J’ai le grand plaisir d’accueillir aujourd’hui sur « Au Présent du Subjectif », Alain Etchepare, photographe créateur d’ambiances en noir et blanc de haute voltige !

Entrons dans le vif du sujet directement en images avec cette sélection de quatre photos très évocatrices, je trouve, des quatre éléments. Elles me semblent une bonne entrée en matière dans le style d’Alain, qui a une manière toute particulière de sublimer la nature en exploitant, en particulier, la matière.

Les images d’Alain Etchepare se caractérisent par des choix esthétiques très forts sur des sujets plutôt simples. Format carré, noir et blanc, traitement contrasté, poses lentes, parfois, ou gros plans… j’ai demandé à Alain de revenir sur cette démarche photographique qui nous emmène bien bien loin de la carte postale… Rencontre.

Le risque, quand on photographie des lieux, c’est de faire de la carte postale. Qu’est-ce qui fait que tes images ont l’air aux antipodes de la photo touristique ? Le carré, le monochrome… et puis ?…

Généralement, la photo de « carte postale » se doit d’être fidèle à ce qu’elle représente. Elle tente de provoquer le désir de découverte, de représenter un lieu, de partager un souvenir ou une certaine beauté.
En ce qui me concerne, je ne réponds à aucune de ces motivations. Souvent, le lieu où je me trouve n’a absolument aucune incidence sur ce que vais y photographier, et ce que je vais y photographier pourrait se situer n’importe où.
Ou alors, si le lieu est important à mes yeux, c’est par ce qu’il représente à travers l’imaginaire de chacun et non par ce qu’il est uniquement en apparence.
Et puis, tout simplement, le noir et blanc permet très facilement de se détacher du réalisme habituel à l’image de carte postale.

Tes images sont expressives, elles ont de vraies ambiances. Quels types de sujets sont, selon toi, les plus propices aux ambiances ?

Je crois que tous les sujets sont propices aux ambiances, mais nous n’avons pas forcément la sensibilité nécessaire pour interpréter, créer ou reproduire n’importe lequel.
Pour ma part, les sujets où il y a un rapport au temps, passé ou à venir, sont ceux qui m’interpellent le plus.
Je me suis également intéressé aux grands espaces d’eau qui permettent facilement de recréer de fortes ambiances, oniriques ou poétiques, mais je m’en détache de plus en plus aujourd’hui car je ne m’y retrouve plus, j’ai besoin de matériaux plus proches de l’humain que les simples éléments naturels.

Que recherches-tu particulièrement lors de tes balades photographiques ?

Il y a les images que je fais sans aucune préméditation, lors de balades, voyages, ou simplement avec le désir de sortir faire des images.
Il y a une grande part de spontanéité dans ces images là et il n’est pas rare que je soit incapable de « revoir » ce que j’avais « vu » en revenant sur un lieu photographié. Je me laisse complètement aller à une sorte de contemplation « active », ce que je vois est alors très influencé par mon humeur.

Et puis il y a les sujets que j’ai envie de travailler à plus ou moins long terme.

Dans ce cas, toutes mes sorties sont préparées, en me documentant si nécessaire, en repérant les lieux quand c’est possible pour chercher le meilleur cadrage et trouver le meilleur moment, et en essayant d’anticiper les meilleures conditions météo possibles.
Dans ce cas là, ma manière d’observer ce qui m’entoure est très différente, la notion de sujet prend le dessus et toutes les prises de vues doivent le servir, il n’y a presque plus de spontanéité.

Quels sont tes trucs de prise de vue pour créer de telles ambiances ? Comment utilises-tu ton oeil et ton appareil pour faire ces images ?

Je cherche plus naturellement des conditions météo assez éloignées de la belle journée d’été, mes images étant souvent mélancoliques, voir dramatiques. La pluie va donner une texture très particulière à des choses habituellement ternes.
Les mouvements naturels de l’eau ou générés par le vent favorisent aussi les ambiances, on peut en jouer avec des temps de pose plus ou moins longs.
Je cherche ensuite à faire des compositions qui vont favoriser la narration. Il ne faut pas avoir peur d’oublier les règles habituelles de cadrage. L’important n’est plus le graphisme mais la communication entre les éléments qui composent l’image, c’est ce qui doit « guider » l’imagination du spectateur.

Tu photographies au format carré. Pourquoi cette préférence pour ce format ? As-tu un matériel qui te permet de cadrer directement en carré ? Lequel ?

J’ai en effet une forte préférence pour le carré car, outre le fait que c’est un format avec lequel je suis très à l’aise, il permet de mieux concentrer le regard du spectateur et l’aide à laisser aller son imaginaire. Cela dit, si j’estime qu’une composition passe mieux dans un autre format je n’hésite pas à déroger à cette règle.
Actuellement, j’utilise principalement un Holga et un mamiya 6 MF, bien que pour certains de mes projets j’utilise une chambre 4×5 en sténopé, ou encore un Canon 5D pour le numérique. J’ai donc beaucoup plus d’affinités avec l’argentique qui correspond beaucoup mieux à ma démarche photographique.
Le seul appareil qui me suit partout est le Holga, j’affectionne particulièrement ce « jouet » car c’est celui qui me permet le plus facilement de retranscrire les choses que je vois et qui me touchent. Le fait de se libérer des possibilités techniques du matériel aide à aborder le sujet avec beaucoup plus de spontanéité, de sincérité et de naturel.

Et la retouche ? Est-ce une étape technique, créative ? Comment fais-tu pour accentuer l’atmosphère de tes clichés ?

Oui, c’est une étape créative, et on n’a pas attendu le numérique pour ça, contrairement à ce que laisseraient entendre certains spécialistes de la polémique. ça s’est toujours fait, surtout en noir et blanc.

Pour ma part, le travail de retouche se limite à travailler la tonalité et le contraste de mes images jusqu’à obtenir ce que j’imaginais à la prise de vue, et quelquefois une amélioration ponctuelle de la répartition de la lumière, souvent pour donner plus de profondeur à l’image.
Généralement, cela passe par l’accentuation des textures, l’assombrissement d’un ciel, l’éclaircissement d’une partie à mettre en évidence.

Je m’interdis toute autre type de retouche, comme la suppression d’éléments indésirables, non pas par éthique mais simplement car je ne trouverais plus mon compte dans le processus photographique. C’est pour la même raison que je reviens aujourd’hui vers la chambre noire que j’avais délaissée faute de temps, je ressens à nouveau le besoin « physique » d’intervenir tout au long du processus.

Tes images sont sans humain. Es-tu fâché avec tes congénères ?! Comment fais-tu pour réaliser des images sans présence humaine mais qui ne semblent pas vides ?

Même si on peut me qualifier de quelqu’un plutôt solitaire, je ne suis pas du tout fâché avec mes congénères (enfin pas avec tous… sourire).
Mes images ont toujours un rapport à l’humain, et si il n’y est pas directement visible il y est toujours évoqué, soit par les traces qu’il a laissé, soit par mon regard, qui me positionne comme un acteur de l’image et non comme un spectateur.
Dans ce domaine on trouve des avis très différents, certaines personnes n’arrivent pas à voir le moindre soupçon de vie dans mes images, d’autres ressentent fortement son évocation.

Je crois que, pour certains, il est difficile de simplement concevoir la photographie sans représentation humaine directe, alors que c’est parfaitement assimilé dans d’autres pratiques artistiques.
Comme si une image n’était qu’un objet documentaire dans lequel on s’interdit de rentrer. C’est un peu dommage…

J’ai des projets à venir ou l’humain sera directement représenté, mais ce sont des séries qui méritent encore plus de réflexion avant de passer à l’acte…

Quels conseils donnerais-tu à quelqu’un qui souhaiterais saisir à sa manière des ambiances en noir et blanc ?

La première chose pour moi est de vraiment laisser aller son imagination là où elle veut aller, se laisser guider par ses sensations, c’est vraiment le plus important.
Puis apprendre à voir en noir et blanc, comprendre comment les couleurs seront interprétées, cela peut prendre du temps mais c’est un vrai gros atout. Et je pense qu’il est très important de rapidement apprendre à se projeter dès la prise de vue sur ce qu’il va être possible de faire ressentir avec son image, de visualiser le rendu final à donner à la scène.

Pour finir, pourrais-tu choisir trois de tes images et nous raconter comment tu les as faites, comment as-tu trouvé et interprété le sujet, pourquoi tu as réalisé tel cadrage ou telle retouche ?

Comme je le disais plus haut, quand je travaille sur une série, ma priorité est que chaque image serve cette série pour donner une ambiance globale, il n’est alors pas impératif que toutes les images fonctionnent toute seules. Mais il est quand même nécessaire d’en avoir quelques unes pour que la série ne semble pas trop « plate ».

Pour cette image issue de la « La grande ville », cela va encore au-delà, car j’avais une idée bien précise de l’image maîtresse que je souhaitais pour présenter ce travail. J’avais besoin de trouver un endroit ou je puisse faire ressentir une certaine oppression, une fracture entre le spectateur et une vision symbolique de la ville dans ce qu’elle peut avoir de plus austère.
Je cherchais donc une espèce de totem inquiétant et inaccessible, un bâtiment isolé posé sur un piédestal. Il n’est pas si facile que ça de trouver des bâtiments vraiment isolés, et, quand on en trouve un, il faut encore très sérieusement fouiller le quartier avant de tomber sur un angle qui corresponde à l’ambiance à donner.
J’avais repéré ce bâtiment, qui est un hôpital en plein centre ville d’Ankara en Turquie, mais j’ai mis pas mal de temps avant de trouver l’angle idéal, il a fallu que j’entre dans l’enceinte d’une université et que je tombe sur un amphithéâtre de plein air qui donnait sous l’hôpital. Une fois repéré, j’y suis revenu deux autres fois pour trouver la lumière qui me plaisait, soit, comme souvent, un jour sombre et pluvieux. Pas grand chose à dire techniquement, la vue étant faite au holga, j’ai ensuite juste renforcé le vignetage naturel de cet appareil.

Cette image, prise dans ma ville natale, m’a demandé beaucoup de patience. Je connaissais cette composition depuis très longtemps car je l’avais déjà faite, en couleurs, et dans une optique professionnelle d’illustration sur la ville de Biarritz.
Quand j’ai commencé en 2006 à travailler sur une vision beaucoup plus personnelle de la ville (alors que je la quittais pour vivre ailleurs…), j’avais une idée bien précise de l’ambiance à donner à cet endroit.
Je savais que la lumière matinale ne collait pas, trop terne à cet endroit situé à l’ouest, et la lumière du couchant était la plupart du temps trop violente pour donner la douceur (mais pas trop) que je souhaitais. J’y suis donc passé de nombreuses fois avec des conditions météo différentes, jusqu’à un soir où le soleil près du couchant laissait passer une lumière filtrée par la pluie et où les nuages qui n’encombraient pas trop l’horizon.
La lumière était parfaite, je connaissais l’angle de vue idéal, techniquement je voulais une pose longue afin de donner une ambiance onirique à la scène, ne restait plus qu’à poser le trépied d’une main, l’autre tenant le parapluie. La pose longue à un autre intérêt quand on photographie de la pierre, c’est que l’on sublime sa texture, et, couplé à cette lumière et à la pluie, le rendu est vraiment superbe.

Avec cette image du château d’Aguilar, on peut parler d’une très bonne surprise.
Quand je me suis rendu dans cette région pour travailler sur la mémoire cathare, je n’avais qu’une dizaine de jours devant moi. Je souhaitais une météo la plus nuageuse possible et j’avais plus que jamais besoin d’ambiance dramatique à donner à mes images. Globalement j’ai eu beaucoup de chance car je n’ai que très peu vu le soleil…
Le jour où j’ai pris cette image, j’étais par contre persuadé que la lumière serait mauvaise toute la journée, soleil voilé et grandes éclaircies. Je me décidais tout de même à partir en repérage.
De retour au parking après être monté à pied et avoir fait le tour de ces belles ruines, un début d’éclaircie a laissé apparaître au dessus du château des volutes nuageuses fantomatiques. Je me suis alors dépêché de trouver un angle de vue intéressant en me rendant dans des vignes proches. M’est alors venue l’idée d’utiliser l’aspect brulé des ceps de vigne en hiver, qui, couplé avec les ruines du château et ce fantôme de fumée, résumait parfaitement ce qu’a été le drame Cathare. La prise de vue au ras du sol et un fort contraste ont fini de donner la dimension souhaitée à l’image.

Vraiment un grand merci à Alain Etchepare de s’être prêté au jeu de l’interview et de nous avoir fait partager les coulisses de ses prises de vue.
N’hésitez pas à visiter son site internet pour vous nourrir encore davantage de ses images !

Toutes les images sont bien entendu (c) Alain Etchepare.

Connaissez-vous Philippe Ramette, ce photographe de l’extrême, cet aventurier de l’image qui défie la gravité ?

Les photographies de Philippe Ramette nous transportent dans un univers de vertige, régi par des lois bien différentes des nôtres. Son personnage, qu’il incarne lui-même, tente de faire bonne figure dans son éternel costume sombre, mais il n’y échappe pas : Philippe Ramette risque la chute à chaque image. Il lui arrive parfois même d’être emporté hors du cadre par une gravité qu’il a lui-même créée…

Ainsi, en passant aujourd’hui devant le centre d’art contemporain de Quimper qui présente, en façade, l’une de ses images en grand format, j’ai souhaité rendre hommage à ce photographe à la créativité débordante.
Et si, pour une fois, le personnage de Philippe Ramette, toujours en danger, en porte-à-faux, en équilibre, se voyait donner le rôle d’un super-héros ?!

C’est avec grand plaisir et pas mal de fierté, je dois bien l’avouer, que je vous propose aujourd’hui une nouvelle « rencontre ». Nous avons aujourd’hui RDV avec le photographe Patrick Taberna.

Sans nous la jouer « curiculum vitae », il est important de souligner qu’entre autres distinctions, Patrick Taberna a remporté le prestigieux prix HSBC pour la photographie avec sa série « Au fil des jours » et est représenté par la galerie Camera Obscura, aux côté de Sarah Moon, Michael Kenna, Bernard Plossu et Marc Riboud entre autres.

Patrick Taberna a un style très particulier de cadrage et de gestions des ambiances. Le flou est très présent dans ses images, qu’il soit de mouvement ou de profondeur de champ. L’humain est souvent montré de manière parcellaire, ce qui crée une atmosphère assez mystérieuse et donne l’impression de visions de détails, en plans larges.
Bien qu’il réalise une grande partie de ses images durant ses déplacements en famille, elles ne ressemblent pas aux nôtres, prises dans les mêmes conditions. Ses photographies semblent exprimer des sentiments assez forts et cacher quelques sous-entendus. L’enfance y tient une grande place sans pour autant que l’on y trouve de la naïveté.
Carrées, en couleur mais souvent en demi-teintes, aux atmosphères marquées, émotives, les images de Patrick Taberna ont quelque chose d’impalpable qui ne laisse pas indifférent.

Ma façon de travailler est simple. Un billet aller/retour pour moi et mes proches vers une destination plus ou moins lointaine, une bonne provision de bobines couleur 120 et mon Lubitel.
Ensuite, je me laisse porter, les yeux grands ouverts sur ce qui se passe autour de moi. Un objet, une attitude, un paysage, qu’importe. Je m’imagine des histoires dont je tente de capter quelques bribes en images. Les jours sombres durant lesquels je n’ai aucune imagination, pas d’images.
Sur le plan technique, aucun souci, je ne m’interdis rien. Pas assez de lumière, un cadrage aléatoire, en marchant, en roulant, j’amasse mes photographies.
Mon moteur : ma capacité à me raconter des histoires tout en regardant le dépoli. Mon regard s’attache à des objets, des paysages, un geste, une attitude sur le vif ou mise en scène. »

« Sur la nouvelle série que je suis en train d’élaborer, j’ai pris des images pendant 6 ans.

De ces 6 années, j’ai fait une première sélection de 400 images, que j’ai ramenée à 100 puis aux alentours de 50. Il faut éliminer jusqu’à atteindre le coeur.
Les tirages sont en cours, ils détermineront l’appartenance ou non de chaque photographie à la série.
Quand j’ai une image qui marche unitairement, elle peut ne pas s’intégrer à la série.

C’est une alchimie subtile car les images doivent se répondre les unes les autres et former un ensemble cohérent.
Mon processus de création est long car soumis à la réflexion et ouvert aux discussions; j’essaie toujours d’éviter la précipitation.

En fin de semaine dernière, l’un des derniers photographes humanistes, Willy Ronis, nous a quittés.
Dans la lignée de Robert Doisneau, Edouard Boubat, Henri Cartier-Bresson… Willy Ronis photographiait son temps.
Il photographiait les gens selon une tradition purement française.

Bien sûr, ses photographies ont un intérêt documentaire autant qu’artistique. L’époque a changé, et la photographie humaniste est derrière nous, même si photographier l’humain reste, évidemment, d’actualité.
Mais en visionnant à nouveau ces images, je me suis demandé quels enseignements nous pouvions en tirer pour notre propre approche de la photographie. Que peut-on apprendre ou se remémorer des photographies de Willy Ronis que l’on puisse utiliser aujourd’hui dans notre propre pratique ?

Rien de bien révolutionnaire, mais une bonne occasion de visionner les images d’un grand photographe tout en parlant photographie.
Voici quelques pistes de réflexion.

PHOTOGRAPHIER SON TEMPS

Qui n’a pas regardé ce genre d’images avec nostalgie et envie ? « Aaah, si j’avais vécu à cette époque, j’aurais pu faire cette photographie ! » « Quelle chance d’avoir de tels sujets sous les yeux ! Le monde n’est plus ce qu’il était, et la photo non plus !… ».

Selon le principe selon lequel, bien sûr, « c’était mieux avant », « c’était le bon temps », nous négligeons souvent le potentiel photographique de ce qui nous entoure, au présent.

Le décor est peut-être plus chargé, la ville encombrée de voitures et les gens devenus plus méfiants, mais ce n’est que notre manque de recul qui nous empêche, souvent, de déceler le charme de notre décor quotidien.
Ainsi, les gosses, leurs cartables Superman et Hello Kitty sur le dos ont-ils vraiment moins de charme que les gamins en tablier des clichés ? Les publicités Aubade, les cannettes de Coca doivent-elles être considérés comme des parasites dans notre espace, quand nous regrettons les affiches et inscriptions d’époque ?

Loin de céder à la nostalgie devant ces images d’autrefois, j’y vois surtout d’inestimables idées de sujets photographiques ! Pourquoi ne pas remettre au goût du jour certaines de ces images ? Et si nous nous demandions quelle serait leur version actuelle ?
Cela ressemble fort à une lapalissade, et pourtant, n’est-il pas utile de nous rappeler que, quelque soit l’époque, il est passionnant de photographier son temps ?!

RECHERCHER L’INTEMPOREL

Cependant, l’attrait de photographies telles que celles de Willy Ronis n’est pas dû uniquement à leur ancrage temporel. Si certaines de ses photographies sont à l’image de leur époque, d’autres, au contraire semblent traverser le temps sans – presque – prendre une ride.

En choisissant soigneusement les éléments à disposer dans notre cadre, nous pouvons, nous aussi, créer une image qui parlera à plusieurs générations et ramènera chaque personne qui la découvrira à son propre vécu…
Un sacré challenge !

ÊTRE RECEPTIF A LA LUMIERE

Là encore, ce n’est pas une grand nouveauté !
La lumière est souvent ce qui donne la force d’une photographie en noir et blanc.
Il est essentiel de savoir se laisser guider par un rayon de lumière qui « met sous projecteur » quelqu’un ou quelque chose, tranforme une scène assez banale entre un hommage à Rubens, crée une ombre, souligne les traits d’un visage d’ombre ou de lumière…

Les photographies de Willy Ronis que j’ai mises de côté pour illustrer ce travail de la lumière sont toutes… prises en contre-jour.

Ainsi, utiliser la lumière à bon escient ne veut pas dire inonder son studio de lampes et de parapluies, se déshydrater en plein soleil, ou se placer de manière à ce que la scène soit « bien éclairée » (selon un critère de quantité).
C’est souvent lorsque la lumière est très localisée, en quantité réduite, renforcée par le positionnement du photographe que les images obtenues sont les plus fortes et les plus esthétiques.

COMPOSER SELON DES CONTRASTES DE DENSITE

En noir et blanc, il est fondamental de penser le plus possible à la manière dont les éléments vont se détacher les uns des autres.
Blanc sur noir, noir sur blanc, foncé sur clair et clair sur foncé… c’est ainsi que se composent les bonnes photographies monochromes !
Une silhouette sur le sol clair, un arbre enneigé devant un mur sombre… la lisibilité accrue d’une image de ce style lui donne un impact incomparable.

Et cette idée est loin d’être superflue en photographie couleurs ! Couleur vive sur un fond sombre, opposition de couleurs… on retrouve cette notion de contraste, que ce soit en couleurs ou en noir et blanc.

Le travail tout en silhouettes de ces deux photos illustre bien cette recherche de lisibilité, de contraste.

UTILISER LE DECOR COMME ANCRAGE POUR L’IMAGE

Le terme « photographie humaniste » nous pousse à nous focaliser sur l’humain. On en oublie parfois ce qui y a autour ! Cela nous conduit souvent à négliger l’importance du décor et de la composition.

Placer le personnage dans un cadre … cadre de vie, cadre photographique… cela correspond à une recherche de sens et d’esthétique.
Ainsi, le décor permet de situer la scène, de la replacer dans un contexte géographique et historique, de raconter une histoire grâce à l’interaction entre les protagonistes et le lieu qu’ils habitent.
Mais le rôle du décor consiste également à organiser le cadre, donner une structure à l’image. Au niveau composition, l’image est plus riche lorsqu’elle présente l’interaction entre l’humain et son décor.

Je me suis progressivement rendue compte que les images dont on est le plus fier sont souvent celles qui présentent un personnage et le cadre dans lequel il se trouve. Ces images, souvent prises au grand angle, sont les plus difficile à composer, sans doute, et mettent en relation de nombreux éléments entre eux. Trop chargée ou mal organisée, l’image devient chaos… Mais maîtrisée, cette discipline est vraiment riche en satisfaction !

Ainsi, malgré le temps qui passe et la valse des époques, malgré nos nouvelles technologies et notre société de consommation, la photographie peut s’adapter, se nourrir de son passé tout en se tournant vers l’avenir.

Ces images de Willy Ronis sont riches en enseignement. Elles cristalisent ce qui fait la photo à la française, l’une des périodes les plus marquantes de l’Histoire de notre photographie.

La photographie humaniste est donc un ancrage sûr et puissant pour nos images… sachons en être digne et lui rendre hommage sans la caricaturer ni en rester prisonnier !

Il est souhaitable que nos images portent les marques de cette filiation, tout en évoluant vers une photographie plus contemporaine, une photographie en phase avec son temps.

La photographie de presse m’a toujours laissé sur mes gardes. La suprématie du sujet, un esthétisme parfois douteux, négligé au profit de l’information … voilà un peu la manière dont je considérais les choses…
Et peu à peu j’ai compris que, comme dans toutes les disciplines, et comme dans les autres branches de la photographie, il y a des bons, des très bons et des beaucoup moins bons !
Et il est vrai que le foisonnement d’images que nous subissons chaque jour ne laisse que peu de place, en proportion, à la très bonne photo de presse.
Et pourtant, il y en a bien sûr !

Rencontre avec l’un de ses représentants passionnés : Florian Launette.

Reportages en milieux extrêmes à l’autre bout du monde, ou matchs de l’OM… portraits de people ou photographie de guerre ou de catastrophes, Florian Launette étonne par l’eclectisme de ses sujets et la diversité de ses approches.
Maniant le noir et blanc aussi bien que la couleur, mettant en valeur l’humain sans jamais oublier le décor, ce photoreporter travaillant, entre autres, à La Provence a plus d’un tour dans son sac photo !

Distillant d’assez rares mais précieuses chroniques sur son blog « Cadre/HorsCadre », il accompagne ses images de mots puissants et évocateurs.
Plus qu’une photographie … une philosophie !

La photographie est-elle, pour vous, davantage un outil de témoignage, une discipline esthétique ou un moyen d’expression ?
 
Elle forme un tout indissociable. Elle est unité, indivisible.
Elle offre à celle ou à celui qui la pratique la chance unique de toucher au sublime, au terrible, à l’infiniment grand ou à l’infiniment petit, au divin.
Elle crée ce que j’appelle « de brefs instants d’éternité. »

Alors, oui, la photographie peut être un mode d’expression esthétique dont la pleine mesure est révélée par son  auteur, témoin forcément privilégié de cette métamorphose de la lumière et de la vie qui la reflète en image sur une surface sensible ou numérique.

En photographie de presse, préférez-vous traiter l’ambiance ou l’événement ?
 
Une fois encore les deux. Je ne peux pas séparer ce qui, dans mes yeux, forment un tout.
Photographier c’est vivre les yeux grands ouverts…
Et il suffit de voir pour que la beauté existe et que notre univers apparaisse dans toute sa clarté.

Chaque événement, quelle que soit son importance se vit, se comprend, se ressent à travers les ambiances que l’on doit transmettre.
C’est le rôle essentiel du reporter de presse. Aider à mieux comprendre, à mieux sentir, à mieux voir chaque moment grave ou non du monde qui nous entoure.

Sur votre site, vous rédigez toujours un texte pour accompagner vos photos, souvent fort et évocateur : est-ce que la photo ne peut se passer de mots ?

Qu’apporte le texte que ne peut exprimer l’image ?
Et inversement, qu’apporte l’image que ne peut exprimer le texte ?
 
La photo peut, c’est entendu, très bien se passer de texte et inversement.

Je pense simplement que les deux combinés donnent une idée, une force, une émotion, un ressenti si puissant qu’ils peuvent bousculer nos horizons, les élargir, les déchirer.
J’aime l’idée que la photographie et les mots peuvent créer un monde sensoriel bouleversant par une habile combinaison de fluctuations électriques déclenchées par des impressions.

Descartes distingue trois ordres ou réalités : la chose telle qu’elle se donne dans la perception, cette même chose telle qu’elle est en elle-même et telle qu’elle affecte les organes sensoriels de mon corps, et enfin la «  vraie image  » de la chose, que seule, je pense, la photographie peut fournir.

Bref, si nos appareils photos peuvent être des machines anamorphiques il se pourrait que la pièce maîtresse de cette fabuleuse machine soit le langage écrit tout simplement.
J’aime cette idée/image.

Quelle est votre manière de saisir l’instant décisif ? Vos astuces pour être là au bon moment, pour faire la bonne image ?
 
Etre là, simplement.

Vous dites « il y a seize ans, j’entrais en photographie » …

Comment imaginez-vous la photographie dans 20 ans ? 
 
La photographie est l’essence même de ma vie.
Elle fait battre mon cœur, circule puissamment dans mes veines, électrise mon corps, donne un sens à ce que je suis.

Sans elle, c’est l’obscurité, les ténèbres. Elle inspire chacun de mes actes.
J’aime.
 
Imaginer la photographie dans 20 ans ?
Impossible de mesurer cet infini qui nous sépare, alors…
Passe temps.

Merci beaucoup à Florian Launette, Adjoint au Chef du Service Photo du Journal La Provence, pour ses réponses passionnées et passionantes à mes questions, qu’il a qualifiées de « pertinentes, percutantes, déroutantes… »

Toutes les images sont bien entendu (c) Florian Launette.

Une proximité avec l’humain, la femme, un rendu caractéristique, une dominante particulière, une vibration photographique … l’univers tellement personnel et reconnaissable de Sarah Moon m’intrigue et m’attire.

Entre rêve et réalité, entre persistance du souvenir et temps qui passe, ses images sont des émotions retranscrites sur le papier, des ambiances captées sans en perdre l’essence…

Ressentir ces photographies plus que les regarder, voilà ce qui m’a semblé être la meilleure manière d’aborder le travail de Sarah Moon.

A l’occasion de son exposition rétrospective à la Galerie Camera Obscura, j’ai souhaité réaliser cet hommage … en images.
J’ai tenté de m’imprégner des photographies pour que ces cimaises, aux images emblématiques, semblent distiller leur atmosphère, échanger avec les visiteurs, agir sur eux, parfois, jusqu’à les faire devenir partie prenante de cet univers créé par Sarah Moon …

Je ne me risquerai pas à vous présenter Sarah Moon !
Tant d’autres l’ont fait avec brio…, tant qu’elle est devenue, presque, incontournable.
Et puis, regarder, s’imprégner de ses photographies, il me semble que c’est ce qui permet le mieux de s’en approcher…

C’est pour cette raison que j’ai eu envie de me déplacer à la Galerie Camera Obscura, jeudi dernier, pour voir enfin ses images « en vrai », les tirages eux-même, dans le cadre irremplaçable d’une exposition.
Cela m’a permis également de croiser l’artiste, présente ce soir là pour accueillir les inconditionnels de son travail photographique.
(Merci à Catherine de Parismages grâce à qui j’ai appris la présence de Sarah Moon ce jour-là à la Galerie Camera Obscura !)

Sarah Moon m’a donné la même impression que ses images : pas si difficile d’accès que l’on pourrait le croire, intrigante et authentique…

Sarah Moon a accueilli ses nombreux visiteurs avec un sourire franc et infatigable, avec un petit mot, une attention pour chacun. Ainsi, l’aspect profondément humain de ses images n’est pas qu’une rhétorique photographique ! On sent que, sans doute, c’est ce sens chaleureux du contact qui lui a permis de réaliser ces portraits troublants.

Dédicaçant les livres du coffret qui vient de sortir en complément de l’exposition, intitulé « 1 2 3 4 5« , Sarah Moon appose aussi un tampon. Impression imprécise d’un oiseau ou d’un autre élément poétique, ajout d’une marque unique pour agrémenter l’oeuvre, l’artiste fait à sa manière ce qui aurait pu n’être qu’une impersonnelle séance de dédicaces…

L’exposition elle-même m’a beaucoup plu.
Une quantité importante de photographies permettant de se faire une idée de l’Oeuvre, des différentes tendances de Sarah Moon, et surtout, de cette incroyable cohérence de rendu, d’atmosphère.

Une disposition dense mais tout de même claire, un lieu sobre et agréable …

J’ai aussi apprécié, tout simplement, le choix des cadres. Fait d’une sorte de métal brut dont on pouvait toujours sentir les irrégularités de matière, sans que cela ne perturbe la lecture de l’image, cet encadrement m’a semblé être fait pour les photographies.

Cette exposition ne m’a pas donné l’impression de regarder des photographies, mais d’entrer dans un univers.

Le flou, un tremblement émotionnel, les cadrages qui laissent une bonne place au hors champ, à la suggestion, une ambiance plutôt sombre, altérée chimiquement, des femmes, des oiseaux, un contraste fort, une émotion toujours sous-jacente, telles sont les composantes de cet univers, dont nous faisions partie, semblait-il, jeudi.

Oserais-je ajouter que je vous conseille fortement, si ce n’est pas déjà fait, de courir à la Galerie Camera Obscura (268 boulevard Raspail, Paris) d’ici le 6 décembre ?! Une aventure passionnante, hors du temps, vous y attend !

Remarque préalable :
N’hésitez pas à agrandir les photos en cliquant, afin de mieux découvrir ou redécouvrir les photographies d’Aby.

Aby est une illustratrice, graphiste, photographe freelance, de talent.
Elle a gentiment accepté d’être la première interviewée de ma rubrique « rencontres », et de nous parler de son approche photographique, de sa manière de travailler, de créer.

La photographie est-elle, pour toi, davantage un outil de témoignage, une discipline esthétique ou un moyen d’expression ?

Je pense que c’est un peu tout ça à la fois.
Ne pas oublier les bons moments, figer les choses sentimentales, témoignages de vie.

J’aime aussi prendre des photos pour capturer une certaine esthétique, enfin, ma notion d’esthétisme est toute relative.
Mes sujets sont très souvent des choses que la plupart de gens n’aime pas forcément (les insectes, fleurs fanées, squelette d’animaux, cimetières, fils barbelés…)
Bien sur je photographie aussi des choses gaies, mais ça me touche moins et je prends moins de plaisir au post-traitement (mis à part les choses personnelles et intimes bien sur).

Ce moyen d’expression me permet de créer une ambiance particulière autour d’un sujet parfois sans aucune importance, dont on a pas l’idée qu’il aurait pu être intéressant à shooter.
Les cheveux au fond de la douche, un morceau de rideau, un jouet, un caillou…etc.

J’aime bien les choses décalées, surprenantes, les cadrages bizarres…
Bref! que mon travail étonne plus qu’il ne plait.

Tes images sont-elles plus souvent pensées en amont, créées au moment du déclenchement, ou révélées au post-traitement ?

Tout se passe très souvent au moment du déclenchement.
Je vois la photo au moment où j’appuie sur le bouton et je sais pratiquement déjà ce que je vais en faire.

Quel est ton premier souvenir d’image créative ?
La première fois que tu as eu l’impression d’aller au delà du sujet ?

Je n’ai pas souvenir d’une image précisément.
Le jour où l’apn a fait son apparition chez nous, lorsque j’étais enceinte en 2004, c’est à partir de ce moment que j’ai commencé à regarder les choses autour de moi d’une manière différente, avec un oeil plus aiguisé et surtout une envie de figer certains instants.
Ce fût aussi un outil créatif qui prenait de relais dans mon travail artistique.
Je sentais une forme de stagnation dans mon travail de dessin et de peinture et du coup une nouvelle porte s’ouvrait, de nouvelles possibilités graphiques s’offraient à moi.

Depuis, je ne décroche plus!

L’univers assez sombre qui se dégage souvent de tes images correspond-il à un choix esthétique ou à ton état d’âme du moment ?

Je ne suis pas une personne triste ou mélancolique, ce qui peut paraitre surprenant vu mes images ;)

Mon travail ne reflète pas du tout mes états d’âme mais plutôt mes goûts artistiques.
J’aime le cinéma en costume, la littérature romantique, le préraphaélisme, le gothique, l’histoire du costume, la mode, les cabinets de curiosités, les reliquaires, les vieilles pierres…etc.

Je suis sensible à tous ces univers un peu sombres et mélancoliques mais ma vie et mon caractère n’en sont pas imprégnés…heureusement!

Qu’apporte le travail en diptyque ?

J’aime associer 2 images pour raconter une histoire, créer un cheminement comme dans la série « aruj » par exemple ou dans celle réalisée avec lili « Thaon ou l’histoire de la princesse Lili ».
Réunir 2 images peut avoir un intérêt graphique également, simplement pour l’esthétisme, pour l’association de couleurs ou de formes.
Dans ce cas là les sujets importent peu et peuvent être même en parfait décalage pour surprendre l’observateur.

Le diptyque apporte une forme de narration mais j’essaye de ne pas en abuser.

En quoi être graphiste influe-t-il sur ton travail photographique … et vice versa ?!

Peut-être que je n’observe pas choses de la même manière?
Quand j’observe un sujet quelconque je vois tout de suite le cadrage (je recadre rarement mes photos) comme pour un tableau ou un dessin.

Et puis c’est le jeu des couleurs et des formes qui me motive à déclencher…comme si je voyais la photographie se peindre devant moi.

Une photo complètement floue peut très bien me plaire parce que je vais y voir quelque chose de pictural plutôt que photographique.
Mes jeux d’ajouts de textures participent également à cet volonté de « non-photo » comme pour la série « Raptor » par exemple.

Par contre je n’ai pas l’impression que la photographie influence mon travail d’illustration même si parfois je pars d’un cliché pour travailler un dessin.

Es-tu souvent confrontée à des remarques du style « ce n’est pas/plus de la photo ! » ou  » Ce n’est pas la réalité! »? Comment réagis-tu ? Que penses-tu de cela ?

Non, ce ne sont pas des choses que j’entends au sujet de mon travail…si c’était le cas ça ne me gênerai pas plus que ça. Mais s’il faut cantonner la photo à un seul et unique style, où est la créativité?
Je suis pour l’expérimentation, la découverte, la recherche, les mélanges.

Je remarque simplement que ce type de discours vient souvent de gens qui travaillent la photographie de façon très classique et académique.
Ce type de photographie ne me fait ni chaud ni froid…la prouesse technique c’est pas trop mon truc.

J’attends de la photographie qu’elle me donne des frissons…qu’elle soit retraitée ou non.
ça n’est pas un problème si le cliché de départ n’a rien à voir avec l’image finale.

Comment imagines-tu la photographie dans 20 ans ?

Je préfère la vivre que me l’imaginer ;)

Je tiens à signaler que vous pouvez, bien entendu, retrouver Aby sur son site internet, riche en ambiances et son blog.
N’hésitez pas à la contacter : contact@abyweb.com .
Aby participe à une exposition collective à la galerie « Arc en ciel » du 2 au 30 septembre 2008 à Louviers (27) – 3 rue aux huiliers (02 32 40 66 57).

Merci beaucoup à Aby pour sa patience, ses passionnantes réponses à mes questions indiscrètes, et pour m’avoir permis de présenter, en texte et en images son travail sur « Au Présent du Subjectif ».

Toutes les photographies illustrant cet article sont, bien entendu, (c) Aby.

Et, pour terminer, les questions en images: