Il n’y a pas que les petits fleurs, les herbes et les gouttelettes dans la vie… Il y a la ferraille, aussi !

Rechercher l’abstraction dans notre environnement quotidien constitue une activité à la fois intéressante et amusante.

Considérer ce qui nous entoure comme des lignes, des formes, des densités, des couleurs et non comme des lieux, des objets, des personnes est le fondement de la photo graphique.
Le jour où vous trouvez « qu’il n’y a rien à photographiez », tentez l’expérience de faire abstraction de la réalité des choses pour passer dans un monde parallèle : cherchez les matières, les motifs, les alignements, repérez les teintes qui se répondent, les jeux d’ombres et lumières… (Pour éveiller votre réceptivité, consultez « Composez, réglez, déclenchez ! La photo pas à pas » p 6 à 19. Pour une aide au cadrage et à la composition, RDV p 42 43 et p 70 à 73)

Adoptez une approche soit résolument géométrique, soit coloriste, soit basée sur la lumière et le contraste ! Je suis sûre que vous ne serez pas déçu du voyage !

Attention, il est probable que vous n’ayez pas forcément envie de revenir illico dans notre univers terre à terre ! ;)

Voici quelques astuces pour réussir vos images graphiques formant des motifs :

- Placez-vous bien parallèlement à votre sujet, ne vous positionnez pas en biais ;
- Cherchez la régularité pour créer un motif répétitif. Cadrez uniquement les éléments qui se répètent à l’exclusion du reste. Incluez éventuellement un élément « trouble-fête » unique dans votre image pour casser le rythme !
- Adoptez un cadrage « rentre-dedans » : coupez le sujet de chaque côté de votre image, ne laissez au maximum qu’un bord de « libre » (comme le bas sur mes images). Vous donnerez ainsi l’impression que le motif se prolonge indéfiniment ;
- Appliquez-y un contraste fort au post-traitement. Le noir et blanc est aussi une option très intéressante à tester.

Bonnes prises de vue graphiques et abstraites à vous !

L’un des challenge majeurs du photographe est la composition. Il s’agit d’organiser des éléments dans le cadre de manière harmonieuse.

Comment réaliser cela ?
On ne se pose peut-être pas toujours suffisamment la question…

Nous avons deux outils à notre disposition pour composer : le cadrage et l’angle de vue.

LE CADRAGE nous permet de choisir le contenu de nos images (ce qu’on laisse en dehors et ce qu’on y intègre) et de placer quelque chose à un endroit précis dans l’image. Déplacez votre cadre vers le bas et vos éléments monteront dans l’image !
L’ANGLE DE VUE, lui, permet de déplacer les éléments constitutifs de nos images les uns par rapport aux autres et de les disproportionner. Votre déplacement influe sur les proportions et le positionnement relatifs des éléments. Déplacez-vous vers la droite et les éléments de premier plan se décaleront vers la gauche par rapport aux éléments d’arrière-plan !

Ainsi, quand j’affirme que la composition est une mise en scène, ce sont ces deux outils que vous pouvez utiliser pour modeler littéralement votre environnement. Je vous engage vraiment à réaliser quelques « photographies minimalistes » pour expérimenter cela sur des cas simples. Deux plans à organiser, c’est la situation la plus facile pour commencer !

 

Ces trois photos toutes simples, réalisées hier soir, constituent, il me semble, un bon exemple de DEMARCHE DE COMPOSITION.

La première image correspond à mon positionnement de départ, au moment où j’ai repéré ce fin croissant de lune et le fil électrique qui divisait le ciel en zones de formes plus ou moins géométriques. Placer le poteau au tiers à droite m’a semblé naturel pour intégrer suffisamment de câbles tout en gardant la lune.

N’étant pas vraiment satisfaite de la position relative des fils et de la lune, je me suis éloignée du poteau (j’ai reculé mon positionnement). Le fait d’être moins en contre-plongée m’a permis de faire descendre le poteau par rapport à la lune. Mon cadrage a également évolué : j’ai cadré plus bas pour faire monter la lune dans la photo. Soit dit en passant, c’est plus logique que la lune soit au dessus du poteau et en haut de l’image, non ?

Cependant, dans ces deux images, les éléments sont simplement côte à côte, ils n’interagissent pas.

Êtes-vous de ceux qui ont peur de cadrer ?
De ceux qui n’assument pas ce qu’ils veulent montrer et craignent d’avoir une vision franche, qui va droit au but, ont peur de s’affirmer ?
Êtes-vous de ceux qui ont peur de leur sujet et peur de le couper ?

Je crois que, bien souvent, nous n’osons pas assez nous plonger dans l’image et assumer nos choix de cadrage.
Poser son cadre et couper, ce devrait pourtant être ce qu’il y a de plus naturel pour un photographe ! Mais je vois trop de photographies dont on reste réellement en retrait.

Il y a la fameuse formule, « si la photo n’est pas bonne, c’est que tu n’étais pas assez près »… Mais la proximité n’est pas qu’une question de distance au sujet.
Je suis personnellement convaincue qu’elle est fortement liée au cadrage.
Si la photo est ratée, c’est que tu n’as pas cadré assez serré ! ;)

Pour l’intérêt de la démonstration (et le désespoir de nos yeux affutés), voici ce à quoi l’on échappe en sachant cadrer serré :

Edifiant non ?

Et vous, quand vous photographiez, vous choisissez l’option A (photo1) ou l’option B (photo 2) ?!

J’ai remarqué, en particulier en donnant mes cours de photographie gastronomique, que certains photographes semblent avoir une certaine « crainte de leur sujet ».

Ils mettent une distance entre eux et ce qu’ils photographient soit par habitude de rester un peu en retrait (ce qui est recommandé, par exemple, pour photographier l’humain), par méconnaissance des capacités de leur appareil (la fameuse distance minimale de mise au point que j’aime la plus courte possible), à cause d’une limitation de ce côté, mais également par peur de couper leur sujet.

 

Or je crois que les meilleures photos se font en « rentrant dans le sujet ».

Il s’agit d’être près, de tailler dans la masse, de proposer une vraie vision afin de faire partager cette proximité avec ceux qui visionneront nos images.
Vous pouvez ainsi créer une certaine intimité avec le sujet.

Testons cela sur le champ !
Laquelle des deux photographies ci-dessous préférez-vous ? Pourquoi ?

Edifiant n’est-ce pas ?!
Plus esthétique, plus appétissante, mieux structurée graphiquement, la seconde remporte la bataille haut la main !
La proximité lui donne un vrai plus !

Il est amusant de remarquer que, les deux photos n’exploitant pas le cadre de la même manière, la taille et la forme de l’image semblent différentes…

 

Ainsi, l’approche « macro », en photographie, est loin d’être réservée aux insectes et aux fleurs.
Le « mode fleur » de certains appareils photo numérique est tout à fait indiqué pour photographier les trombones qui traînent sur votre bureau !

Les jours d’ennui ou d’inspiration zéro, voyez la vie en macro et votre créativité prendra un nouveau souffle, c’est certain !

Je donnais ce conseil lors d’un suivi il y a quelques jours. Photographier de près est une très bonne technique pour s’obliger à aller au delà d’une simple description du sujet.

Pour photographier un objet, commencez en vous plaçant le plus près possible.
Même trop près, oui ! …Quand votre sujet disparaît dans un modelé de flous et de couleurs, quand l’oeil perd ses repères et que l’image glisse dans l’abstrait, c’est que vous y êtes !

Cherchez un angle intéressant et photographiez (il s’agit de faire une bonne photo et non pas de décrire le sujet ! Un bon jeu de lignes, de couleurs peut donc tout à fait faire l’affaire).
Reculez-vous légèrement et continuez à photographier. En numérique, nous ne sommes pas limités en nombre d’images alors n’hésitez pas à faire beaucoup de photos pour expérimenter, et vous immerger totalement dans l’atmosphère rêveuse induite par la proximité !

Croyez-moi sur parole, vous pourrez passer une heure à photographier 10 centimètres carré !!

En commençant ainsi très près puis en élargissant votre plan progressivement, vous entrerez dans le sujet de manière forcément non descriptive avant de retrouver vos repères visuels.
Le challenge et le suivant : lorsque votre plan s’élargit, ne perdez pas la magie de vos images !
Conservez la beauté du flou, des couleurs, la matière de votre sujet, son intérêt graphique !

J’espère que ces conseils vous aideront à produire des images plus intimistes et moins conventionnelles !

 

Quelques informations pratiques, techniques et artistiques :

Amateurs de flou, soyez conscient que plus vous serez près, plus votre flou sera prononcé !

Avec un reflex, je vous conseille de passer en mise au point manuelle afin de bien contrôler la netteté.
Il est très important que ce soit vous qui choisissiez ce qui doit être le point fort net de votre image, et non l’appareil !

Avec un compact en mode macro ( ou « fleur »), centrez votre point fort, appuyez à mi-course pour faire la mise au point, cadrez à nouveau l’image correctement puis faites variez légèrement la distance entre l’appareil et le sujet pour retrouver la distance qui vous permet d’avoir la netteté précisément où vous voulez. Déclenchez !

Comme vous pouvez le remarquer sur les photos illustrant cet article, être près ne signifie pas étouffer le sujet en le plaçant plein cadre et au centre ! La proximité n’empêche pas de composer son image en intégrant aussi un espace vide ou… des éléments qui sont plus loin de nous.

Pour transcender vos sujets, photographiez plus près !

Je préparais les illustrations de mon futur (et déjà célèbre !!) article sur la cohérence de couleurs quand je suis tombée sur cette photo datant de février 2005, assez adaptée au sujet. Mais alors, pas question de vous la présenter comme cela ! Cette image, pourtant considérée à l’époque comme aboutie, je la trouve à présent tordue, bancale et bien peu rigoureuse.
Ni une ni deux, je l’ouvre, effectue une rotation, une torsion, un recadrage (ainsi que quelques autres bricolettes que les plus attentifs d’entre vous remarqueront sans doute)… et voilà le travail !
Prête pour la mise en ligne !

J’avoue être toujours aussi impressionnée par ce genre de comparatif.
Avant / Après … presque une transfiguration non ?!
C’est incroyable le gain visuel que l’on peut obtenir avec un peu d’attention à la prise de vue et au post-traitement. On aurait tort de préférer la fainéantise, non ? ;)

 

Quelques conseils en passant. :)

En ce qui concerne la vigilance à la prise de vue :

- Soyez attentif à l’horizontalité de… l’horizon ! Car comme son nom l’indique, pour éviter tout mal de mer, il est préférable de ne pas le placer en position de tanguage.
Cela est particulièrement critique pour certaines photos de paysage… à avoir impérativement en tête en bord de mer !

- Evitez tout semi-effet de perspective. Optez pour une prise de vue bien parallèle au mur ou assumez réellement la perspective en composant presque en diagonale. Tout intermédiaire est plus difficile à gérer.

- Si la perspective est présente dans votre image, placez vous si possible de manière à ne pas cumuler des déformations horizontales ET verticales !
(Par exemple mettez vous bien au centre d’une fenêtre que vous photographiez en contre-plongée ; la perspective créera des lignes de fuite verticales mais l’image restera graphiquement viable grâce à votre positionnement horizontal)

NB : Ces remarques sont bien entendu inutiles si vous photographiez à la chambre ou avec un objectif à décentrement.

 

Au post-traitement, il est important de prendre conscience d’une certaine gêne graphique liée à l’incohérence entre les lignes principales de notre image et les bords de notre cadre.
Cela est d’autant plus critique que la photo est graphique et structurée de nombreuses lignes droites comme ma vue de la gare de Gêne du début de cet article.

Moi-même, comme vous avez pu le constater, je n’étais pas très pointilleuse là dessus il y a quelques années !
Un grand merci au passage à la personne qui m’a aidé à mettre le doigt sur cela et modifier mes habitudes… qui ne fait pas beaucoup de photo d’ailleurs, mais a un vrai oeil pour les regarder. :)

Rien ne sert de culpabiliser sur nos « penchages » au déclenchement ! Il arrive que l’on se sente pressé, qu’on soit dans une situation qui ne nous permette pas de bien nous équilibrer, que l’on n’ait pas bien perçu les jeux de lignes sur le moment…
Ayons l’exigence d’être plus vigilant après coup. Comme on dit, « errare humanum est, perseverare diabolicum. » (Il est humain de se tromper mais persister dans l’erreur est diabolique)

Nos images ne peuvent qu’y gagner, en simplicité, en lisibilité… j’aurais presque envie de dire en « sérénité« … :)

D’un point de vue technique, avec certains logiciels simples de gestion d’images, on peut pivoter la photo pour rectifier l’horizontalité … ou la verticalité… mais pas les deux !

Il est nécessaire d’avoir un programme un peu plus évolué (par exemple Photoshop) pour effectuer la torsion capable de corriger tout cela.
Il s’agit de tirer sur les coins de l’image pour rétablir le parallélisme des lignes de construction graphique avec les bords du cadre.
Attention tout de même aux déformations ! Les éléments de la photographie se déforment pendant que vos lignes se redressent, jetez donc régulièrement un coup d’oeil à l’intérieur de votre image, en particulier pour prendre garde aux éléments humains.
Une fois encore, bien entendu, c’est l’exigence à la prise de vue qui est à privilégier par rapport à un rattrapage trop prononcé après coup. La torsion ne doit servir qu’à corriger de légers problèmes de perspectives.

 

Comme souvent, on se rend compte que ce sont des « petits rien » qui font tout ! ;)
Vigilance et exigence au niveau du cadrage permettent de faire de vrais petits miracles !
Ce thème a d’ailleurs été précédemment abordé quand je vous ai avoué que j’étais une »adepte du recadrage » ! Vous pouvez retrouver dans cet article un autre exemple de photo redressée et « tordue » pour la bonne cause.

Pour les sceptiques, lisez aussi « La retouche numérique, un acte superflu ?!« . ;)

Décidément, la photographie, c’est tout un programme ! Avant, pendant, après le déclenchement… il y a de quoi alimenter une encyclopédie !! ;)

Aaah que Cartier Bresson et son liseré noir me pardonnent… moi, je suis une adepte du recadrage !!

Bon, bon, je comprends cette sorte d’éthique photographique, cette intégrité, cette fidélité au cadrage d’origine qui a, il faut bien l’avouer quelques avantages …

 

LE LISERE NOIR

- Déjà le liseré noir, c’est beau. Enfin c’était. C’était une belle manière de cerner la photographie.
Il avait même presque une valeur symbolique ce liseré, symbolique de la Photographie elle-même, de l’instantané, tout comme ces planches contacts aux informations et perforations apparentes…

Maintenant, le numérique nous prive des imperfections qui marquaient symboliquement nos photographies (fuites de lumière et vignettage en lomographie, liseré noir, aspect aléatoire du tirage argentique). A présent, une image non-recadrée n’a plus vraiment de manière de se distinguer…



- Ensuite, le liseré noir, ça devait être un sacré repos pour l’esprit.
Inutile d’intellectualiser le cadrage par la suite !
Nul besoin de se poser des tas de questions existentielles sur le caractère parasite de tel ou tel élément sur le bord de l’image… On conservait le cadrage d’origine, point barre !

On pouvait avoir des regrets mais, au moins, on ne se posait pas de questions de composition à posteriori.


 

- Pour ce qui est du fameux côté éthique, on assumait son cadrage et on avait intérêt à être sûr de soi dès le départ !

Cela dit, on était sans doute plus vigilant à l’époque sur la qualité de chacune des photos que l’on prenait, pas seulement pour ce fameux liseré noir mais aussi parce qu’on n’en était pas encore arrivé à la mode de shooter en rafales à je ne sais combien d’images secondes sans rien gâcher d’autre que de la place sur notre carte mémoire …

Ainsi, est-ce que cette intégrité du non-recadrage a encore sa place de nos jours, alors que l’on peut faire sans scrupules et sans complexes 50 photos de son sujet (pas besoin de recadrer, il suffit de choisir la bonne dans le lot nous diront sans doute certains !… on est bien loin de l’éthique de base !) ?

 

L’ENJEU DU RECADRAGE

Alors, eh bien moi, je recadre. Pas beaucoup, hein ! Une petite bande par ci, un petit morceau par là.
Toujours en gardant le format homothétique de mon image (je garde mon 10×15 d’origine … un peu de cohérence dans les tailles sacrebleu !!).
Je recadre peu… mais je me rends compte que je recadre presque toujours …

NB : Cliquez sur les images pour les agrandir.

Il faut dire … je suis tellement pointilleuse sur mes cadrages, sur la lisibilité de mes images, que je trouve – presque – toujours une petite bricole qui me dérange l’oeil après coup. Une tâche un peu trop blanche qui attire le regard, une zone de couleur, un morceau de personnage trop peu présent, mais trop présent tout de même…
J’aime la sobriété de l’image, j’aime qu’elle ne contienne que ce qui sert son message, renforce son esthétique. Alors le petit fouillis sur le bord, je l’évite au maximum ! Hop et je m’en débarrasse au post-traitement.

En fait, cet article ne concerne pas le « recadrage sauvage », que l’on pratique quand on n’a pas su trouver le bon cadre du premier coup lors de sa prise de vue (cela arrive mais il faut que cela soit le moins souvent possible !). Il évoque l’importance d’une vigilance accrue aux bords de vos images dont les éléments sont … au moins aussi important que ceux du centre ou des tiers.
C’est fou, parfois, comme couper une petite bande d’un demi-centimètre peut tout changer à une photographie !

En ce qui concerne, en particulier, la photo reportage, il arrive que l’on ait dû déclencher à vitesse grand V en visant à peine, que l’on soit parti rapidos par timidité, que l’on n’ait pas osé trop s’approcher du sujet, tourner autour comme on l’aurait souhaité etc (on le sait que c’est pô bien … mais ça arrive…). On gagne beaucoup, alors, à regarder ses cadrages par la suite avec un regard critique.
Sur un sujet statique, par contre, (paysage, nature morte, graphisme, etc), prenez le temps sur le moment de réfléchir votre cadrage et balayez toujours le bord du cadre des yeux avant de déclencher . Ce qu’il y a dans le coeur de l’image, on le connaît, c’est notre sujet. Mais ce qu’il y a, ou non, sur le côté est tout aussi déterminant pour la qualité de notre image.

Après coup, voilà notre champ d’action : pivoter (rotation), redresser (torsion ou perspective), recadrer.
L’image peut en sortir réellement transformée !

Devrait-on avoir honte de repenser sa composition après coup, de recadrer d’un côté pour que le sujet soit moins centré, de se rendre compte qu’un élément gênant dans un coin gâche un peu l’image ?! Bien sûr que non !
D’autant plus que, comme je le dis dans chaque article relatif au post-traitement, les regrets que l’on a a posteriori (quand on essaie tant bien que mal de sauver certaines de nos photos) servent à l’apprentissage de la prise de vue.

Ne nous contentons pas de nous dire “bah je pourrai corriger tout cela après” ! C’est faux !
Couper une petite bande, c’est assez facile mais si l’on n’est pas suffisamment vigilant, c’est toute la photo qui sera à refaire ! (ce qui n’est évidemment pas possible…)
Il faut bien penser qu’au moment où l’on visionne nos photos avec un peu de recul, on travaille à la prise de conscience de nos défauts de prise de vue… à nous d’apprendre à les corriger.

Ainsi, un recadrage, c’est toujours un cadrage ! Vous ne pouvez plus vous accroupir, reculer, modifier votre angle d’approche, mais il est toujours possible de zoomer un peu et retailler un bord gênant…
Ne nous en privons pas : c’est la qualité de nos photos qui importe et non ce que nous souffle notre orgueil !

 

QUELQUES CONSEILS POUR BIEN RECADRER :

- Il est conseillé (faites ce que je dis, pas ce que je fais…) de recadrer en toute fin du post-traitement. Cela évite de regretter un cadrage une fois que toute la retouche est faite… seulement sur une partie de l’image. Si vous n’êtes pas sûrs de vos recadrages, retouchez d’abord, enregistrez, puis recadrez et créez un autre fichier. Ainsi, il vous sera toujours possible de revenir en arrière.


- Redressez ou faites pivoter avant de recadrer. Vérifier d’abord que votre horizon ne penche pas, que l’immeuble semble vertical, que l’arbre soit à peu près parallèle au bord de la photo. Faites les corrections nécessaires (rotation, torsion) avant de recadrer car ce sont des manipulations qui nécessitent d’avoir « un peu de place autour ». Si vous êtes ric-rac, avec votre cadrage au cheveu près, vous ne pourrez plus redresser sans “perdre un morceau de photo”.

- Soyez vigilants au fur et à mesure que vous rétrécissez votre cadre aux éléments que vous coupez. Eviter, sauf cas particuliers, les lignes tangentes au cadre : laisser un peu de place autour des éléments de l’image ou au contraire, coupez franchement.
Pensez à la fois à la composition globale et aux petits éléments parasites qui se trouvent au bord. L’enjeu consiste à choisir ce que l’on garde dans le cadre, ou non, et à déterminer la manière dont on coupe les éléments qui se trouvent sur le bord.
Quand la composition globale ne vous permet pas de couper certains éléments qui vous gênent, pensez qu’il est également possible de les obscurcir (calque de réglage des niveaux sur une sélection de l’élément) ou de les supprimer (retouche avec le tampon de duplication).

Quand vous avez le choix, faites plutôt en sorte que votre cadre coupe une zone sombre plutôt qu’une zone claire (dans un alignement de maisons, devant une fenêtre par exemple ). Une zone claire permet au regard de s’échapper hors du cadre, tandis qu’une zone sombre ferme mieux l’image.

- Quand on vient de recadrer son image, on est parfois destabilisé, car on “perd” des éléments (on peut parfois avoir une réaction “émotionnelle” en coupant un élément de l’image, même s’il est parasite). 

Si vous êtes désappointé par la nouvelle version qui pourtant vous semblait correspondre à un cadrage raisonné, laisser cela de côté et revenez-y plus tard. La perception que l’on a d’une image change en même temps que sa composition.
N’hésitez pas à faire plusieurs versions de l’image pour pouvoir choisir plus tard, à tête reposée.

Eh bien, à vos appareils photos … et à vos ciseaux … virtuels !
Le recadrage ne fait pas la photo mais vous donne souvent une seconde chance…
Et surtout … il s’agit d’un bien bon moyen de travailler … son cadrage !

 

NB : Vous trouverez peut-être que les photographies présentées sont peu caractéristiques pour un sujet sur le recadrage… J’ai eu du mal, c’est vrai, à trouver des images non retravaillées où les éléments qui justifiaient le recadrage étaient vraiment flagrants… le preuve que je ne cadre pas si mal que ça au départ finalement !!! ;)

Mais, l’objectif de cet article, c’est surtout la vigilance aux petits détails. Ainsi, c’est peut-être une bonne chose que ces photographies correspondent à des illustrations relativement « subtiles » du sujet.
Peut-être mes exemples vous donneront-il l’impression que je pinaille, mais la « propreté » des photographies que vous voyez sur ce site est en partie due à ce côté « perfectionniste du cadrage ».
Ne permet-il pas d’obtenir des images plus sobres, plus apaisantes, plus faciles à regarder ?

Sur une idée de Bernard, du très bon site “Histoire de voir”, je vous propose une réflexion sur le format carré.
En quoi ce format est-il particulier ? Quelles possibilités photographiques offre-t-il ?

 

LE CARRE, UNE FORME GEOMETRIQUE IDEALE

Du point de vue géométrique, on pourrait dire que ce parallélogramme aux propriétés étonnantes frôle la perfection.
Des égalités de longueurs et d’angles à tout bout de champ (à tel point qu’il correspond à la fois à la définition du rectangle et du losange), une régularité pleine de ressources !

Pour ceux qui ont un peu zappé leurs cours de maths de primaire et de collège, je rappelle que le carré est un quadrilatère qui a un angle droit et ses côtés égaux. Cela engendre des diagonales égales et qui se coupent perpendiculairement.
Le carré est un outil géométrique au service de la photo !

Tout d’abord, le carré a cette particularité de convenir parfaitement aux photographies géométriques et d’accepter les compositions centrées. Alors que les images de ce type sont souvent décriées en 24-36 (format rectangulaire), il est fréquent de voir, au format carré des effets de symétrie ou un sujet centré.

Attention ! Cela n’est pas une règle générale ! Mais une image graphique, au format carré peut parfois défier les règles de composition de manière tout à fait réussie. Cependant, je me rends compte que, personnellement, je le fais assez peu : j’ai un fort “penchant” pour les diagonales et les décalages aux tiers ! (j’ai fait quelques images dans cet état d’esprit ce matin, histoire de vous proposer une iconographie vaguement plus exhaustive)

A l’opposé du format rectangulaire qui donne une dynamique en hauteur ou en largeur, le format carré est réputé pour être apaisant et harmonieux.
Le regard a un chemin circulaire ou suivant les lignes de force de l’image, mais s’éloigne peu de son point d’accroche. Il me semble que le carré est plus propice a une vision globale que les autres formats.
Le format ne définit pas un sens de lecture préférentiel.

De plus, le carré permet une mise en ambiance dans deux directions.

Quand le format horizontal nous permet un sujet et un décor sur le côté, et que le format vertical ne permet au décor que de se prolonger vers le haut ou vers le bas, le format carré nous donne de plus amples possibilités de construction et élargit notre champ de vision dans les deux sens (vertical et horizontal).

C’est dans ce format que la règle des tiers prend tout son sens.

Du sujet placé judicieusement, le regard peut prendre deux directions (horizontale ou verticale) sans que le format ne privilégie l’une ou l’autre (seule notre composition influencera sans doute notre lecture d’image !).

Par leur format simple et harmonieux et leur prédisposition aux cadrages épurés, les photographies carrées permettent d’étudier les différentes interactions possibles entre un élément photographié (plutôt géométrique) et le cadre de l’image.

 

POINTS DE REPERES POUR LES COMPOSITIONS GRAPHIQUES

Inscrire le sujet dans notre cadre ? Ou au contraire jouer le décalage, prendre le cadre à contre-pied ?
Faire apparaître notre élément en entier ou le faire surgir en partie dans l’image n’en montrant qu’un côté, une pointe ?
Et pourquoi pas simplement utiliser la ligne de séparation entre notre élément graphique et le reste de l’image pour construire notre photo ?

Pour illustrer ces différentes possibilités graphiques, Je n’ai pas hésité à aller photographier une plaque d’égout sous la pluie, ce matin. (!!)

Element inscrit en entier dans le cadre, parallélisme.

Element en entier dans le cadre, décalage d’angle.

Element en entier dans le cadre, Construction diagonale.

Elément coupé par le cadre, parallélisme.

Elément coupé par 2 côtés du cadre (« en coin »), parallélisme

Elément coupé par le cadre, construction diagonale.

Accroche du sujet dans 2 angles consécutifs.

Accroche du sujet dans l’un des angles du cadre.

Accroche du sujet sur les bords du cadre et non dans les angles.

Il s’agit, d’un exercice, bien entendu, mais essayez donc de comparer ces images avec les “vraies” photographies illustrant cet article, ou avec vos propres photographies au format carré si vous en faites !

Vous vous rendrez compte que ma plaque d’égout modélise la majorité des compositions graphiques possibles !

Ce qui est fondamental pour ce genre de photo, c’est de ne pas faire dans la demie-mesure et d’affirmer ses choix.
Vous souhaitez une symétrie, qu’elle soit parfaite !
Une compo centrée ? Que ce soit réellement le cas !

C’est de cette manière que votre image graphique tiendra vraiment la route !

Bord de l’élément partageant le carré en 2 suivant la diagonale.

Bord de l’élément parallèle au cadre selon la règle des tiers.

Bord de l’élément parallèle au cadre, partageant le carré en 2.

Bord de l’élément parallèle au cadre selon la règle des tiers.

Cette table, ce building, cet escalier, cette fenêtre, comment vais-je les inscrire dans mon cadre et les faire participer à la composition ? Ils peuvent surgir par un angle ou par un côté du carré, ils peuvent s’orienter parallèlement aux bords du cadre ou créer un angle avec celui-ci…
On retrouve la même problématique graphique.

Vais-je utiliser une ligne ou une surface ?
De quelle manière va-t-elle couper le cadre (dans un coin, sur un bord) ?
Quel va être l’angle entre cet élément et les bords du cadre (Angle = 0 ou 90° -> composition en suivant le cadre, en parallèle ; Angle = 45 ° -> composition en diagonale ; Angle = une autre valeur -> composition plus libre) ?

En réalité, tous ces éléments de composition servent également au format 24-36 ! Mais les choses sont moins complexes et plus faciles à caractériser au format carré.

 

PARALLELISME ET DIAGONALES

De manière encore plus prononcée qu’au format rectangulaire, jouer avec les diagonales est très attirant lorsque l’on cadre en carré ! Ne vous en privez pas !
Sans que cela ne devienne systématique, les diagonales permettent des constructions très dynamiques et donnent un fort impact à votre image.

A défaut de véritable diagonale, la ligne qui part d’un coin pour s’achever sur un bord voisin du coin opposé peut être intéressante à travailler également, comme sur deux des photographies ci-dessus.

Cela rend l’utilisation de cette ligne moins systématique, et estompe un peu le côté géométrique tout en conservant une composition forte.

Les diagonales, en photographie, peuvent, bien entendu (Alleeeez ! au diable la rigueur mathématique !!) se déformer pour onduler, s’entortiller …

Elles aiment reprendre leur liberté !

Les formes circulaires s’associent d’ailleurs parfaitement avec le format carré.

L’utilisation des médianes ou des autres lignes parallèles à un bord de l’image engendrent des images plus stables, plus calmes.

Le carré, travaillé de cette manière donne une impression de sérénité par son format équilibré et le parallélisme entre les plans (surtout quand ceux-ci sont horizontaux).

Ce procédé est souvent exploité en photo de paysage où le rendu étagé est donné par la répartition dans l’image de zones “ciel”, “champ”, “chemin”, etc. Les zones parallèles se répondent et créent des effets très intéressants lorsqu’elles sont de couleurs ou de densités variées.

 

INTEGRER L’HUMAIN DANS UNE IMAGE AU FORMAT CARRE

Nous avons évoqué beaucoup de sujets graphiques jusque là : paysages naturels et urbains, éléments géométriques, ce sont les sujets les plus faciles à mettre en valeur au format carré.
Cependant, il ne faut pas croire que réaliser un reportage au format carré et y intégrer des éléments humains n’est pas possible, ou n’est pas souhaitable ! Au contraire !

L’humain peut jouer deux rôles, que l’on peut distinguer.
Parfois, le graphisme du décor est le point de départ de notre composition, les éléments humains viennent s’y intégrer pour créer des points forts.

Dans d’autres cas, l’humain peut lui-même se substituer à un élément géométrique !

Sa verticalité fait qu’il joue souvent le rôle d’élément allongé parallèle au bord. Lorsqu’il est assis, de profil, son corps forme même un angle !

Ainsi, l’humain fait entrer notre regard dans l’image ou le fait buter contre le cadre pour le faire repartir en sens inverse et l’empêcher de s’échapper.
Il peut lui-même servir de structure à notre photographie.

Par contre, une photo carrée a besoin d’une construction géométrique et d’une composition très soignées.
N’ayant de pas de sens de lecture préférentiel, le regard peut facilement se perdre dans l’image s’il n’a pas suffisamment de point de repère.

Ainsi, évitez les photos de groupe, ou de foule à ce format sauf si un des personnages se détache particulièrement.

CADRER AU FORMAT CARRE

Malheureusement, peu d’appareils permettent au photographe de cadrer directement au format carré.
Il y a ce fameux “moyen format” (pellicule 6×6) qui permet, en argentique, de réaliser des photographies carrées, le Polaroïd, qui est en voie de disparition actuellement, Holga, le compact russe très prisé par les amateurs de lomographie…
Mais en numérique, cela est un véritable problème !

J’ai découvert il y a quelques mois que la marque Ricoh commercialisait des compacts numériques permettant le choix du format à la prise de vue : 3/2 comme la plupart des appareils photo réflex (le fameux format carte postale 10×15 de nos appareils argentiques), 4/3 comme la plupart des compacts numériques que l’on trouve sur le marché actuellement, ET 1/1 … le format carré !

Les modèles permettant de cadrer en carré en numérique sont (selon mes informations) le GRDII, le R8 et le GX100 (avec lequel ont été faites de nombreuses photos illustrant cet article, en particulier celles de la désormais célèbre plaque d’égout de mon parking !… il a le double avantage de faire du carré et de pouvoir s’emmener partout !). Le Nikon P6000 a également cette fonction.

Et pourtant, cela change tellement la donne que de cadrer directement au format carré ! C’est la seule manière de pouvoir jouer réellement avec les diagonales, d’exploiter toutes les possibilités de ce format riche en graphisme.
Recadrer nos images est bien sûr possible, même si cela ne permet pas une composition aussi précise. On se rendra compte, souvent, au recadrage, que notre oeil nous a un peu trompé, qu’il manque une petite bande dans le sens de la largeur et la photographies que l’on pensait pouvoir transformer en format carré n’est pas adaptée à 100% à ce format…

L’autre problème vient au tirage ! Bien peu de labos proposent des tirages au format carré. cela nous oblige donc à recouper, et à payer le prix d’un 20×30 pour obtenir une photo au format 20×20 … Même nos papiers photo pour imprimante ne proposent pas ce format, ce qui engendre également une chute, une perte. (pas très écologique tout ça !)

Peut-on espérer que, dans l’avenir, le format carré se développe ?
Moi qui trouve nos téléviseurs dramatiquement allongés horizontalement et m’étonne que personne n’ait encore pensé à proposer des vidéos au format vertical … j’ai bien peur que cela ne soit pas pour tout de suite.

Ceci est vraiment dommage car cadrer avec un appareil qui fait des photographies carrées est une vraie initiation à la composition. Quelle richesse de pouvoir regarder les choses autrement avec cette géométrie qui surgit dans l’image au moment où on s’y attend le moins et nous mène vers l’abstraction et la composition graphique !

D’ailleurs je connais quelqu’un qui ne fait pas beaucoup de photographie mais qui, une fois mon GX100 réglé au format carré en main, ne s’arrête plus de s’émerveiller de ce qu’il voit sur le petit écran et ne lâche l’appareil qu’après de longues supplications de ma part !
Le carré a une magie qui faut apprivoiser puis laisser s’échapper…

NB : Peut-être aurez-vous envie retourner voir la série sur les feuilles mortes, les photographies du jugement du concours ferroviaire, ou certaines autres images au format carré pour y déceler de nouvelles choses ?

NB2 : Merci à mon parking et à cette plaque d’égout si disponible et patiente. Ce fut un plaisir (malgré la pluie)!