NB : Pour mieux profiter de l’article, je vous conseille de le lire au fur et à mesure, tout en découvrant les images :)

Un même sujet peut déboucher sur des images très différentes, selon l’intention du photographe, et sa manière d’interpréter ce qu’il a devant les yeux, au niveau visuel mais aussi du sens.

Selon moi, le niveau d’expression va de la photo purement documentaire qui n’a pour but que de montrer de la façon, si tant est que ce soit possible, la plus objective, à la photo totalement interprétative pour laquelle le sujet n’est qu’une glaise à modeler pour obtenir tout autre chose, pur produit de notre imagination. La photo se fait alors graphique, poétique, émotive…

 

J’ai souhaité vous présenter différentes images issues d’une prise de vue sur un sujet précis, un parc dans lequel se trouve un château, un lac et un cygne, selon une gradation expressive.
Rassurez-vous, je ne commencerai tout de même pas au pur descriptif. C’est le genre d’image que je déteste faire !! Commençons donc par des images de qualité quoique un peu classiques, axées sur la valorisation du sujet.

Il faut bien l’admettre, la plupart des images réalisées de par le monde sont descriptives.
Elles ont alors pour but premier de montrer un sujet, bien souvent sans y apporter de plus-value : le souci majeur consiste au contraire à s’approcher au plus près de ce qui nous semble être la réalité.

Bien entendu, de nombreux photographes vont plus loin et s’aventurent dans la photographie créative.
En effet, en exploitant à bon escient les paramètres de prise de vue, nous pouvons, non plus présenter le sujet de façon neutre et détachée, mais bien l’interpréter à notre manière. Rendu noir et blanc, angle de vue spécifique, cadrage particulier, flou de profondeur de champ, sous ou surexposition, effet de mouvement etc. nous permettent, entre autres, d’arriver à nos fins. Nous rendons ainsi hommage au sujet selon une approche personnelle, originale.

De la photo descriptive, nous avons glissé vers la photo créative…

Qu’en est-il, alors, de ce que j’appelle « la photo imaginative » ?!

L’Oasis

Cette fois-ci, il ne s’agit plus d’interpréter mais, au contraire, de détourner !

Faire abstraction de la situation de prise de vue, de l’identité du sujet lui-même, de la réalité, parfois, peut nous conduire à aller encore plus loin sur la voie de la créativité.
Avez-vous déjà eu envie de partager un nouvel univers, de mettre en image des ambiances de contes ou de science fiction, ou de projeter sur l’élément photographié un tout autre sujet ?!

Il est essentiel de garder en tête que cela est possible, et que les montages numériques n’ont pas l’apanage de l’imaginaire !

Le poisson-chat

Donner un titre à une photo peut permettre d’influencer son interprétation. Cependant, celui-ci ne constitue pas toujours une nécessité. Suis-je la seule à percevoir l’évidence de cette pirogue abandonnée au milieu des roseaux ?…

Dans les trois photos présentées ici, l’interprétation imaginative est chaque fois liée à un changement d’échelle : les éléments nommés (titres) sont plus grands, plus « à notre taille » que le sujet de départ. L’infiniment petit comme l’infiniment grand, par leur disproportion vis à vis de nos propres repères, peuvent donc faciliter les détournements.

L’une des images (l’oasis) a été retournée pour correspondre à l’interprétation que je souhaitais en faire.
Les associations reflet et flou de profondeur de champ (l’oasis et le poisson-chat) puis rapprochement de formes et angle de vue au ras du sol (la pirogue) me permettent de vous proposer ces visions imaginaires…
Vous adhérez ?!

La pirogue

Si cette approche vous tente mais que vous ne savez pas trop comment vous y prendre pour la mettre en oeuvre, je vous propose :

- de vous extirper tout d’abord de la réalité en allant vers l’abstrait (images graphiques, très gros plans, jeux de flou et de couleurs qui rendent le sujet non-identifiable)
- de visionner vos images abstraites pour ce qu’elles sont, en oubliant le sujet : vous font-elles penser à autre chose ?
- de changer l’orientation de vos photos abstraites (rotation à 90° ou à 180°, symétrie de la zone de travail) pour vous détacher plus encore de la situation de prise de vue et rechercher de nouvelles interprétations
- de tenter par la suite, lors de vos prises de vue, de vous projeter tout de suite dans l’imaginaire, de repérer les éléments ambigus qui peuvent être le point de départ d’une nouvelle interprétation, de vous laisser aller à la rêverie créative.

Vous verrez, ce genre de prise de vue peut avoir l’effet « dépaysant » d’une longue séance de ciné ou de méditation !

Je suis une fervente partisane du post-traitement.
En effet, sans ce petit grain de sel, je trouve que nos images manquent souvent un peu de saveur…
Nos fichiers numériques sont, la plupart du temps, fades et ternes et ils ont bien besoin d’une certaine mise en valeur.

Je sais que beaucoup d’entre vous ne retouchent pas leurs images, par peur de ne pas savoir s’y prendre, en pensant que cela prend du temps, que c’est compliqué… Et pourtant… Force et de constater qu’en quelques mouvements de curseurs, on transfigure une image !

Pour moi, la vraie problématique n’est PAS, encore une fois, technique. L’enjeu se situe ailleurs : comment exploiter ces outils de retouche à bon escient ? Bien retravailler une image ne signifie pas savoir utiliser un logiciel mais s’en servir comme tremplin : ce qui compte étant toujours l’expressivité qui en ressort !

Pour illustrer cela, voici deux retouche complètement différentes de cette image.

 

Voici tout d’abord le fichier brut… Bon sujet mais quelle grisaille !

 

Je vous propose ci-dessous une version contrastée de cette photo. Les densités plus variées font bien mieux ressortir le graphisme du sujet. La lisibilité est également meilleure.

 

Enfin, pour cette autre variante, j’ai joué également sur le contraste… mais d’une autre manière. L’expression est alors totalement différente, ainsi que le rendu ! La partie basse en ombre chinoise met davantage en valeur la forme du Sacré Coeur et distrait moins le regard, alors plus réceptif au graphisme des innombrables fils.

Ce qui est étrange, c’est que cette dernière variante pourrait sembler très retouchée voire artificielle alors qu’en fait elle est beaucoup moins travaillée que la précédente.

La première version ressemble davantage à ce que l’on voit « en vrai » mais au moment de la retouche, le contraste entre le ciel et le sol oblige à retoucher par zones, à modifier la luminosité différemment à un endroit ou l’autre de l’image, ce qui constitue un artifice.
La seconde version exploite au contraire l’extrême différence de luminosité entre ciel et sol et ne découle que d’un traitement global très facile à réaliser…

Cela vous donnera peut-être des idées ? :)

Je suis convaincue qu’il est essentiel de photographier avec intention.

Savoir ce que l’on veut montrer dans une image, ce que l’on veut faire ressortir est le gage d’une photo « qui se tient ». L’impact visuel de nos images s’en ressent ainsi que le sens qu’elles véhiculent.

Est-ce que, pour autant, la signification de nos images s’avère limpide et définie ?
Bien souvent, non, car chacune des personnes qui visionne l’une de vos photographies a un vécu différent, elle perçoit les choses avec sa propre sensibilité. Ainsi, une image riche et relativement symbolique présentera sans doute autant de significations différentes que de personnes qui l’auront visualisée…
Parfois, des points communs ressortent mais, en fonction de la personnalité du spectateur, un élément peut avoir un sens bien particulier… ou son contraire !

 

Personnellement, j’aime que l’on interprète mes images et qu’on leur donne une autre vie, un autre sens que celui que j’avais imaginé au départ. Il est tellement riche de laisser la liberté au spectateur de se créer son histoire… Quand il nous la fait partager, c’est une redécouverte de la photo, à chaque fois. Moi-même, je laisse parfois vagabonder mon imagination pour réinventer une image…

Pour cette raison, il est délicat de donner un titre à ses photos car s’il correspond à une simple description visuelle, il n’a aucun intérêt, mais s’il propose un axe de lecture trop directif, il fait perdre un peu de rêve, de liberté et d’imagination au spectateur…

 

C’est pourquoi j’aimerais vous proposer de choisir vous-même un titre pour cette image et de nous raconter l’histoire qui s’y associe.
Que voyez vous dans cette photo ? Comment vous-y projetez-vous ? Quelle interprétation vous vient à l’esprit ?
Je souhaiterais que chacun d’entre vous prenne la liberté de s’approprier cette image et qu’il nous fasse partager son interprétation, sans se laisser influencer par celle des autres.

Alors, à vos plumes et à vos claviers…
Et merci d’avance pour votre participation ! :)

Benoît Marchal, photographe et animateur du site Declencheur.com m’a fait le plaisir de me contacter, il y a quelques temps, pour une interview audio.

Nous avons donc parlé de « Composez, réglez, déclenchez ! La photo pas à pas » mais aussi et surtout, de photographie !
Benoît adhère, manifestement, à la même approche photographique que moi : peu technique, pas prise de tête voire… libérée ?! D’ailleurs il photographie aussi avec un GF1 !

Ainsi, l’interview s’appelle « Pour une photo décontractée »…
Un extrait de 12 mn est disponible gratuitement à l’écoute.
J’espère que le contenu de cette discussion vous intéressera !

Un grand merci à Benoît Marchal pour sa disponibilité.

Décontractée ? Moi ?! ;)

Ooops ! Juste après avoir photographié un contre-jour violent pour lequel j’avais fermé le diaphragme à f/11, je suis rentrée dans cette boutique et ait eu envie de photographier ce mannequin grandeur nature qui prenait une pose rêveuse au milieu des tissus…
Est-ce que, pour autant, j’ai pensé à changer d’iso et de diaph ?! Que nenni !!… Cela arrive, à vous aussi ?!

Eh oui, comme vous, j’ai mes moments de rêverie et parfois, comme ici, il s’accompagnent de poésie…

Cette image me rappelle un mot de Bernard Plossu, il y a un an et demi, lors de son intervention au Salon de la Photo. « C’est vrai qu’il y a des photos ratées qui sont bonnes »…

Et autant il est exemplaire d’exceller dans la maîtrise, de peaufiner les moindres détails de son oeuvre, de tout préméditer jusqu’au petit effet qui fait la différence, autant il est trop rare d’avoir l’humilité de dire : « Non, je ne l’ai pas fait exprès, et je crois que le résultat est encore meilleur que celui que j’envisageais »…

Il n’est pas question, bien sûr, de shooter au petit bonheur la chance en attendant le cadeau du hasard ni de se vanter de ses erreurs ! Mais il n’est-il pas tout aussi essentiel d’être ouvert aux impondérables qui ne manquent pas d’arriver que d’avoir une vraie intention pour nos images ?
Je crois bien que c’est l’association de ce « yin » et de ce « yang » qui font les photographies pleines d’harmonie.

Combien de personnes renieraient une photo comme celle-ci parce qu’elle n’est pas celle prévue ? Combien de photographes rejettent le flou par défaut sans même s’intéresser à l’esthétisme qui s’y associe ? Quel dommage !
Et vous, savez-vous parfois trouver la perle rare qui se cache au milieu de vos imprévus photographiques ?

Je photographie beaucoup de choses, mais, le moins que l’on puisse dire, c’est que je ne suis PAS une photographe animalière !
J’aime pourtant photographier les petites bébêtes que nous côtoyons quand l’occasion se présente, souvent des insectes communs ou des animaux de compagnie mais je ne suis à la recherche d’aucune performance photographique. L’espèce rare captée au 600mm à 5 heures du matin, ce n’est pas pour moi !!

Ainsi, l’image ci-dessous n’est pas une photographie animalière au sens où on l’entend généralement.
Cette simple mésange bleue posée sur la balustrade de mon balcon donne une photo plus « jardin » que « nature ».
La lumière n’a rien d’exceptionnel et la netteté laisse à désirer !!
On est bien loin de l’exploit photographique que recherchent nos compatriotes animaliers et pourtant, je trouve que cette image dégage une certaine poésie… justement, peut-être, parce que la lumière est douce, la photo légèrement floue, la mésange pas trop grande dans l’image et la balustrade présente…
Composition à l’inverse de notre sens de lecture et cadrage panoramique (cinématographique ?!) ajoutent encore à l’atmosphère sereine, assez zen… Enfin, les tonalités parfaitement assorties entre les plumes de mon modèle et le fer forgé moussu par endroits donnent la petite touche finale !

Encore une fois, on dirait que l’ambiance a primé sur la technicité… Et n’est-ce pas mieux ainsi ?

Bonne journée !

N’hésitez pas à cliquer sur la photo pour la voir en plus grand !

Toutes mes excuses à tous pour cette « interruption momentanée des programmes » due à un piratage du serveur… Malheureusement, certaines personnes préférent utiliser leurs compétences pour détruire ce que font les autres plutôt que pour proposer quelque chose de constructif sur internet.
Un grand merci à mon gestionnaire informatique personnel ;) pour le boulot énorme qu’il a effectué pour remettre à peu près le site en place. Le site courant s’apparente davantage à du bricolage qu’à une réelle restauration mais nous espérons que bientôt tout sera remis en ordre !

Je dois dire aussi que mon déménagement, prévu pour la semaine prochaine, ne facilite pas les choses en terme de planning. J’ai peu d’occasions ces jours-ci de réaliser des prises de vue et de vous proposer régulièrement des articles consistants. Je me rattraperai par la suite !

Entrons donc dans le vif du sujet !… Un incontournable photographique : le coucher ou lever de soleil !

 

Comment résister à un ciel flamboyant, au dessus de la mer ou de la ville ? Les couchers de soleil (voire les levers, pour les matinaux) constituent un sujet visuellement fort, coloré, contrasté… inimitable ! Ainsi, bien souvent on se laisse tenter, non ? Et fatalement, on retombe sur cette impression de vu et revu. Cette saturation agressive, pourtant naturelle nous conduit au cliché.

Alors, ce soleil se levant sur Montmartre, à ma fenêtre… aurais-je du me retenir de le photographier ? Doit-on donner à ce genre d’image le statut de « photos que l’on fait mais que l’on ne montre pas » ? Y avait-il mieux à faire ? Y a-t-il une manière de photographier ces moments magiques sans tomber dans la carte postale voire, dans le pire des cas, le mauvais goût ? Je la cherche encore…

La première image de cette article prolonge un peu la partie de cache-cache photographique dans les champs. Avoir le soleil dans les yeux pour se laisse envoûter par le contre-jour, on ne s’en lasse pas même si cela éblouit !

Ci-dessus, à gauche, un seul oeil suffit à faire le regard et la timidité associée à l’attitude du jeune garçon justifie à elle-seule tous les visages masqués du monde !

En haut à droite, le geste donne davantage de tendresse à ce portrait et le rend plus original. Masquer en partie le visage de la petite fille met en valeur d’autres regards : ceux des créatures du tee shirt !

Sur la photographie ci-contre, je trouve que la composition centrée renforce l’absence de regard. Notre oeil cherche le sujet, tourne autour du centre de l’image pour s’accrocher finalement à la main, là où l’on s’attendrait à trouver un visage.

Vous aviez découvert la photographie ci-dessous en diptyque. Ce geste visant à dompter quelques mèches rebelles et ce regard saisi donnent à cette image une ambiance un peu « photo de mode », ne trouvez-vous pas ?

J’espère que la présentation programmée de ma série en triptyques vous a permis de garder un lien agréable avec Au Présent du Subjectif pendant mon escapade temporaire dans le Finistère… en attendant la définitive !
Me revoilà donc en direct pour vous conter mes aventures photographiques, vous faire partager mes nouvelles images et mes réflexions sur la création de celles-ci.

Les suivis me donnent également du grain à moudre en me permettant d’analyser de près vos moindres petits défauts photo ! ;)
Cela me tient toujours à coeur de vous aider à les corriger peu à peu tout en vous ouvrant l’oeil, que ce soit par l’intermédiaire du site, ou, de manière plus personnalisée, dans le cadre des suivis photographiques.

 

J’évoquais hier, dans le cadre d’un suivi, la difficulté d’aller au delà de la carte postale, en particulier lorsque l’on se retrouve dans la peau de celui qui s’émerveille dans un contexte nouveau et qui en oublie, bien souvent, de faire des images autres que celles qu’ont faites toutes les personnes dans une situation semblable avant lui !

Voici un des petits trucs qui peuvent, selon moi, nous aider à faire des photographies qui vont au delà de l’hommage à un lieu, un monument, une personne : Il s’agit de montrer moins pour exprimer plus !

Ce conseil me semble valable selon trois aspects.

 

L’INTENTION PHOTOGRAPHIQUE

D’une part, là où la carte postale a pour objectif de montrer, décrire, et existe pour des raisons documentaires, la photographie d’auteur cherche autre chose : une expression personnelle, une originalité assumée ainsi que du sens.

Il est évident que c’est en s’éloignant de la première démarche qu’on se rapproche de la seconde !

En faisant de l’ « anti-carte-postale », vous irez forcément vers une approche moins liée au sujet.
Il ne s’agit plus alors de montrer mais d’exprimer ce qu’il y a derrière, d’imaginer, parfois, de suggérer seulement pour laisser aux spectateurs de vos images la possibilité de s’approprier vos photographies.

Nous avons là le même écart qu’entre un livre qui laisse toute possibilité d’interprétation à son lecteur et un film qui donne parfois une image bien trop figée de l’histoire, à vouloir trop montrer…

 

NE PAS MONTRER EN QUANTITE

Montrer moins, c’est aussi faire l’effort ne pas surcharger nos images, de les épurer du superflu.

Montrer trop pour avoir toute l’information en une seule image, comme en photographie de presse par exemple, nous conduit souvent à des images banales, fouillis et… non subjectives !
En effet, ce sont nos choix visuels qui créent l’expression.

Être sélectif dans ce que l’on montre, c’est le point de départ d’une vraie démarche photographique.

A vouloir tout montrer, on ne montre rien !
A montrer moins, on montre mieux.

 

LA MANIERE DE MONTRER

Enfin, à l’image de la photo ci dessous, c’est aussi en montrant autrement que l’on fait partager une vision personnelle.

Travail de la lumière, brouillard, buée, reflets, ombres, cadrages close-up, jeux de flou, recherche d’une abstraction… C’est par l’intermédiaire d’artifices visuels que l’on transforme la banalité quotidienne en des photographies mystérieuses, voire magiques…

Imaginez ce qu’auraient donné cette maison et cet arbre, photographiés autrement, de manière classique ?
Je n’ai pas l’image correspondante à vous montrer… car elle ne valait pas le coup d’être prise !

 

Et vous, avez-vous une véritable intention d’expression photographique ?
Savez-vous choisir ce que vous voulez montrer ?
Savez vous comment vous allez partager cela à votre manière ?

L’expressivité photographique est un domaine bien vaste.
Elle est étroitement liée à toutes les émotions que l’on peut ressentir devant une image, de la plus discrète à la plus ravageuse, de la plus intime à la plus étrangère, de la plus évidente visuellement à la plus ténue…

J’ai commencé une série de diptyques il y a quelques semaines avec l’idée d’exprimer quelque chose d’assez indéfinissable…
Le genre de chose qui, justement, peut avoir besoin d’images quand les mots semblent un peu pris de court.
Je me dis qu’aux antipodes de la série « RDV« , directe, intense, peut-être presque agressive, il y a ce début de série qui cherche son expression dans des éléments plus délicats, plus subtils…

Ma recherche vise à obtenir des diptyques dont l’association n’est pas particulièrement évidente à première vue.
Les images représentent des traces de vie, des fragments d’histoires qui espèrent trouver leur sens dans la série complète… Le sentiment est fait de réceptivité au monde qui nous entoure, démarche empreinte de nostalgie autant que de fascination pour cet univers en transition…

Et aussitôt je m’interroge… le « trop subtil » ne risque-t-il pas de faire face à un mur d’incompréhension ?
Ma démarche photographique pourra-t-elle, encore une fois, subir de tels « grands-écarts » ?

 

N’hésitez pas à cliquer pour agrandir les diptyques.

Comme pour chacun des actes de la vie, faire de la photographie signifie faire des choix.

Choix conscients, choix inconscients, choix importants, micro-choix, choix artistiques, choix techniques, choix à long terme, choix ponctuels, choix individualisés ou groupés… tout cela regroupe une multitude de possibles, d’alternatives qui constituent la marge de liberté du photographe.
Autant dire… une marge énorme !

FAIRE DES CHOIX ?

N’est-il pas formidable d’avoir le choix ?!
N’est-ce pas ce qui rend nos photographies réellement… subjectives ?!

Les choix, facilement identifiables, que font les photographes constituent la partie émergée de l’intention photographique. Ceux-ci dénotent d’un réel investissement, d’une attitude attentive voire perfectionniste du photographe qui souhaite réussir ses images et y exprimer quelque chose.

Il est depuis longtemps établi que la photographie ne consiste pas à «appuyer sur le bouton», ce qui serait la forme la plus primaire de laxisme photographique !
Toutes ces décisions ne transparaissent pas toujours de manière évidente lorsque l’on regarde une image, mais ce sont elles qui font la noblesse de la photographie lorsqu’elle est investie d’une réelle démarche.

Chacun d’entre nous a la capacité de progresser en photographie en prenant conscience des choix qu’il oublie de faire, et en considérant avec recul ses décisions techniques et artistiques.

 

Cependant, que les choses soient claires !
Loin de moi l’idée de militer pour une dictature de la prise de tête photographique !!

Chacun, à son niveau et selon les moments, travaille plus ou moins certains choix.
Nous y reviendrons.

Pour certaines personnes (débutants en photo par exemple) ou dans certains contextes (photo plus décontractée), intervient également le choix… de ne pas choisir !
Ainsi, le «mode vert» est un choix… de «non-choix».
On s’autorise à renoncer à une certaine maîtrise au niveau des réglages, et cela peut être tout à fait louable, si l’on décide d’oublier le couple diaphragme/vitesse pour mieux se concentrer, par exemple (vous me connaissez ;) ), sur le cadrage.

J’avoue, cependant, que j’ai du mal à accorder du crédit à ceux qui érigent leur absence de choix … en choix.
Cette démarche conceptuelle, peut-être valable en galerie d’art avec une explicitation théorique vraiment aboutie (sans aucun doute bien plus «prise de tête» qu’un déclic photographique réfléchi !), est tout de même un peu éculée, et hors de propos lorsqu’il s’agit de photographier son jardin pour agrémenter son site internet !!
En peinture abstraite ou ailleurs, on sait combien il faut maîtriser les techniques de base et l’expression artistique avant de pouvoir s’aventurer avec brio dans un acte de création plus spontané, voire intuitif.

CHOIX CONSCIENTS ET INCONSCIENTS

Je ne crois pas qu’il soit réellement possible d’avoir en tête de manière consciente tous les choix à faire pour réaliser une photographie.
Il me semble que toute personne souhaitant arriver à cela sans la moindre acquisition d’automatismes n’obtiendrait qu’une surcharge cognitive inévitable et un sérieux mal de tête !

Ainsi, nous avons tous nos priorités, et c’est en les faisant évoluer avec le temps que l’on progresse en photographie.
Dans mon propre parcours, je pense avoir tout d’abord travaillé le cadrage et la composition, pour aller progressivement vers une compréhension des réglages de l’appareil et une utilisation de la profondeur de champ.
Je vous passe quelques étapes : instant décisif, exposition, contraste, recherche de sens, etc.
Récemment, j’ai plutôt progressé en recherche de rendu tout en gardant à l’esprit tout ce que j’ai travaillé au cours de ces dernières années.

Certains des choix que j’ai beaucoup travaillés dans le passé sont quasiment automatisés si bien que je n’ai parfois besoin que de quelques millisecondes pour me décider sur un paramètre.
Heureusement !
Car en essayant, il y a quelques jours, de recenser les différentes décisions que doit faire le photographe pour une image, j’ai obtenu une liste de 25 choix, classés par catégories… Et rien ne dit qu’il n’y a pas quelques oublis !

CHOIX TECHNIQUES ET ARTISTIQUES

Les choix effectués peuvent être techniques ou artistiques. Pour tout dire, ils sont souvent les deux !
Disons que certaines décisions sont davantage dictées par une problématique technique, et d’autres par une démarche artistique. Chacune a sa dominante mais est composée de ces deux tendances.

La dominante d’un choix dépend également du photographe.
Ainsi, la détermination d’une valeur de diaphragme correspond, le plus souvent, pour moi, à une décision artistique (j’aime jouer avec les faibles profondeurs de champ) alors que pour d’autres, il s’agira d’un choix presque purement technique (pour quelqu’un qui souhaite optimiser sa netteté en macro d’insectes par exemple).

Sans doute pourrait-on dire que plus un choix nous éloigne de la photographie documentaire, descriptive, et plus il est artistique ?

ORDRE ET INTERACTION

Il serait idéal (et réellement réducteur) de pouvoir donner une liste de choix ordonnés qu’il suffirait de suivre pour faire une bonne image. Une sorte de recette de cuisine du photographe !!
Mais la réalité est tout autre.

Selon le contexte, la personnalité du photographe, son intention du moment, les décisions techniques et artistiques n’interviendront pas dans le même ordre, ni de la même manière.
De plus, chacune n’est pas une entité séparée que l’on étudie avant de passer à la suivante.
Certains décisions sont groupées, et certains choix agissent sur d’autres, élargissant ou restreignant chaque fois le champ des possibles.

Il s’agit d’un réseau entremêlé bien plus que d’une réflexion linéaire… et n’est-ce pas ce qui fait la richesse de la photographie ?

Ainsi, dans les semaines qui viennent, j’évoquerai tour à tour ces différents choix, de différentes catégories.
…bien entendu dans le désordre le plus complet puisqu’aucune présentation linéaire ne semblerait satisfaisante !! ;)

J’essayerai de traiter ces choix sur le plan technique (en me mettant à la portée des débutants) et artistique, en essayant d’aller le plus loin possible pour déterminer l’impact de chaque décision que nous prenons (ou ne prenons pas !).

Décorticage photographique en vue !!
Un sacré programme ! ;)

 

PS : Quel plaisir d’entendre Florence, mon élève en photo, quelques jours après notre première séance de travail, déclarer que désormais, ce n’est plus l’appareil qui a la main mise sur son image, qu’elle choisit elle-même sa zone de mise au point… et que ça change tout ! ;)

Ayons à coeur de proposer des images … de choix !

Le texte est partout autour de nous. Informatif ou publicitaire, il nous inonde et constitue un véritable atout pour nos photographies.
Les mots véhiculent un message plus direct que les éléments graphiques de nos images. Alors que trouver un titre pour une photo est souvent difficile et décourageant, le texte inclus dans une photographie induit une signification et peut souvent se substituer au titre.
Publicités, enseignes, marques, tags, affiches, inscriptions diverses, noms de rue, titres de livres, de revues, de films, soyez à l’affût de ces éléments signifiants qui peuvent être utiles à vos photos !

Le sens du mot va servir bien sûr, votre photographie ; mais ce n’est pas tout.
La police de caractère, la couleur utilisées peuvent aussi influencer l’image, agir sur l’ambiance, le message…
La manière d’intégrer le texte n’est pas non plus anodine : prépondérant dans l’image ou ne se découvrant qu’au second coup d’oeil, les mots prennent plus ou moins d’importance en fonction de notre cadrage.

 

INTERACTIONS ENTRE TEXTE ET IMAGE

Texte et image peuvent s’articuler de manières différentes, plus ou moins riches, plus ou moins complexes.

Dans certains cas, le texte s’inclut dans l’image comme un simple agrément. Il correspond à l’image mais n’ajoute rien de spécial au niveau du sens.

Les quelques mots utilisées renforcent l’image avec un effet, souvent, de redondance et constituent un petit plus intéressant.
Il s’agit d’un apport «clin d’oeil».
L’écrit attire notre regard qui ne peut s’empêcher de lire, par curiosité, par intérêt. Il constitue donc souvent un point fort de l’image.

 

 

D’autres fois, le texte n’a qu’un rapport lointain avec le reste de la photographie.
C’est alors généralement lui qui devient l’élément le plus signifiant de l’image, et le contexte n’est qu’accessoire.
Comme un titre pour la photo, les mots se laissent accompagner par le décor, le personnage mais transmettent presque à eux seuls le message.

Autre cas de figure, celui que l’on trouve le plus fréquemment : le texte nous donne une information supplémentaire sur l’image.
Il nous renseigne sur le contexte tout en devenant un élément fort de notre composition.
Le lieu, la période, l’événement peuvent souvent être suggérés par un élément écrit.

 

Cet aspect est très intéressant à travailler dans une optique «reportage» ! On gagne ainsi en information.

 

Parfois, il arrive que l’élément texte choisi propose une interprétation de l’image en renforçant un de ses aspects.
Un mot, associé aux éléments de la photographies, aux postures, aux regards, à l’ambiance peut contenir un véritable message. Il guide alors le spectateur dans sa réaction émotionnelle face à l’image.

C’est, à mon sens, l’utilisation la plus forte d’un élément textuel dans une image.
L’image ne subit pas la présence du texte, tout comme le texte se semble pas étranger à l’image, et c’est réellement notre regard, notre travail de composition qui rapproche les éléments pour créer du sens.

 

DANS UN CONTEXTE DE PRISE DE VUE, COMMENT EXPLOITER L’ECRIT ?

Comme dans tout travail de composition (qu’il s’agisse d’une photo, d’une déco, d’une recette), on part généralement d’un «ingrédient» pour y associer d’autres choses qui nous semblent adéquates.
Ainsi, vous pouvez soit avoir une idée de photo (un décor qui vous plaît, un personnage intéressant…) et chercher ce que vous pouvez y associer, en l’occurrence de l’écrit (ouvrez l’oeil à la recherche de logos, d’inscriptions diverses !…), soit découvrir un élément texte qui vous intéresse et chercher à l’intégrer dans une image.

Différents points sont à définir :
Ce texte sera-t-il l’élément majeur de votre image ou ne sera-t-il qu’un ornement ? Apportera-t-il une information ou un message en cohérence avec le reste de l’image ou est-ce plutôt le paradoxe qui s’impose ?
Demandez-vous : l’inscription a t-elle un sens par elle-même ou ne prendra-t-elle sa signification que grâce aux autres éléments de votre photographie ?

N’hésitez pas à vous déplacer, à vous orienter différemment par rapport à l’inscription, à vous rapprocher énormément pour lui donner une taille démesurée, ou au contraire à vous éloigner pour l’intégrer au décor sans trop d’effet de perspective.

 

EXEMPLE CONCRET A BELLEVILLE

En guise d’illustration, voici trois photos évocatrices de la démarche suivie pour essayer d’associer un texte aux éléments de l’environnement.
Quartier Belleville, un coin très populaire et une phrase de Ben sur un panneau géant : «Il faut se méfier des mots».

Dans les créations de Ben, la phrase est souvent paradoxale par rapport au contexte sans que l’on ait à chercher plus loin. Faut-il se méfier des mots qu’il écrit et en conclure que la méfiance n’est pas une règle à suivre ?
J’ai souhaité, bien entendu, aller plus loin et essayer de créer moi-même quelque chose à partir de cette phrase.

Sur la première photo, la phrase est accompagnée d’une fresque peinte sur le pignon d’un immeuble et d’un panneau interdiction de tourner à gauche.
S’il faut se méfier des mots, peut-être faut-il faire confiance aux illustrations ?

Mais le panneau nous indique de ne pas aller vers l’affirmation de Ben.
Résultat, des éléments qui se rapprochent de manière assez intéressante mais une signification assez obscure.

On ne sait pas trop si le texte est là comme agrément, comme message apporté par Ben, ou comme affirmation reprise par le photographe, en l’occurrence moi… Cela donne juste une photo graphique, mais pas vraiment symbolique.

Pour la seconde image, j’ai essayé de rapprocher la phrase clé d’un autre élément texte : le nom de la rue.
La composition de l’image donne l’impression que la phrase de Ben est accrochée sur le même poteau que le panneau qui porte le nom de rue.
La signification semble assez évidente : «il faut se méfier des mots», comme par exemple ceux qui sont présent sur l’autre panneau. Peut-être le terme « belle ville » peut-il être remis en cause par l’affirmation de Ben ?… Mais la maison qui est en arrière plan ne va pas vraiment dans ce sens (contrairement à celle qui lui faisait face dans la rue).
Encore une fois, nous avons obtenu une photographie plus graphique que significative…

La troisième photo, enfin, présente une mise en relation de notre phrase avec une affiche qui nous informe d’une «rénovation du bas Belleville»…
L’état de l’affiche et l’ambiance générale de l’image, un peu glauque, apportent les éléments nécessaires à notre travail sur le sens : on nous promet une rénovation, un beau quartier, et qu’avons-nous au résultat ? Cette atmosphère triste et morne, faite de graffitis et d’affiches déchirées !…
Peut-être avez-vous remarqué l’inscription «Fin des travaux 2002» ; il se trouve que cette photo a été prise en 2005…
Sur le trottoir d’en face, il y avait une maison visiblement ravagée par un incendie, laissée en l’état. Malheureusement, au niveau perspective, je n’ai pas réussi à associer de manière heureuse ces différents éléments (texte, affiche, et maison portant les traces du feu).
Trouvez-vous, cependant, que sur cette dernière image, le travail de sens est tout de même plus abouti ?
Cette photographie associe l’avertissement de Ben et un élément texte auquel, de toute évidence, on ne peut pas se fier !

 

 

TRAVAIL DE PLACEMENT, DE COMPOSITION, DE CADRAGE…

C’est un gros travail de composition que d’essayer ainsi d’associer différents éléments précis de l’image pour créer du sens, mais cela en vaut vraiment la peine.
La recherche symbolique est vraiment passionnante en photo !

Avez vous remarqué que l’affiche «rénovation» est présente sur la première image ? Mais le point de vue éloigné camoufle cet élément dans le décor.
Le choix de la focale, de l’angle de vue, et de la distance au sujet est fondamental pour donner l’importance voulue à l’élément texte que vous souhaitez utiliser. En témoigne la différence d’importance de cette affiche entre les vues 1 et 3 !
Un texte de taille assez petite peut ainsi être utilisé en s’approchant vraiment près avec un grand angle.

J’espère que ces quelques éléments d’analyse, conseils pratiques et exemples vous donneront envie d’exploiter le potentiel «texte» de vos photos.
Pour une fois, ne subissons pas cet écrit omniprésent, ces messages publicitaires, ces logos innombrables…
Réutilisons-les à notre compte, si possible en les détournant, en faisant ressortir leurs paradoxes, leur cynisme, leurs mensonges… apprenons, en photographie à nous méfier des mots, ou à nous les approprier !

Comme vous le savez, je suis une fervente amatrice de forts contrastes…

J’aime l’esthétique que cela crée, le renforcement des formes graphiques, la densités des ombres, la manière dont l’obscurité met en valeur les zones lumineuses.
Il me semble que le contraste donne une profondeur à l’image, que l’ambiance s’en trouve renforcée.

Mais il y a un hic dans cette histoire d’ambiance…
Le noir dramatise l’image.
La voilà donc renforcée, oui, mais presque toujours de sensations négatives.

 

Comme je le rappelais dans un article précédent, il est vrai que les photos très contrastées , surtout plongées dans des densités sombres, peuvent facilement véhiculer une certaine angoisse…
Et certains d’entre vous ont du mal à apprivoiser, je crois, le côté glauque de certaines images, que j’ai tendance à ignorer face à ce rendu dont j’aime l’esthétique…

Vous trouverez sans doute une certaine naïveté dans mon insistance à m’étonner que la photo ci-contre vous fasse davantage craindre les cauchemars que vous languir d’avance d’une bonne nuit de sommeil !
J’avoue que, comme j’aime l’ambiance de cette image, j’y trouve un sentiment positif. L’attirance que j’ai pour cette ambiance contrebalance, pour moi, l’ambiance glauque qui s’en dégage…

Cela me gêne, tout de même, de vous proposer des visuels propices aux cauchemars, moi qui suis si optimiste, bon-enfant de nature ! Surtout, n’y voyez aucune tendance gothique ou morbide !

Le noir m’a toujours attiré en photographie… Je répétais avec humour que les photographes avaient « peur du noir » !… Et c’est vrai !
La sous-exposition traumatise mes collègues, obnubilés par le besoin d’avoir du détail partout. J’ai bien l’impression que le noir est considéré comme une faiblesse technique par beaucoup d’entre nous.
Pour moi, cela a toujours été l’inverse… Je me rappelle d’une photographie de spectacle représentant une danseuse noire en clair-obscur… cette image devait bien contenir du noir pur sur 90% de sa superficie … et on me l’a souvent reproché !

Mais la problématique n’est pas là ; elle est au niveau de l’ambiance.

Je regrette que cette profondeur dans l’image, cette intensité, ne puisse pas servir d’autres émotions que l’angoisse…
Ne pourrait-on pas trouver une autre expressivité dans ce fort contraste ?

Y aurait-il une caractéristique que l’on pourrait travailler, et qui contrebalancerait l’agressivité du sombre afin d’obtenir une image résultante qui véhiculerait des émotions plus paisibles ?

Pensez-vous que la couleur puisse équilibrer la prédominance du noir pour donner une atmosphère plus sereine ? En pastel, ou en teintes vives, peut-être pourrait-elle dédramatiser le fort contraste ?

Le sujet lui-même peut-il avoir une influence sur notre ressenti du contraste ?
Y a t’il d’autres paramètres sur lesquels je puisse jouer pour modifier notre perception de l’image, notre émotion en la découvrant ?

En voilà encore un sujet passionant !…
J’attends avec impatience vos réactions pour enrichir ma réflexion et faire décanter tout cela !

Rechercher une symbolique dans nos photographies, ce n’est pas seulement vouloir faire, une peu prétentieusement, de la photo à message, engagée…
Il s’agit, tout simplement, de donner davantage de sens à nos images.

Tout ce que nous pouvons voir sur nos photos, ce sont des choses concrètes : des objets, des lieux, des gens …
Cela signifie-t-il que nous ne pouvons que montrer, décrire ? Bien sûr que non !
La photographie peut, évidemment, exprimer des notions abstraites (la liberté, le temps qui passe, l’aspect impressionnant de quelque chose).

Déjà, certaines de nos images que nous pensons être simplement descriptives contiennent des symboles et un sens abstrait, sans que nous ayons eu l’intention d’exprimer ce genre de chose. Ce procédé se fait souvent de manière inconsciente !

Qui d’entre nous n’a pas ressenti un peu de nostalgie devant l’une des photographies automnales croisées ces dernières semaines sur le web ?
Une feuille morte gisant sur un pavé humide et nous y voyons une saison, notre enfance à courir dans les feuilles, le temps qui passe, son cycle inéluctable et Noël qui approche !

Ce que nous faisons sans le vouloir et ressentons sans réellement le comprendre, nous pouvons l’utiliser et le développer pour aller plus loin dans notre pratique photographique.

Nous ne faisons pas que regarder les éléments qui constituent les images que nous faisons et découvrons.

Nous les interprétons en fonction de notre vécu, de nos références, qu’elles soient artistiques, familiales, historiques, sociales …
Une sorte de code nous permet de décrypter les messages visuels que nous recevons, d’analyser les informations, et de comprendre ce qu’il y a derrière une vision simple … en apparence ! Comprendre et utiliser ce code, c’est se donner de nouvelles possibilités d’expression dans nos images.

En étudiant un peu de quelle manière la symbolique se met en place et quels types d’éléments peuvent être à l’origine de ce surplus de sens dans nos images, nous comprendrons comment enrichir nos photographies.
Donner davantage de sens à nos photographies nous permet de créer des visuels plus forts, des images pas seulement esthétiques mais réellement évocatrices.
Nos images bénéficient alors de toutes les références plus ou moins conscientes qui s’y rattachent.

C’est également grâce à ce travail symbolique que certaines de nos photographies peuvent devenir de véritables outils de communication. (photographie institutionnelle, de presse, etc)

Voyons par quels moyens simples nous pouvons faire glisser notre image du descriptif au symbolique.

LA NEUTRALITE DE CERTAINS ELEMENTS RENFORCE LE SYMBOLISME DES AUTRES

Tout d’abord, pour que l’image soit davantage rattachée à une idée qu’à un cas particulier, il faut que seuls les éléments que l’on souhaite utiliser comme symboles soient spécifiques. Les autres éléments doivent, si possible être le plus neutre possible afin de ne pas interférer dans le message.

Ainsi, selon les cas, les indications de lieu, d’époque, peuvent servir notre image ou au contraire n’être que des parasites perturbateurs !
Est-ce que je souhaite que l’on reconnaisse Paris dans cette image, ou cette scène pourrait-elle se passer dans n’importe quelle ville de France ? Dois-je montrer que cette photographie est prise au XXIème siècle, dans un décor plein de cables, d’automobiles, ou puis-je rechercher davantage d’intemporalité ?
A nous de décider si certains éléments d’information font partie ou non de ce l’on souhaite évoquer dans notre photographie.

L’ANONYMAT EST UN GAGE D’UNIVERSALITE

De même, en ce qui concerne l’humain, chacun de nos choix va déterminer la manière dont nous allons considérer la personne représentée.
S’agit-il d’une petite fille rousse aux yeux bleus d’environ 7 ans, ou ne savons-nous même pas s’il s’agit d’un homme ou d’une femme ? Est-ce un anonyme dont nous ignorons tout ou un cinquantenaire sans doute chef d’entreprise marchant d’un pas assuré, sa valisette à la main ?

De manière générale, si nous souhaitons réaliser une image universelle dans laquelle le spectateur pourra s’identifier au personnage ou y voir une personne de son entourage, il est préférable d’opter pour l’anonymat le plus complet !
Ainsi il ne s’agira pas d’une personne en particulier … ce personnage, ce pourra être n’importe qui !… chacun de nous.

 

Pour plonger notre personnage dans l’anonymat, deux méthodes sont radicales :
- Couper la tête, ou les yeux, afin de ne garder que les jambes, le bas du corps, la bouche. Rien de tel qu’une seule partie du corps (exceptés les yeux) pour rendre une personne anonyme !
- Photographier en contre jour pour transformer son personnage en silhouette. Toutes ses autres caractéristiques disparaîtront au profit de sa stature, sa taille.

En réalité, nous recherchons peu souvent une universalité aussi prononcée.

Car le personnage peut (doit ?!) également être un symbole dans notre photographie !
Son âge, sa stature, sa posture, son sexe, son appartenance ethnique, sociale, sont des indications tout à fait intéressantes à exploiter.
Souvent, son apparence va nous donner des informations sur son rôle dans la société, son métier, ce qui peut être très intéressant à utiliser.

 

PEUT-ON IGNORER LA SYMBOLIQUE DANS NOS PHOTOGRAPHIES ?

Peut-être vous dites-vous que vous ne souhaitez pas aller aussi loin dans l’interprétation de vos propres photos ? … vous poser tant de questions lors de leur réalisation ?

Malheureusement, vous n’avez pas vraiment le choix car l’interprétation se fera immanquablement dès que votre image sera vue. Et cette symbolique dont je parle de manière positive depuis le début de cet article peut facilement dériver et transformer notre photographie en cliché !
Prendre une personne noire dans un décor ravagé au milieu de murs remplis de graffitis, ne risque-t-il pas, par exemple, de véhiculer une idée qui nous déplaît ? Les symboles peuvent se jouer de nous à notre insu si l’on n’y prend pas garde !

Amalgames, glissements de sens, associations d’idées peuvent aussi bien être nos meilleurs alliés que nos pires ennemis !
D’où l’intérêt de savoir les maîtriser !

 

REPERER LES SYMBOLES

Il s’agit, simplement, de repérer les éléments visuels qui ont une signification plus profonde que l’objet en lui-même.

Tout d’abord, certains signes sont créés dans le but de constituer des symboles : drapeaux, logos, signes religieux, signes de l’on trouve sur les panneaux routiers…
Même les mots ont un fort pouvoir d’évocation symbolique car ils peuvent facilement véhiculer une idée abstraite !

Ainsi, telle ou telle image n’aura pas du tout la même signification si elle contient l’un de ces symboles “officiels”.

Un drapeau américain derrière les barbelés, une vieille porte ornée de l’étoile juive, la fenêtre d’un train longeant la mer portant une étiquette défendant visuellement de jeter des détritus (NB : des bouteilles à la mer !)… ces photographies véhiculent un message fort grâce à ces symboles connus de tous.
Nous interprétons ces symboles et les associons instinctivement aux autres éléments visuels de l’image.

 

AMALGAME ENTRE UN OBJET ET SA FONCTION

Une forme de symbolique légèrement moins directe mais tout aussi utilisée consiste à évoquer une idée abstraite en montrant un objet qui s’y rattache. On confond alors l’objet et sa fonction par une sorte de métonymie visuelle.
L’horloge évoque le temps, la valise le voyage, le sapin décoré Noël …
Une serrure, une clé peuvent être symboles de liberté ou d’enfermement, selon l’image.

 

SYNECDOQUE VISUELLE

Continuons dans les figures de style ! Il est incroyable de se rendre compte à quel point il existe une rhétorique, une grammaire visuelle qui nous permet de construire le sens de nos photographies…
La synecdoque consiste (en grammaire) à utiliser “une partie pour le tout”. A “faire de la voile” lorsqu’il s’agit d’emprunter un “voilier”.

Visuellement, lorsque incluant la Tour Eiffel dans l’une de nos images on évoque Paris, ne s’agit-il pas réellement une synecdoque visuelle ?

Ici, nous sommes moins dans l’évocation de l’abstrait que dans un procédé qui consiste à ne prendre en photo qu’une partie des choses pour laisser notre connaissance, voire notre imaginaire reconstituer le tout. A nous de sélectionner la partie qui sera évocatrice du tout !

Je suis, personnellement, très friande de toute ces figures de style photographiques, moi qui aime tant les détails, le flou de profondeur de champ, qui préfère toujours évoquer plutôt que décrire !

UTILISATION HABITUELLE OU MARQUANTE DE QUELQUE CHOSE

Parfois, un élément visuel n’a pas une fonction aussi claire et définie que dans le cas précédent mais donne du sens à notre image selon l’utilisation habituelle que l’on en fait, une association courante avec une idée abstraite.

Il y a quelques jours, je vous présentais la photographie d’une fenêtre couverte d’un rideau de dentelle noire.
La discussion, dans les commentaires, nous a permis de nous rendre compte que la présence de dentelle noire pouvait, selon notre sensibilité, notre vécu, notre humeur, véhiculer un sentiment de deuil, une impression de démodé, d’intemporel, ou bien, au contraire, une certaine sensualité.

La symbolique n’est donc pas toujours évidente et dépend, bien entendu, de la sensibilité de la personne qui regardera notre image.

De même, bien que cela ne soit pas d’une logique implacable, un oiseau qui s’envole renvoie une impression de liberté, une lumière ponctuelle à un espoir, etc…
Les croix sur ces troncs, en forêt, bien qu’étant destinées à indiquer les arbres à couper, m’a évoqué une interdiction, un mystère, un danger.

REFERENCE HISTORIQUE, LITTERAIRE …

Certains éléments de votre photographie peuvent également se référer à un élément de notre culture commune : de manière générale l’Histoire avec une majuscule, ou les histoires, qu’elles soient littéraires, cinématographiques…

Une petite fille et un lapin blanc ? N’aurez-vous pas envie de titrer cette photographie “Alice au Pays des Merveille” ?
Quelques uns de vos potes prenant des poses macho derrières leurs lunettes noires, ne s’agit-il pas de “Men in black” ?

Ce type de référence est plus difficile à utiliser spontanément lorsque nous photographions “sur le vif”, mais est souvent utilisé dans le cadre de mises en scènes, pour la publicité par exemple. On reconstitue un tableau de grand maître, une scène de film…
Les films eux-même se parodient ou se rendent hommage entre eux !

PROCEDES PHOTOGRAPHIQUES SYMBOLIQUES

Ce n’est pas uniquement la présence ou non de tel ou tel élément dans l’image qui peut être porteuse de sens.
Notre manière de photographier elle-même rentre en ligne de compte : angle de vue, profondeur de champ, mise au point, vitesse, exposition, permettent aussi d’accentuer voire de créer une symbolique !

Le flou de mouvement évoque, bien entendu, la vitesse ! Le flou de profondeur de champ la rêverie, le mystère…
Une prise de vue en contre-plongée dramatise un monument et donne une impression de grandiose, de taille démesurée.
Une sous-exposition traduit une angoisse, tandis qu’une surexposition peut évoquer un éblouissement.

Nous avons donc tous les outils en main pour agir sur l’image lors de la prise de vue ou du post traitement en fonction de notre intention.

 

ASSOCIATION DE DIFFERENTS SYMBOLES

Comme nous l’avons vu, certains éléments de nos photos sont des symboles clairs, d’autres sont plus subtils.
Ce qui est certain, c’est que c’est l’association de ces différents éléments plus ou moins signifiants qui va être porteuse de sens, finalement, dans nos images.

Souvent, nous construisons ce genre de photographies autour d’un symbole qui attire notre regard, ce qui attise notre vigilance et nous permet de trouver ce qui peut compléter l’image : tel type de personnage, tel autre élément, tel procédé photographique…

Et puis, laissons faire le hasard du moment … et notre inspiration !

La photographie est un moyen d’expression !
Ne nous privons pas de l’utiliser pour évoquer nos émotions, nos ressentis sur la vie quotidienne, la société et les faire partager dans le cadre d’un message clair … qui se passe, la plupart du temps, de légende !