte les stigmates d’un futur passage de tram.
Ce bout de rue que vous contemplez n’a plus que quelques semaines à vivre… un vrai instant décisif !! ;)
Maisons abandonnées, graffitis, fenêtres murées, mon boulevard se montre sous son plus mauvais jour pour que j’aie davantage envie de le photographier, moi qui aime les ambiances.

Une fois délestée de ma lettre, je m’intéresse donc à cette fenêtre murée.
Le sujet est ultra minimaliste mais avec un fort contraste, une dominante chromatique peut-être… cette photo sobre pourrait peut-être faire une couv de roman ?

Rhaaa ! Ce compact ne zoome pas suffisament !
Je ne peux ni traverser car une trop grande proximité et une prise de vue au grand angle engendrerait des déformations sur ma fenêtre, ni zoomer puisque je suis au bout des capacités de mon appareil. Zut de zut.
Je tatonne avec mon cadrage. OK, dans ce genre de situation, on se dit qu’il sera possible de recadrer par la suite mais ce n’est pas mon genre de ne pas essayer de faire le meilleur cadrage possible à la prise de vue. J’ai, comme souvent, opté pour un format vertical. Celui que je préfère et qui correspond tellement bien aux couvertures de livres. J’aime assez ce premier plan avec le bitume et les pointillés sur la route.

Au fur et à mesure de mes hésitations, un mot apparait dans le champ.
A « demi-mot »… puis en entier : « Accueil »
… Accueil ?!

Tilt ! Euréka ! Hip hip hip hourra !
Exprimez comme vous voudrez ce moment où le clair se fait dans votre esprit, ou l’idée se détache et prend forme !

Il est écrit « accueil » au dessus de cette porte au rideau de fer baissé, avec cette fenêtre murée, et je ne l’avais même pas vue ?! Il est temps de se rattraper ! Ce mot, la symbolique qui nait du paradoxe entre ce que l’écrit nous promet et ce que nous montre la réalité… J’ai mon idée.

Je passe en horizontal et j’attends les passants.
Etant sur l’autre trottoir, je dois avoir conscience à la fois du défilement assez dense des véhicules qui gâchent mon plan et de la démarche des passants afin d’en saisir un ou deux au bon endroit, les jambes bien lisibles, sans aucune voiture. Exactement une minute après mon premier déclenchement, celui où je prenais en vertical ma fenêtre murée (exif faisant foi), j’ai mon image.
C’est fou comme on peut voir les choses différemment en une minute !

Le gars a un style vestimentaire assez sympa, il me regarde un peu en coin de l’oeil sous sa casquette… cela donne un petit plus il me semble.
J’aime assez cette marche à contre-courant du sens de lecture, justement comme si notre gars à casquette faisait demi-tour après avoir trouvé porte close.

Je rentre chez moi, bien contente d’avoir eu cette lettre à poster, qui m’a offert une pause dans mon après-midi, une occasion de me dégourdir les jambes et une photo sympathique ! Après coup, je me demande… La signification de cette image est-elle aussi limpide que ce que j’avais en tête à la prise de vue ?

Le choix du matériel est une problématique très présente en photo. Trop, même, à mon humble avis !

Cependant, il est tout de même nécessaire d’en parler, d’une part parce que le matériel influe légèrement sur nos images (oui oui, « légèrement », j’assume !), d’autre part, justement, parce qu’il y a peut-être d’autres manières de parler matériel que de faire des gorges chaudes sur la marque de notre appareil photo, ou des crops en taille réelle des pixels étudiant la distorsion…

Je commence donc ce nouveau thème par un sujet peu traité mais passionnant : la photographie au compact.

Les appareils photo compacts ?! Ils pullulent !!
C’est grâce à eux que nous avons presque tous commencé la photographie !…
La plupart de nos amis en ont un à la main pendant que nous crânons avec nos beaux objectifs de reflex. ;)

Bien entendu, la conclusion de cet article ne risque pas d’être : « jetez votre reflex à la poubelle et ne jurez plus que par les compacts ! ».

Mais ce petit appareil passe-partout et maniable a sans conteste de sacré avantages…
Arrêtons-nous quelques minutes pour en prendre conscience !

Débarrassons-nous tout d’abord du plus « bateau » et du moins agréable.

Le compact a quelques inconvénients majeurs qui nous poussent à le délaisser :

- La qualité intrinsèque de l’image. Pas besoin de vous faire un dessin ! Question qualité du matos, on n’est pas au top, ce qui va influencer sur la qualité de notre image.
- Le grain. A 100 iso, le compact est un outil utilisable sans trop d’inconvénient mais dès qu’on monte en sensibilité, l’image peut rapidement virer au rendu « taboulé ». Si l’on est pas trop fan de la semoule (alias du bruit numérique), mieux vaut préférer une utilisation de son appareil dans des lieux plutôt bien éclairés.
- La réactivité. Un appareil photo compact ne prend pas la photo juste au moment où l’on déclenche. Il la prend très légèrement après. Du coup, si l’on n’y fait pas attention, nos images peuvent avoir un certain « retard ». Pas évident pour les instants décisifs ! On a intérêt à bien savoir anticiper pour déclencher un poil plus tôt… c’est un coup à prendre.
- La mise au point. Personnellement, j’aime faire mes photographies en mise au point manuelle et cela n’est pas possible avec un compact. L’autofocus est donc le passage obligé ce qui est parfois source de petits soucis.
- La profondeur de champ est plus grande que sur un reflex, car le capteur est plus petit.
Ceci peut être un avantage, pour faire du paysage par exemple… mais pas vraiment pour un portrait ! Encore une contrainte avec laquelle il faut composer.

Alors pourquoi utiliser quand même un compact malgré ces inconvénients qui pourraient nous sembler rhédibitoires ?!
Parce qu’il est réellement complémentaire au réflexe par certains de ses avantages !
Bien entendu, le reflex a des points forts que le compact ne pourra jamais égaler, mais il est important de se rendre compte que, de son côté, le compact a des avantages pour lui… que le reflex ne peut que lui envier.

Passons en revue quelques points tout à fait classiques pour commencer.

Question poids et encombrement, le compact est champion toutes catégories !
Il peut se trimballer partout. Dans une poche, dans votre sac, ou à la main, l’appareil photo compact se fait discret tout en vous donnant la possibilité de déclencher dès qu’une occasion se présente.
Combien de fois vous êtes vous dit : « Aaah si j’avais mon appareil, j’aurais sans doute fait une bonne photo ! » ? Quel dommage de laisser, ainsi, passer des occasion parfois uniques !
Personnellement, j’ai toujours mon compact sur moi. La plupart du temps, il reste bien au chaud dans mon sac (ce n’est pas forcément l’objet le plus utile pour aller faire ses courses…), mais certains jours, comme je suis contente de pouvoir le sortir pour faire une image !
Le compact a donc ce premier atout : grâce à lui, vous ne sortirez plus sans un appareil et vous ne manquerez plus de bonnes occasions photographiques.

Autre avantage qui découle en partie de sa taille : la discrétion !
Vous aurez moins de sueur froide et attirerez moins les regards inquisiteurs dans le métro avec un compact qu’avec votre reflex équipé d’un gros zoom.
La prise de vue à l’écran permet de faire des photos, plus ou moins sans en avoir l’air, ce qui conduit à une approche de l’humain assez particulière : une proximité, une spontanéité tout à fait appréciables.

Le compact se caractérise aussi par sa facilité d’utilisation. Pas d’objectif à changer, quelques réglages basiques… un appareil que l’on peut tenir négligemment d’une main, laisser traîner sur la table…
Je trouve que le compact est l’outil idéal pour faire de la photo décomplexée.

Avec un compact, on ne compte pas forcément là pour faire des oeuvres d’art mais plutôt des instantanés de vie. Cet appareil est presque un compagnon de jeu !

Du coup, on se détend et on suit la maxime « moins de réglages, plus d’images !!« .
La plupart du temps, on peut laisser les réglages en automatique (l’idée n’est pas de photographier avec des flous de mouvement particuliers, des profondeurs de champ dosées au millimètre !)… juste un oeil sur la sensibilité et la correction d’exposition… ça nous fait des vacances !!
Ainsi, avec un compact, je me permets des photographies quotidiennes, des visions parfois insignifiantes… je me mets moins la pression ! Il me semble que l’on peut davantage se permettre de déclencher négligemment au milieu de la conversation pour photographier son verre de bière avec ce genre d’appareil !!

En passant, un autre petit atout technique peut contribuer à nous détendre au moment du déclenchement : le fait de voir l’impact de nos réglages directement sur l’écran.
On sait ce que cela va donner avant de déclencher !
Ainsi, on est beaucoup moins stressé par les problèmes d’exposition.

 

On a balayé à peu près tous les arguments techniques et ergonomiques… mais cela fait-il le poids ?
Certains arguments sont déjà assez convainquants (il me semble)… mais il y a mieux.

Le compact n’a pas que pour avantage de nous faciliter la vie. Ce n’est pas l’appareil officiel des fainéants qui ne veulent pas se prendre la tête !!

L’appareil photo compact a de réels atouts artistiques pour lui.
Cela signifie que certaines de ses caractéristiques, certaines de ses fonctionnalités vont nous permettre de faire des images que l’on n’aurait pas pensé à faire. Elles sont un catalyseur de créativité !
Et cela, j’ai tendance à penser que c’est inestimable !

Format, angle de vue, originalité des images… voyons ce en quoi notre compact va nous permettre de travailler tout cela !

Le compact, contrairement au reflex, nous donne, le plus souvent, le choix du format.
4/3 ? 2/3 ? Il y en a pour tous les goûts !
Et surtout… certains d’entre eux proposent la prise de vue au format carré. C’est l’argument qui m’a fait opter pour le Ricoh GX100.
Malheureusement, cette caractéristique encore un peu difficile à trouver mais je considère que les appareils qui proposent cette fonction ont vraiment un plus.
Il est évident que cadrer directement en carré ou recadrer, cela ne donne pas les mêmes résultats. Le cadrage direct permet un travail bien plus abouti à ce format.

Je crois que mon intérêt pour le format carré est assez évident sur les images illustrant cet article !! J’utilise sans modération le petit plus qui m’a conquise chez le GX100 !

Une autre fonctionnalité que l’on ne trouve que chez les compacts, permise par la visée à l’écran :
la prise de vue directe en noir et blanc.
Ah !… nous diront les experts. Il n’est pas conseillé de photographier directement en noir et blanc.

Et pourtant, dans certains cas, il me semble que c’est tout à fait salutaire !
Je dirais même qu’il est nécessaire de faire cela une fois dans sa vie (comme une quête initiatique !!) rien que pour se rendre compte de la puissance du noir et blanc. Viser directement en noir et blanc, c’est voir les choses instantanément autrement !

Bien sûr, cela peut être considéré comme une solution de facilité (sans nul doute ça en est une) : il est important que l’on puisse penser en noir et blanc devant un décor en couleurs.
Mais pour quelqu’un qui débute, ou pour les jours où l’inspiration joue à cache cache, il me semble que cette possibilité n’est pas à négliger.

Tous les compacts, je crois, proposent un « mode macro« .
Souvent appelé le « mode fleur », il permet de photographier de très près, ce qui n’est pas toujours permis par nos objectifs. La distance minimale de mise au point de nos objectifs nous limite parfois dans nos explorations photographiques… Rhaaaa que c’est désagréable d’être limité dans son approche, et de ne pas pouvoir s’approcher encore plus près !

Avec un compact en mode macro, on peut réaliser des photographies rêveuses, ludiques ou mystérieuses selon notre humeur.

Surtout, ne vous limitez pas à photographier des fleurs dans ce mode de prise de vue !
Un crayon qui traîne, un coquillage sur la plage, l’oeil de votre compagne ou compagnon, l’ourlet de votre short, la tranche d’un livre, une pelure de mandarine… tout cela se montrera sous un nouveau jour en macro !

Et en guise de pied de nez au problème de profondeur de champ évoqué au début de cet article, le mode macro vous permettra non seulement d’être près du sujet, mais aussi de l’envelopper d’un joli flou.
Hum ça me donne envie d’en faire, tiens ! ;)

Enfin, je ne peux pas terminer cet article sur le compact sans évoquer la liberté que donnent sa maniabilité extrême et sa visée à l’écran.
Pouvoir tenir son appareil facilement d’une main même pour photographier à la verticale, le placer au dessus de sa tête ou au niveau du sol, le faire pivoter d’un simple mouvement de poignet pour affiner sa composition… c’est incroyable ce que cela peut donner comme possibilités au niveau prise de vue, cadrage, créativité.

La photographie peut devenir, grâce à cela, une activité sans contrainte, accompagnant votre quotidien.
Tenir un livre dans une main et déclencher de l’autre ? Aucun problème ! Photographier votre dentiste en live ? C’est possible ! (bon faut être un peu dingue quand même, mais c’est tellement chouette de se laisser l’être !)

Un petit temps d’adaptation est nécessaire pour laisser tomber nos habitudes photographiques qui limitent nos mouvements et nos idées. Une fois ce temps passé, vous photographierez à ras la table, vous prendrez vos chaussures en photos, votre appareil aura acquis une telle liberté qu’il vous faudra parfois vous tordre le cou pour le suivre dans ses idées de cadrages farfelus !! ;)

Ainsi, bien sûr, le reflex sera toujours le compagnon privilégié des photographes qui souhaitent réaliser des images abouties en profitant des subtilités de réglages, de la réactivité et de la qualité d’image de ce matériel professionnel désormais accessible au grand public.

Mais il me semble qu’il serait bien dommage de laisser le compact aux ados en goguette qui photographient leur copine au grand angle, au flash, dans un bus à la tombée de la nuit !! Ce petit appareil léger et pratique me semble être le compagnon idéal de tous les jours pour tous les amateurs de photo.

Quand vous l’avez en main, pensez à ses spécificités et profitez en pour faire tout ce qui vous serait plus difficile avec un reflex !

… à moins que vous ne préfériez déclencher avec votre téléphone ?! ;)

Quel que soit le matériel utilisé, une image sera toujours une image !

J’avais cet article en tête depuis un bon petit moment, et c’est une remarque de Raynald sur son blog à propos des compacts qui m’a rappelé ce sujet passionnant que je souhaitais aborder.
N’hésitez pas à découvrir ses photos, en particulier ses photos de vacances colorées, aux cadrages plus osés grâce à l’utilisation d’un compact !

En photographie couleurs, l’une des propriétés à toujours garder en tête lors de nos prises de vue est la cohérence de teintes. Après tout, faisons en sorte que la couleur soit marquante… ou passons plutôt au noir et blanc !

Une bonne composition correspond souvent à deux ou trois éléments qui se répondent.
Et pour que l’alchimie fonctionne, la mise en relation de ces éléments est nécessaire.
On peut associer deux éléments par la direction d’un regard, d’une posture, d’un mouvement (dirigés vers le second élément fort de la composition), par une construction graphique (des lignes qui se font écho, qui semblent se prolonger, qui contrastent visuellement), par l’association sémantique entre deux éléments… et / ou, pourquoi pas ? un écho de couleurs !

Ainsi, pour être utile et mise en valeur, cette proximité de tons doit être utilisé dans notre composition.
Si les différents éléments de même couleur sont entassés dans un même coin de l’image, il ne guideront pas le sens de lecture ! Ces éléments colorés constituent les points forts de notre image… A nous de les disposer de manière à ce que le regard voyage harmonieusement dans la photographie en suivant ces teintes.

 

Parfois, pas besoin de chercher longtemps pour trouver une couleur redondante !
Aussi étonnant que cela puisse paraître, il peut s’agir d’un même élément ou de deux éléments liés de manière évidente. Dans la photo du Louvre ci-dessous, par exemple, c’est simplement le reflet qui donne sa cohérence de tons à l’image.
Deux pots de fleurs de la même espèce de part et d’autre d’un balcon ? Une porte et un volet peints de la même couleur ? Rien d’étonnant que ces rassemblements colorés… et pourtant, quel avantage visuel pour le photographe ! Sachons le voir et l’utiliser !

D’autres fois, même si cela est moins marqué, une simple proximité de tons peut apporter quelque chose à notre image. Les nuances proches augmentent alors la cohésion de la photographie, comme c’est le cas dans les images ci-dessus.

Cependant, l’idéal est tout de même de ne pas se contenter de ces quelques clins d’oeil et de savoir repérer les véritables cadeaux qui sont sous notre nez !
Dans certains cas, vous en resterez bouche bée.
A croire qu’un petit malin s’est effectivement baladé avec un pot de peinture !!

Et pourtant non, pas de trucage à l’horizon !
De toutes les photographies illustrant cet article, aucune ne correspond à une mise en scène.
Pas de retouche non plus pour rapprocher les couleurs !
Tout cela se trouvait négligement sous mes yeux (et sous d’autres regards !) et a soudain provoqué un « euréka » à donner envie de tirer tout le monde par la manche : « eh mais vous avez vu, là ?!! »… Moment collector !

On peut aussi associer l’impact de la cohérence à la richesse d’un contraste coloré.
La seconde couleur vient équilibrer l’image, enrichir la palette et rendre le tout encore plus coloré ! ça fait un peu mal aux yeux mais c’est tellement… vitaminé ! ;)
Un peu de vert pour relever le orange, une touche de bleu pour agrémenter le jaune, une sacrée dose de vert … complémentaire au rouge ! Quel plaisir !

Si vous apprenez progressivement à « ouvrir l’oeil » (c’est là le titre de cet ensemble d’articles), à éduquer votre regard pour repérer des tas de petites choses à saisir, vous découvrirez de plus en plus de choses étonnante qui se livreront désormais à vous !

 

L’image ci-contre se caractérise ainsi par une double cohérence de couleurs !! Voyez comme cette verrine servie en amuse-bouche était assortie avec la table ! C’est ce qui m’a poussé, ce jour-là, à sortir mon appareil… et je suis loin de le regretter car c’est en partie grâce à cette image que j’ai illustré « L’école de cuisine aujourd’hui », de Bruno Cardinale !

Pensez-vous qu’il soit possible de pousser la cohérence de couleurs jusqu’à obtenir une image qui ne serait composée que d’une teinte ? Une seule couleur, et le tout tout sans mise en scène ni retouche chromatique ?
Cela doit être assez rare (quoique… en ouvrant l’oeil !!) mais c’est ce qui m’est arrivé… devant cet oeuf dur…!!

Décidément, la photographie nous réserve bien des surprises !

J’avais fait deux constats au départ :

Premier constat : Donner des cours de photos en région parisienne ? Plutôt deux fois qu’une ! Mais c’est tellement réducteur par rapport aux possibilités de contacts que donne internet, tellement limitant en regard de toutes les personnes que je souhaiterais accompagner dans leur progression en photo…

Second constat : Qu’il est difficile d’avoir de vraies critiques sur ses images ! Du bavardage peu structuré en club photo, la non-objectivité ou la complaisance de nos proches, les trois mots vides de sens de la plupart des commentaires recueillis sur internet… je trouve que l’on a rarement de bonnes critiques de nos images, approfondies et argumentées.

De ces constats a germé une idée : le suivi photographique personnalisé que je vous propose aujourd’hui.
J’ai choisi de vous le proposer en avant première avant la rentrée, pensant que cela pourra sans doute intéresser certaines âmes en peine flânant devant leur ordi en ce mois d’août. :)

Le principe est tout simple.
Envoyez-moi chaque semaine une photographie ; je vous propose en retour une analyse complète de votre image ainsi que des conseils personnalisés pour progresser.
Parfois également une suggestion de recadrage ou de retouche, un petit « exercice photo » à faire, ou tout autre petite chose qui peut vous aider à évoluer, avancer.

Ce suivi ne sera pas chronophage ! Nul besoin de se déplacer, nulle organisation compliquée…
Pas d’obligation, bien sûr, que la photographie ait été faite dans la semaine courante (vous pouvez me présenter au fur et à mesure vos photos de vacances par exemple).
Vous n’aurez besoin que de quelques minutes pour m’envoyer une image, et pour découvrir mon ressenti, mes critiques à son sujet.

Faible investissement en temps, donc… mais grand profit, à mon avis !
Regarder ses images autrement, prendre conscience de ses tics photographiques, bénéficier de conseils personnalisés, être suivi, que dis-je ?! coachés !! Tout cela ne peut que vous permettre d’évoluer plus vite en photo, de réussir les images qui vous tiennent à coeur, de prendre confiance en vous lors de vos prises de vue.
Je vous propose un suivi à peu près régulier afin de vous donner un cadre, une motivation. Ce suivi vous permettra d’être accompagnés dans votre pratique photographique.

Cette proposition vous est adressée quel que soit votre niveau en photo.
Pas besoin d’avoir un reflex… un compact suffit à faire de bonnes images ! Pas besoin d’un logiciel particulier.
Seule votre envie de progresser en photo compte !
C’est votre oeil qui sera votre outil principal.
Débutant ou photographe confirmé, quel que soit votre âge, vos sujets de prédilection, votre expérience, j’espère pouvoir vous aider à progresser et à vous épanouir en photo.
Je mets à votre disposition mes compétences pédagogiques (je suis enseignante de formation) et photographiques. :)

Voici ce que je vous propose concrètement.
Une analyse photo par semaine vous sera envoyée par mail sur l’image que vous aurez choisie pour un tarif de 45€ par mois TTC (paiement par chèque, virement ou paypal).
Vous bénéficierez :
- de critiques personnalisées sur vos images sur tous ses aspects (cadrage, composition, gestion de la lumière, réglages de l’appareil, intention photographique, instant décisif, etc…)
- de conseils pour progresser dans votre pratique
- d’éventuelles propositions de recadrages et retouche avec un programme simple de visionnage d’images (saturation, exposition, contraste…).

Si certains d’entre vous ont des souhaits que cette proposition ne satisfait pas tout à fait mais souhaitent être accompagnés dans leur progression photographique, qu’ils n’hésitent pas à l’évoquer afin que je puisse réfléchir à une proposition adéquate : rythme moins soutenu, ou au contraire plus dense sous forme de stage à distance, travail de retouche Photoshop, etc.

Eh bien, maintenant que l’idée est lancée, ne tardons pas pour commencer !

Le mois d’août étant bien entamé, j’offre à ceux qui souhaiteront tenter l’expérience pour septembre les analyses photo de ce mois-ci. Cela signifie, que pour les plus réactifs d’entre vous à s’inscrire pour septembre, les deux critiques photo de cette seconde quinzaine d’août sont offertes !

 

Quelques sympathiques photographes ont accepté de jouer les « cobayes » !!
Vous trouverez donc ci dessous quelques exemples de « décryptages photo » comme ceux que vous recevrez sur vos images.

Je m’adresse à ces photographes comme je le ferai pour vous en m’adaptant à leur niveau.
En mode « vous », en mode « tu »… en mode… personnalisé !
Comme vous le voyez je suis assez bavarde, voire intarissable… votre boîte mail n’a qu’à bien se tenir ! ;)

Pour commencer, voici une critique sur cette photographie sous-marine que m’a soumise Claude Ruff.

Ce qui fait la force de cette image, c’est cette ambiance sous-marine très présente. Elle est rendue plus mystérieuse encore par la tonalité verte, étrange et étonnante. 
Le parti pris du flou est vraiment intéressant. Je trouve qu’il permet à cette image d’être autre chose qu’une « simple » (les guillemets sont énormes, entendons-nous bien !!) photo sous-marine (dans le sens le plus naturaliste du terme). On passe ainsi d’une mise en valeur de la faune et flore sous-marine à une photo d’ambiance, du descriptif à l’expressif.
On gagne en originalité, en personnalité… en subjectivité ! 

Le temps de pose est tout à fait bien choisi : il te permet d’obtenir un mouvement et de créer une atmosphère mais la forme de l’animal reste lisible, celui-ci reste identifiable.
On peut dire qu’au niveau instant décisif, tu t’es carrément bien débrouillé car aucune zone du corps n’en masque une autre, ce qui nous permet de bien voir la tête, les deux nageoires, et de deviner la queue.

L’idée de jouer sur le flou crée un aspect aléatoire, pas facilement gérable.
Bien entendu, à choisir, j’aurais préféré que la nageoire de gauche « respire » un peu plus, se place à quelques centimètres du bord de l’image.
J’avoue que je suis gênée également par la composition centrée de cette photo… Peut-être aurais-tu pu décadrer un peu à la prise de vue (quitte à recadrer ensuite) afin de pouvoir mieux contrôler ton cadrage malgré la gestion délicate du mouvement ?
J’aime que l’eau s’éclaircisse vers le haut, que l’on sente la lumière provenant de la surface, et pourtant l’animal plonge… Un cadrage le plaçant en haut de l’image aurait donc sans doute été le plus adapté.
Il me semble que cette composition trop centrée nous empêche d’être vraiment dans le mouvement avec la créature. Le sens de lecture n’est pas clairement défini et ne s’associe pas au mouvement de l’animal pour nous guider dans l’image.

Le coin sombre en bas à droite ne me gêne pas, au contraire. Il me semble qu’il donne une assise, un point d’ancrage à la compo.

A part ces réserves concernant le cadrage et la composition, j’ai vraiment apprécié cette démarche de mise en valeur d’un mouvement sous-marin et de création d’une ambiance.
Est-ce que tu as d’autres photographies en poses longues qui peuvent s’associer à celles-ci ? Il me semble que cela pourrait faire une série formidable !

En guise de deuxième exemple, l’analyse d’une image de Christian Fichaux.

Cette photographie me semble intéressante de par sa matière (la texture de la roche) et ses lignes (le tracé de la route et le contour de la montagne).
C’est ce qui fait pour moi l’intérêt de ce paysage.

Commençons par l’aspect « jeu de lignes ». Le contour de la montagne est en haut de l’image (pas centré), il n’est pas coupé, ce qui le met bien en valeur.
J’aime beaucoup cette route sinueuse qui arrive presque au coin de l’image avec ce petit viaduc, cette barrière…
Ces deux lignes qui se répondent donnent une image bien construite.

Le problème de cette photo, au niveau construction graphique, c’est que notre regard suit la route et sort de l’image. Il va de la route à la montagne… mais il a du mal à « reculer » dans l’image.
La partie gauche n’a pas de point fort (on voit légèrement la route qui se prolonge mais c’est tout) et il n’y a pas de continuité entre la droite et la gauche de l’image.
En fait, si la route avait été bien visible d’un bout à l’autre de l’image, nous n’aurions pas eu ce problème.
Peut-être aurait-il été préférable de décaler votre cadrage vers la droite pour mettre le petit viaduc au tiers à gauche en guise de point fort et laisser notre regard suivre la route au premier plan.

C’est une très bonne chose que le ciel soit présent sur une faible superficie. Ainsi la photo n’est pas coupée en deux au niveau de son centre et donne davantage d’importance à la roche.
De plus, en contre jour, on ne pouvait pas avoir à la fois du détail dans les rochers et un beau ciel. il fallait donc choisir, ce que vous avez fait en « négligeant » le ciel.

Mais ce positionnement en contre jour casse les couleurs et le contraste de l’image. La matière (que j’évoquais dès le départ comme un des aspects à mettre en valeur) n’est pas bien rendue. la roche est un peu plate, la photo manque de relief.
C’est pourquoi il me semble que cette image nécessite un petit travail de retouche.

Je vous propose ici une retouche très simple qui peut être réalisée avec tout programme de visionnage photo permettant de régler l’exposition, le contraste, la saturation.
La couleur n’est pas très importante dans cette image en contre-jour, aussi je propose de passer cette image en noir et blanc. Il s’agit de la désaturer (curseur « saturation » placé tout à gauche de la réglette).
Dans cette version retouchée que je vous propose j’ai également augmenté le contraste avec la réglette contraste (curseur à déplacer vers la droite pour augmenter le contraste).
J’ai ensuite rendu l’image un peu plus lumineuse avec la réglette « exposition » (curseur à déplacer vers la droite pour augmenter l’exposition).
Personnellement, j’aime les images très contrastées, mais on pourrait aussi choisir un traitement moins extrême bien sûr, un noir et blanc plus doux.
Avec cette retouche on perd le ciel mais ce n’est pas bien grave… il était déjà surexposé.
Par contre on gagne vraiment en matière et en relief dans l’image ! Regardez comme la route se détache, comme les fissures dans la roche sont plus visibles !

Pour vos futures photos, pensez bien à la manière dont le regard va se déplacer dans l’image, quelles lignes il va suivre, et n’hésitez pas à jouer sur le contraste pour faire ressortir la matière !

Eh bien, le hasard a fait que les propositions photo que l’on m’a faites étaient, comme vous le voyez, très « nature »!
Nous terminons avec cette photographie signée David Tatin.

Cette image a beaucoup de fraîcheur (double sens inside) et une originalité que j’apprécie évidemment (dosage du flou et présence de la couleur).

Voyons cela de plus près.
Le plus flagrant dans ton image est bien sûr le choix du temps de pose. (As-tu fait de nombreux essais ? il serait intéressant de le savoir !)
Une eau lissée sans l’être tout à fait, qui donne l’impression d’un verre dépoli. J’aime beaucoup ce reste d’ « écume » blanche qui donne une texture à l’image (à moi, cela m’évoque une vitre sale).
Cette texture et l’écoulement diagonal de l’eau nous sauve de la « zénitude » un peu plate qui caractérise parfois les photos d’eau en pose lente.

Les brins de végétation m’attirent par leur netteté (ils sont bien soulignés par leur face dans l’ombre) et leur couleur vert tendre. Cela tranche fortement avec la surface de l’eau, floue.


Le flou des grandes herbes constituent ce qui donne le plus de cette image. On ne les remarque pas au premier abord mais ils sont un peu la cerise sur le gâteau. En effet, le flou d’eau est un sujet bien plus souvent traité que le flou de végétation.
Je vois que tu as de la suite dans les idées, car j’ai déjà vu une image avec ce vert tendre et ce flou végétal… un « fil vert » à suivre, assurément !

Au niveau composition, les brins sont relativement décentrés, ce qui devrait convenir, et pourtant, il y a quelque chose qui me chiffonne…
Le point fort de la photo correspond à la base des brins, l’endroit où ils sortent de l’eau. Et c’est vrai que ce point est assez peu décentré verticalement.
Mais il me semble que ce n’est pas la seule chose qui peut me donner cette petite impression mitigée.
En fait, la composition de ton image nous emmène dans deux directions différentes et c’est ce qui fait qu’on se sent un peu perdus. Notre oeil va de la base des brins vers le bas à droite de l’image en suivant l’eau, mais il a tendance également à vouloir explorer la végétation en suivant les herbes (pour découvrir ce petit plus qui a un « charme flou » !!). Je suppose que c’est la configuration du terrain, les conditions de prise de vue qui t’ont conduites à cadrer ton image de cette manière mais je me demande si la photographie n’aurait pas été plus harmonieuse avec un espace vide vers le haut afin que l’on puisse suivre les brins d’herbe et remonter le courant d’un même regard. Le flou des hautes herbes passeraient moins inaperçu comme cela.

Quelques remarques complémentaires :
Ton positionnement qui permet aux herbes de se détacher sur un fond uni est bon. Rien ne vient gêner leur lisibilité.
L’orientation verticale est tout à fait adaptée à l’image, vu la forme de ton sujet végétal.
J’apprécie le choix de la couleur car encore une fois, le flou d’eau est un sujet un peu galvaudé, surtout en noir et blanc, photo carrée, lissée, zénifiée… Ici on a une image au dynamisme coloré, avec de la matière et de la transparence…top !
Certains diraient peut-être que cette image est déséquilibrée à cause de l’espace assez grand en bas de l’image, mais comme tu l’as sans doute remarqué, je compose également comme cela… Généralement mes sujets sont même encore plus excentrés que celui ci et mes environnements plus vides…
Tu aurais, pour moi, pu élargir encore un peu le plan pour décentrer davantage les herbes verticalement, cela m’aurait bien convenu ! La tâche verte en bas à droite (végétation sous l’eau) permet aussi d’équilibrer l’image.
L’exposition est au poil. Les brins d’herbe sont bien verts, pas cramés du tout et l’eau pas « bouchée », pleine de matière.

Je remarque que l’une de mes photos préférées de ton cru est également un filé aquatique vertical en couleur avec une compo plutôt diagonale… c’est un point marquant de ton style, c’est sûr !
Bravo pour cette image en tout cas !

J’espère que ces différents exemples vous auront rendu curieux de ce que je vais bien pouvoir déceler dans vos images ! ;) L’échange sera passionnant, sans aucun doute !

Merci encore aux trois photographes qui m’ont soumis leur images !

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NB : Les COACHING PHOTO A DISTANCE sont ACTUELLEMENT « EN PAUSE ».
Mes disponibilités étant de plus en plus réduites, je continue le suivi avec les personnes déjà inscrites mais ne peux plus prendre de nouvelles inscriptions. (Si vous avez un suivi en cours et ne savez pas comment procéder pour prolonger votre inscription, veuillez me contacter par email.)

Si vous êtes cependant intéressé par un coaching, n’hésitez pas à m’envoyer un email pour vous inscrire sur liste d’attente. Je ne sais toutefois pas quand je serai susceptible de reprendre cette prestation.
Merci de votre compréhension !

Je préparais les illustrations de mon futur (et déjà célèbre !!) article sur la cohérence de couleurs quand je suis tombée sur cette photo datant de février 2005, assez adaptée au sujet. Mais alors, pas question de vous la présenter comme cela ! Cette image, pourtant considérée à l’époque comme aboutie, je la trouve à présent tordue, bancale et bien peu rigoureuse.
Ni une ni deux, je l’ouvre, effectue une rotation, une torsion, un recadrage (ainsi que quelques autres bricolettes que les plus attentifs d’entre vous remarqueront sans doute)… et voilà le travail !
Prête pour la mise en ligne !

J’avoue être toujours aussi impressionnée par ce genre de comparatif.
Avant / Après … presque une transfiguration non ?!
C’est incroyable le gain visuel que l’on peut obtenir avec un peu d’attention à la prise de vue et au post-traitement. On aurait tort de préférer la fainéantise, non ? ;)

 

Quelques conseils en passant. :)

En ce qui concerne la vigilance à la prise de vue :

- Soyez attentif à l’horizontalité de… l’horizon ! Car comme son nom l’indique, pour éviter tout mal de mer, il est préférable de ne pas le placer en position de tanguage.
Cela est particulièrement critique pour certaines photos de paysage… à avoir impérativement en tête en bord de mer !

- Evitez tout semi-effet de perspective. Optez pour une prise de vue bien parallèle au mur ou assumez réellement la perspective en composant presque en diagonale. Tout intermédiaire est plus difficile à gérer.

- Si la perspective est présente dans votre image, placez vous si possible de manière à ne pas cumuler des déformations horizontales ET verticales !
(Par exemple mettez vous bien au centre d’une fenêtre que vous photographiez en contre-plongée ; la perspective créera des lignes de fuite verticales mais l’image restera graphiquement viable grâce à votre positionnement horizontal)

NB : Ces remarques sont bien entendu inutiles si vous photographiez à la chambre ou avec un objectif à décentrement.

 

Au post-traitement, il est important de prendre conscience d’une certaine gêne graphique liée à l’incohérence entre les lignes principales de notre image et les bords de notre cadre.
Cela est d’autant plus critique que la photo est graphique et structurée de nombreuses lignes droites comme ma vue de la gare de Gêne du début de cet article.

Moi-même, comme vous avez pu le constater, je n’étais pas très pointilleuse là dessus il y a quelques années !
Un grand merci au passage à la personne qui m’a aidé à mettre le doigt sur cela et modifier mes habitudes… qui ne fait pas beaucoup de photo d’ailleurs, mais a un vrai oeil pour les regarder. :)

Rien ne sert de culpabiliser sur nos « penchages » au déclenchement ! Il arrive que l’on se sente pressé, qu’on soit dans une situation qui ne nous permette pas de bien nous équilibrer, que l’on n’ait pas bien perçu les jeux de lignes sur le moment…
Ayons l’exigence d’être plus vigilant après coup. Comme on dit, « errare humanum est, perseverare diabolicum. » (Il est humain de se tromper mais persister dans l’erreur est diabolique)

Nos images ne peuvent qu’y gagner, en simplicité, en lisibilité… j’aurais presque envie de dire en « sérénité« … :)

D’un point de vue technique, avec certains logiciels simples de gestion d’images, on peut pivoter la photo pour rectifier l’horizontalité … ou la verticalité… mais pas les deux !

Il est nécessaire d’avoir un programme un peu plus évolué (par exemple Photoshop) pour effectuer la torsion capable de corriger tout cela.
Il s’agit de tirer sur les coins de l’image pour rétablir le parallélisme des lignes de construction graphique avec les bords du cadre.
Attention tout de même aux déformations ! Les éléments de la photographie se déforment pendant que vos lignes se redressent, jetez donc régulièrement un coup d’oeil à l’intérieur de votre image, en particulier pour prendre garde aux éléments humains.
Une fois encore, bien entendu, c’est l’exigence à la prise de vue qui est à privilégier par rapport à un rattrapage trop prononcé après coup. La torsion ne doit servir qu’à corriger de légers problèmes de perspectives.

 

Comme souvent, on se rend compte que ce sont des « petits rien » qui font tout ! ;)
Vigilance et exigence au niveau du cadrage permettent de faire de vrais petits miracles !
Ce thème a d’ailleurs été précédemment abordé quand je vous ai avoué que j’étais une »adepte du recadrage » ! Vous pouvez retrouver dans cet article un autre exemple de photo redressée et « tordue » pour la bonne cause.

Pour les sceptiques, lisez aussi « La retouche numérique, un acte superflu ?!« . ;)

Décidément, la photographie, c’est tout un programme ! Avant, pendant, après le déclenchement… il y a de quoi alimenter une encyclopédie !! ;)

Le photographe aime chercher midi à quatorze heures et, le plus souvent, n’interprète pas de la bonne manière le potentiel dépaysant de cette activité.
Il rêve de contrées lointaines aux lumières incroyables, de filles superbes… Il veut Schumacher en personne au volant d’un bolide, un tigre blanc de Sibérie dans son 900 mm stabilisé ouvrant à 2.8 (!!) et pense que le jour où la vie lui donnera enfin l’opportunité de faire le tour du monde, il fera le reportage de sa vie.
C’est cliché, mais c’est un peu vrai !… ;)

Et pourtant, la bonne photo est à votre porte. Sans doute même, elle est chez vous !
Posée sur votre bureau peut-être, cachée dans votre cuisine, guettant entre votre domicile et la boulangerie la plus proche, elle espère que vous la remarquiez enfin, au bout du 3849ème coup d’oeil indifférent dans sa direction.

C’est sûr et certain, nous n’ouvrons vraiment pas assez l’oeil !
La photographie dépayse car elle a le pouvoir de nous faire porter un regard différent sur notre quotidien !
C’est rarement en voyage, en situation inhabituelle à des kilomètres de chez nous que l’on fait les meilleures photos. Là bas, on est tellement éblouis par ce que l’on découvre qu’on ne fait que de la carte postale.

Ici par contre, dans votre rue, votre appartement, se cachent des trésors insoupçonnés…

Quelques petits trucs en guise de mode d’emploi pour cette chasse au trésor photographique :

- Regardez différemment ! Laissez-vous émerveiller !
L’ordre, le désordre, la couleur, la matière, le hasard du quotidien… tout cela est porteur de possibilités photographiques.
Votre iphone qui traîne sur la nappe à carreau, un rayon de soleil qui passe entre deux rideaux, le pot de peinture que vous avez laissé en plan pendant votre pause déjeuner entre deux travaux de bricolage, cette pile de livres à lire qui commence à s’écroûler, les rangées de boîtes aux lettres du hall de votre immeuble, la lumière blafarde de votre parking souterrain…
Ils sont là vos trésors photographiques. Prenez le temps de les voir et de les saisir !

- N’attendez pas demain !
Eh bien oui, vous avez tout cela sous les yeux… alors pourquoi ne pas plutôt repousser à demain ?…
Tout simplement parce que le plaisir de l’instant est fugace, et que l’on ne se baigne jamais deux fois dans le même fleuve ! Ce que vous avez vu aujourd’hui vous semblera peut-être banal demain, l’inspiration sera partie… Votre conjoint aura déplacé quelque chose, la lumière aura changé… et vous aussi.
Alors ne tergiversez pas au quotidien : voyez… et déclenchez !

- Prenez conscience de l’intérêt de ce qui vous entoure.
C’est presque une philosophie de vie !
Dans notre société actuelle, on manque un peu tous de confiance en nous, on croit que ce qui nous concerne n’est pas digne d’intérêt, ne vaut pas le coup et que c’est mieux ailleurs.
Photographier au quotidien, c’est aussi le prendre en considération et le mettre en valeur.
Un acte de pensée positive !! ;)

- Rappelez vous que ce n’est pas le sujet qui fait la bonne photo mais votre regard, la manière dont vous aurez voulu le mettre en valeur.
Allez, je vous mets au défi !
Levez-vous de votre ordinateur (hum attendez un peu si vous êtes au boulot quand même ;) ), déplacez vous de 5 pas vers la droite (s’il le faut, longez les murs)…
Que voyez vous ?
Chiche, faites en la meilleure photographie possible et envoyez-moi le résultat, que je présenterai en commentaire.
C’est une poignée de porte ? Une pile de CD ? un bouquet fané ?
Tant mieux !
Vous pouvez faire un gros plan ou une vue large, jouer sur le flou ou le graphisme, choisir le noir et blanc, la couleur… Pensez à toutes ces possibilités !
Faites-nous une oeuvre d’art avec ces petits rien…
Soyons des alchimistes de la photo !

En guise d’illustration, des photos réalisées de manière impromtue (pas de mise en scène) dans mon décor quotidien actuel ou passé. Des souvenirs engrangés en même temps que de belles images ! :)

Cliquez sur chacune des images pour l’agrandir et lire le commentaire qui lui correspond.

Et souvenez-vous… ouvrez l’oeil ! La photo du siècle est à votre porte ! :)

Il y a, en photographie couleurs, des images dont la teinte n’est que la caractéristique d’un objet, celles où elle est un révélateur d’ambiances… et puis il y a les autres.
Ces photographies où la couleur est notre véritable déclencheur, voire le sujet de l’image.

La couleur attire alors notre regard par une teinte particulière, vive et/ou étonnante (oh ! excellent !! une voiture rose bonbon !), par une interaction entre deux tons (une envie frénétique de photographier ces fraises des bois rouge vif au milieu de leur feuillage vert sombre), ou par une cohérence chromatique (Eh bien ! Cette passante a un sac tout à fait assorti aux volets de cette jolie maison !).

C’est ce dernier cas qui m’a donné envie de sortir mon appareil pour immortaliser un matériel de peinture tout à fait improvisé !
Un pinceau tout neuf dont j’avais à peine remarqué la couleur, une vieille assiette ramenée il y a quelques années de chez mes grands parents, étrangement assortie, et cette peinture blanche aux « remous » gracieux dont la couleur ne perturbait pas l’harmonie de l’ensemble…
Il m’a semblé soudain qu’une photo s’imposait devant un si joli assortiment.
A croire qu’un mystérieux styliste avait comploté tout cela à mon insu !!

Je me suis laissée allée, par la suite, à la contemplation des poils de pinceau en très gros plan, et des envoûtantes coulures de peinture… le plaisir simple et direct de la macro. :)

Un très bon week end à tous !

Comme pour chacun des actes de la vie, faire de la photographie signifie faire des choix.

Choix conscients, choix inconscients, choix importants, micro-choix, choix artistiques, choix techniques, choix à long terme, choix ponctuels, choix individualisés ou groupés… tout cela regroupe une multitude de possibles, d’alternatives qui constituent la marge de liberté du photographe.
Autant dire… une marge énorme !

FAIRE DES CHOIX ?

N’est-il pas formidable d’avoir le choix ?!
N’est-ce pas ce qui rend nos photographies réellement… subjectives ?!

Les choix, facilement identifiables, que font les photographes constituent la partie émergée de l’intention photographique. Ceux-ci dénotent d’un réel investissement, d’une attitude attentive voire perfectionniste du photographe qui souhaite réussir ses images et y exprimer quelque chose.

Il est depuis longtemps établi que la photographie ne consiste pas à «appuyer sur le bouton», ce qui serait la forme la plus primaire de laxisme photographique !
Toutes ces décisions ne transparaissent pas toujours de manière évidente lorsque l’on regarde une image, mais ce sont elles qui font la noblesse de la photographie lorsqu’elle est investie d’une réelle démarche.

Chacun d’entre nous a la capacité de progresser en photographie en prenant conscience des choix qu’il oublie de faire, et en considérant avec recul ses décisions techniques et artistiques.

 

Cependant, que les choses soient claires !
Loin de moi l’idée de militer pour une dictature de la prise de tête photographique !!

Chacun, à son niveau et selon les moments, travaille plus ou moins certains choix.
Nous y reviendrons.

Pour certaines personnes (débutants en photo par exemple) ou dans certains contextes (photo plus décontractée), intervient également le choix… de ne pas choisir !
Ainsi, le «mode vert» est un choix… de «non-choix».
On s’autorise à renoncer à une certaine maîtrise au niveau des réglages, et cela peut être tout à fait louable, si l’on décide d’oublier le couple diaphragme/vitesse pour mieux se concentrer, par exemple (vous me connaissez ;) ), sur le cadrage.

J’avoue, cependant, que j’ai du mal à accorder du crédit à ceux qui érigent leur absence de choix … en choix.
Cette démarche conceptuelle, peut-être valable en galerie d’art avec une explicitation théorique vraiment aboutie (sans aucun doute bien plus «prise de tête» qu’un déclic photographique réfléchi !), est tout de même un peu éculée, et hors de propos lorsqu’il s’agit de photographier son jardin pour agrémenter son site internet !!
En peinture abstraite ou ailleurs, on sait combien il faut maîtriser les techniques de base et l’expression artistique avant de pouvoir s’aventurer avec brio dans un acte de création plus spontané, voire intuitif.

CHOIX CONSCIENTS ET INCONSCIENTS

Je ne crois pas qu’il soit réellement possible d’avoir en tête de manière consciente tous les choix à faire pour réaliser une photographie.
Il me semble que toute personne souhaitant arriver à cela sans la moindre acquisition d’automatismes n’obtiendrait qu’une surcharge cognitive inévitable et un sérieux mal de tête !

Ainsi, nous avons tous nos priorités, et c’est en les faisant évoluer avec le temps que l’on progresse en photographie.
Dans mon propre parcours, je pense avoir tout d’abord travaillé le cadrage et la composition, pour aller progressivement vers une compréhension des réglages de l’appareil et une utilisation de la profondeur de champ.
Je vous passe quelques étapes : instant décisif, exposition, contraste, recherche de sens, etc.
Récemment, j’ai plutôt progressé en recherche de rendu tout en gardant à l’esprit tout ce que j’ai travaillé au cours de ces dernières années.

Certains des choix que j’ai beaucoup travaillés dans le passé sont quasiment automatisés si bien que je n’ai parfois besoin que de quelques millisecondes pour me décider sur un paramètre.
Heureusement !
Car en essayant, il y a quelques jours, de recenser les différentes décisions que doit faire le photographe pour une image, j’ai obtenu une liste de 25 choix, classés par catégories… Et rien ne dit qu’il n’y a pas quelques oublis !

CHOIX TECHNIQUES ET ARTISTIQUES

Les choix effectués peuvent être techniques ou artistiques. Pour tout dire, ils sont souvent les deux !
Disons que certaines décisions sont davantage dictées par une problématique technique, et d’autres par une démarche artistique. Chacune a sa dominante mais est composée de ces deux tendances.

La dominante d’un choix dépend également du photographe.
Ainsi, la détermination d’une valeur de diaphragme correspond, le plus souvent, pour moi, à une décision artistique (j’aime jouer avec les faibles profondeurs de champ) alors que pour d’autres, il s’agira d’un choix presque purement technique (pour quelqu’un qui souhaite optimiser sa netteté en macro d’insectes par exemple).

Sans doute pourrait-on dire que plus un choix nous éloigne de la photographie documentaire, descriptive, et plus il est artistique ?

ORDRE ET INTERACTION

Il serait idéal (et réellement réducteur) de pouvoir donner une liste de choix ordonnés qu’il suffirait de suivre pour faire une bonne image. Une sorte de recette de cuisine du photographe !!
Mais la réalité est tout autre.

Selon le contexte, la personnalité du photographe, son intention du moment, les décisions techniques et artistiques n’interviendront pas dans le même ordre, ni de la même manière.
De plus, chacune n’est pas une entité séparée que l’on étudie avant de passer à la suivante.
Certains décisions sont groupées, et certains choix agissent sur d’autres, élargissant ou restreignant chaque fois le champ des possibles.

Il s’agit d’un réseau entremêlé bien plus que d’une réflexion linéaire… et n’est-ce pas ce qui fait la richesse de la photographie ?

Ainsi, dans les semaines qui viennent, j’évoquerai tour à tour ces différents choix, de différentes catégories.
…bien entendu dans le désordre le plus complet puisqu’aucune présentation linéaire ne semblerait satisfaisante !! ;)

J’essayerai de traiter ces choix sur le plan technique (en me mettant à la portée des débutants) et artistique, en essayant d’aller le plus loin possible pour déterminer l’impact de chaque décision que nous prenons (ou ne prenons pas !).

Décorticage photographique en vue !!
Un sacré programme ! ;)

 

PS : Quel plaisir d’entendre Florence, mon élève en photo, quelques jours après notre première séance de travail, déclarer que désormais, ce n’est plus l’appareil qui a la main mise sur son image, qu’elle choisit elle-même sa zone de mise au point… et que ça change tout ! ;)

Ayons à coeur de proposer des images … de choix !

On ne le répète jamais assez, je crois : on est rarement assez près du sujet.
Les grands photoreporters le disent ; Rober Capa nous l’a rappelé : « Si ta photo n’est pas bonne, c’est que tu n’étais pas assez près ».
Mais cette affirmation est loin de n’être valable qu’en photoreportage ! Elle est valable pour toute photographie, a fortiori celle qui nous intéresse aujourd’hui : la photographie nature.

Pour la proximité, les fabriquants d’appareils nous ont mâché le travail, ils ont nommé « mode fleur » le mode macro, qui permet de s’approcher le plus près possible du sujet avec son appareil.
(Apparté : Possesseurs de compacts, gardez-vous bien de n’utiliser ce mode que pour photographier des fleurs ! Le mode fleur vous permettra d’obtenir de superbes photos d’objets, des portraits étonnants, de capter les détails de tous sujets !)

Mais la proximité ne fait pas tout.
Et la photo nature peut devenir tellement lassante, parfois, quand l’angle choisi est monotone… Lorsque l’on découvre une énième vue de dessus à l’arrière plan peu esthétique ou une vue de côté superbement propre où rien ne gène, il faut bien le dire, l’ennui nous guette !

Alors, mon conseil pour ce « printemps été » qui s’annonce pourrait s’énoncer ainsi : « Photographiez au ras des pâquerettes et jouez à fond « l’effet jungle » !! »

En guise d’illustration de ce principe ras les pâquerettes, mon esprit de contradiction vous propose … des boutons d’or.

L’astuce est simple : accroupissez-vous, allongez-vous dans l’herbe, roulez-vous par terre (!), vous ne serez JAMAIS trop bas !
Ainsi vous ne serez plus un humain gigantesque au romantisme un peu « fleur bleue » en admiration devant une jolie fleurette mais, peut-être, un insecte en progression sur une feuille, un chat guettant un papillon, un mulot prêt à se réfugier dans son terrier !
Jouez la carte Microcosmos, ce point de vue « ras du sol » vous fera à coup sûr voir les choses d’un autre oeil… or, n’est-ce pas là l’objectif de la photographie ? :)

Ce que j’appelle « l’effet jungle » accroît encore votre proximité avec la nature et crée une véritable ambiance. Une herbe se colle sur votre objectif en un gros flou vert ? Tant mieux !
Créez de la profondeur avec ces éléments proches de vous, au flou esthétique et intéressant.

Pensez bien, cependant à organiser ces éléments dans l’espace pour ne pas tomber dans le fouillis !
Dosez le flou, le net et pensez à la composition.

Imaginez-vous tel le tigre à l’affut derrière les hautes herbes en train de traquer la faune et la flore de votre jardin !!

A coup sûr, un vrai rendez-vous avec la nature ! ;)

Nul doute que je suivrai moi-même cette approche tout au long de l’été…
Rendez-vous pour d’autres photos au ras des pâquerettes !

Affaire à suivre, ce sera notre « fil vert », notre feuilleton de l’été ! ;)

Le texte est partout autour de nous. Informatif ou publicitaire, il nous inonde et constitue un véritable atout pour nos photographies.
Les mots véhiculent un message plus direct que les éléments graphiques de nos images. Alors que trouver un titre pour une photo est souvent difficile et décourageant, le texte inclus dans une photographie induit une signification et peut souvent se substituer au titre.
Publicités, enseignes, marques, tags, affiches, inscriptions diverses, noms de rue, titres de livres, de revues, de films, soyez à l’affût de ces éléments signifiants qui peuvent être utiles à vos photos !

Le sens du mot va servir bien sûr, votre photographie ; mais ce n’est pas tout.
La police de caractère, la couleur utilisées peuvent aussi influencer l’image, agir sur l’ambiance, le message…
La manière d’intégrer le texte n’est pas non plus anodine : prépondérant dans l’image ou ne se découvrant qu’au second coup d’oeil, les mots prennent plus ou moins d’importance en fonction de notre cadrage.

 

INTERACTIONS ENTRE TEXTE ET IMAGE

Texte et image peuvent s’articuler de manières différentes, plus ou moins riches, plus ou moins complexes.

Dans certains cas, le texte s’inclut dans l’image comme un simple agrément. Il correspond à l’image mais n’ajoute rien de spécial au niveau du sens.

Les quelques mots utilisées renforcent l’image avec un effet, souvent, de redondance et constituent un petit plus intéressant.
Il s’agit d’un apport «clin d’oeil».
L’écrit attire notre regard qui ne peut s’empêcher de lire, par curiosité, par intérêt. Il constitue donc souvent un point fort de l’image.

 

 

D’autres fois, le texte n’a qu’un rapport lointain avec le reste de la photographie.
C’est alors généralement lui qui devient l’élément le plus signifiant de l’image, et le contexte n’est qu’accessoire.
Comme un titre pour la photo, les mots se laissent accompagner par le décor, le personnage mais transmettent presque à eux seuls le message.

Autre cas de figure, celui que l’on trouve le plus fréquemment : le texte nous donne une information supplémentaire sur l’image.
Il nous renseigne sur le contexte tout en devenant un élément fort de notre composition.
Le lieu, la période, l’événement peuvent souvent être suggérés par un élément écrit.

 

Cet aspect est très intéressant à travailler dans une optique «reportage» ! On gagne ainsi en information.

 

Parfois, il arrive que l’élément texte choisi propose une interprétation de l’image en renforçant un de ses aspects.
Un mot, associé aux éléments de la photographies, aux postures, aux regards, à l’ambiance peut contenir un véritable message. Il guide alors le spectateur dans sa réaction émotionnelle face à l’image.

C’est, à mon sens, l’utilisation la plus forte d’un élément textuel dans une image.
L’image ne subit pas la présence du texte, tout comme le texte se semble pas étranger à l’image, et c’est réellement notre regard, notre travail de composition qui rapproche les éléments pour créer du sens.

 

DANS UN CONTEXTE DE PRISE DE VUE, COMMENT EXPLOITER L’ECRIT ?

Comme dans tout travail de composition (qu’il s’agisse d’une photo, d’une déco, d’une recette), on part généralement d’un «ingrédient» pour y associer d’autres choses qui nous semblent adéquates.
Ainsi, vous pouvez soit avoir une idée de photo (un décor qui vous plaît, un personnage intéressant…) et chercher ce que vous pouvez y associer, en l’occurrence de l’écrit (ouvrez l’oeil à la recherche de logos, d’inscriptions diverses !…), soit découvrir un élément texte qui vous intéresse et chercher à l’intégrer dans une image.

Différents points sont à définir :
Ce texte sera-t-il l’élément majeur de votre image ou ne sera-t-il qu’un ornement ? Apportera-t-il une information ou un message en cohérence avec le reste de l’image ou est-ce plutôt le paradoxe qui s’impose ?
Demandez-vous : l’inscription a t-elle un sens par elle-même ou ne prendra-t-elle sa signification que grâce aux autres éléments de votre photographie ?

N’hésitez pas à vous déplacer, à vous orienter différemment par rapport à l’inscription, à vous rapprocher énormément pour lui donner une taille démesurée, ou au contraire à vous éloigner pour l’intégrer au décor sans trop d’effet de perspective.

 

EXEMPLE CONCRET A BELLEVILLE

En guise d’illustration, voici trois photos évocatrices de la démarche suivie pour essayer d’associer un texte aux éléments de l’environnement.
Quartier Belleville, un coin très populaire et une phrase de Ben sur un panneau géant : «Il faut se méfier des mots».

Dans les créations de Ben, la phrase est souvent paradoxale par rapport au contexte sans que l’on ait à chercher plus loin. Faut-il se méfier des mots qu’il écrit et en conclure que la méfiance n’est pas une règle à suivre ?
J’ai souhaité, bien entendu, aller plus loin et essayer de créer moi-même quelque chose à partir de cette phrase.

Sur la première photo, la phrase est accompagnée d’une fresque peinte sur le pignon d’un immeuble et d’un panneau interdiction de tourner à gauche.
S’il faut se méfier des mots, peut-être faut-il faire confiance aux illustrations ?

Mais le panneau nous indique de ne pas aller vers l’affirmation de Ben.
Résultat, des éléments qui se rapprochent de manière assez intéressante mais une signification assez obscure.

On ne sait pas trop si le texte est là comme agrément, comme message apporté par Ben, ou comme affirmation reprise par le photographe, en l’occurrence moi… Cela donne juste une photo graphique, mais pas vraiment symbolique.

Pour la seconde image, j’ai essayé de rapprocher la phrase clé d’un autre élément texte : le nom de la rue.
La composition de l’image donne l’impression que la phrase de Ben est accrochée sur le même poteau que le panneau qui porte le nom de rue.
La signification semble assez évidente : «il faut se méfier des mots», comme par exemple ceux qui sont présent sur l’autre panneau. Peut-être le terme « belle ville » peut-il être remis en cause par l’affirmation de Ben ?… Mais la maison qui est en arrière plan ne va pas vraiment dans ce sens (contrairement à celle qui lui faisait face dans la rue).
Encore une fois, nous avons obtenu une photographie plus graphique que significative…

La troisième photo, enfin, présente une mise en relation de notre phrase avec une affiche qui nous informe d’une «rénovation du bas Belleville»…
L’état de l’affiche et l’ambiance générale de l’image, un peu glauque, apportent les éléments nécessaires à notre travail sur le sens : on nous promet une rénovation, un beau quartier, et qu’avons-nous au résultat ? Cette atmosphère triste et morne, faite de graffitis et d’affiches déchirées !…
Peut-être avez-vous remarqué l’inscription «Fin des travaux 2002» ; il se trouve que cette photo a été prise en 2005…
Sur le trottoir d’en face, il y avait une maison visiblement ravagée par un incendie, laissée en l’état. Malheureusement, au niveau perspective, je n’ai pas réussi à associer de manière heureuse ces différents éléments (texte, affiche, et maison portant les traces du feu).
Trouvez-vous, cependant, que sur cette dernière image, le travail de sens est tout de même plus abouti ?
Cette photographie associe l’avertissement de Ben et un élément texte auquel, de toute évidence, on ne peut pas se fier !

 

 

TRAVAIL DE PLACEMENT, DE COMPOSITION, DE CADRAGE…

C’est un gros travail de composition que d’essayer ainsi d’associer différents éléments précis de l’image pour créer du sens, mais cela en vaut vraiment la peine.
La recherche symbolique est vraiment passionnante en photo !

Avez vous remarqué que l’affiche «rénovation» est présente sur la première image ? Mais le point de vue éloigné camoufle cet élément dans le décor.
Le choix de la focale, de l’angle de vue, et de la distance au sujet est fondamental pour donner l’importance voulue à l’élément texte que vous souhaitez utiliser. En témoigne la différence d’importance de cette affiche entre les vues 1 et 3 !
Un texte de taille assez petite peut ainsi être utilisé en s’approchant vraiment près avec un grand angle.

J’espère que ces quelques éléments d’analyse, conseils pratiques et exemples vous donneront envie d’exploiter le potentiel «texte» de vos photos.
Pour une fois, ne subissons pas cet écrit omniprésent, ces messages publicitaires, ces logos innombrables…
Réutilisons-les à notre compte, si possible en les détournant, en faisant ressortir leurs paradoxes, leur cynisme, leurs mensonges… apprenons, en photographie à nous méfier des mots, ou à nous les approprier !

Comme vous le savez, je suis une fervente amatrice de forts contrastes…

J’aime l’esthétique que cela crée, le renforcement des formes graphiques, la densités des ombres, la manière dont l’obscurité met en valeur les zones lumineuses.
Il me semble que le contraste donne une profondeur à l’image, que l’ambiance s’en trouve renforcée.

Mais il y a un hic dans cette histoire d’ambiance…
Le noir dramatise l’image.
La voilà donc renforcée, oui, mais presque toujours de sensations négatives.

 

Comme je le rappelais dans un article précédent, il est vrai que les photos très contrastées , surtout plongées dans des densités sombres, peuvent facilement véhiculer une certaine angoisse…
Et certains d’entre vous ont du mal à apprivoiser, je crois, le côté glauque de certaines images, que j’ai tendance à ignorer face à ce rendu dont j’aime l’esthétique…

Vous trouverez sans doute une certaine naïveté dans mon insistance à m’étonner que la photo ci-contre vous fasse davantage craindre les cauchemars que vous languir d’avance d’une bonne nuit de sommeil !
J’avoue que, comme j’aime l’ambiance de cette image, j’y trouve un sentiment positif. L’attirance que j’ai pour cette ambiance contrebalance, pour moi, l’ambiance glauque qui s’en dégage…

Cela me gêne, tout de même, de vous proposer des visuels propices aux cauchemars, moi qui suis si optimiste, bon-enfant de nature ! Surtout, n’y voyez aucune tendance gothique ou morbide !

Le noir m’a toujours attiré en photographie… Je répétais avec humour que les photographes avaient « peur du noir » !… Et c’est vrai !
La sous-exposition traumatise mes collègues, obnubilés par le besoin d’avoir du détail partout. J’ai bien l’impression que le noir est considéré comme une faiblesse technique par beaucoup d’entre nous.
Pour moi, cela a toujours été l’inverse… Je me rappelle d’une photographie de spectacle représentant une danseuse noire en clair-obscur… cette image devait bien contenir du noir pur sur 90% de sa superficie … et on me l’a souvent reproché !

Mais la problématique n’est pas là ; elle est au niveau de l’ambiance.