Picasso à Brassaï :
« La photographie est venue à point pour libérer la peinture de toute littérature, de l’anecdote, et même du sujet. »

Je me demande bien ce qui viendra à point libérer la photographie…

J’ai souhaité illustrer cette pensée par de très anciennes photos noir et blanc en lien avec le domaine de l’art.

Avez-vous déjà remarqué que c’est lorsque vous arrêtez de travailler que vous viennent vos meilleures idées ?
Que c’est une fois l’ordi éteint que vous savez quoi y faire ?
Que c’est en essayant de vous endormir que vous refaites le monde ?

Vous, indépendants, vous êtes-vous rendu compte que c’est le week end end que vous vous sentez le plus apte à enfin entamer ce boulot que vous ne saviez pas du tout comment appréhender il y a quelques jours ?

De même, c’est toujours une heure après la bataille que l’on trouve la réflexion pleine de répartie qui aurait fait l’affaire dans une conversation épineuse…

Et, c’est un scoop ! Un grand nombre de mes génialissimes trouvailles ;) ont vu le jour au petit coin… voire sous la douche.

C’est une des composantes de la loi de Murphy, qui nous pose au moins autant de problèmes que ces histoires de confiture sur la moquette.
Plus on cherche l’idée du siècle, la tête entre les mains à son bureau, et moins elle vient.

 

Le nez sur nos activités quotidiennes, qu’elles soient professionnelles ou personnelles, nous reproduisons des schémas dont nous avons l’habitude et pensons que l’on trouve une idée, que l’on dégotte la solution de la même manière qu’on résout une équation du second degré ou que l’on répond à un mail.
Eh bien non !

Que l’on soit artiste ou pas, la recherche d’une idée, la résolution de « problèmes ouverts », cela ne se fait pas comme n’importe quelle tâche technique, réalisée en mode semi-automatique.
Cela demande de la CREATIVITE !

Qui dit créativité dit inspiration, prise de recul, recherche d’idées originales.
Il s’agit de faire des connexions novatrices entre différents domaines, d’envisager la solution la plus farfelue qui peut parfois être la meilleure, d’oser !…
La créativité, le fait de faire les choses de manière inédite, personnelle, n’est-elle pas ce qui nous différencie du mouton ?!

 

Revenons à cette histoire de pause.

Mes différentes lectures traitant de la créativité m’ont confortée dans cette idée.
Le créatif travaille… même lorsqu’il ne travaille pas.

Il effectue des tâches « en arrière plan », inconsciemment.
Être ouvert à d’autres activités, participer à des discussions riches, s’intéresser aux productions d’autres créatifs, cela le nourrit et lui permet de faire des connexions entre différents domaines.
Ne rien faire a également ses vertus. Beaucoup de créatifs ont besoin de moments de calme, en retrait, pour que les choses se décantent et s’éclaircissent dans leur esprit dans de bonnes conditions.

Notre cerveau cherche en vain un espace libre pour mouliner dans notre quotidien overbooké et c’est pour cette raison que nous trouvons la solution à notre problème dès que nous n’y pensons plus ! Cela lui donne enfin le calme dont il a besoin pour bien fonctionner en arrière-plan…
J’ai l’impression que, plutôt que de vouloir aller plus vite, il nous fait réapprendre à ralentir.

Dans ce but (et bien d’autres), j’ai hâte d’avoir un jardin et un bout de campagne à portée de main !

A défaut de cela, il y a, pour le moment, ma salle de bain pour les petites pauses régulières, et ma cuisine pour la préparation d’un sympathique thé aux épices de temps en temps.
Il me semble que c’est tout de même mieux que la machine à café et les conversations politiques, économiques, catastrophiques…

 

Moralité de l’affaire, sachez faire des pauses !

Quel que soit votre emploi, la créativité peut être un plus.
Sachons prendre du recul sur ce que nous faisons pour mieux le faire évoluer, le considérer avec fraîcheur, différemment.

Et en tant qu’artiste, sachons gérer notre temps, non pour l’exploiter en mode « plein à craquer » mais pour laisser à notre créativité, notre inspiration, la possibilité de faire son oeuvre.

Dans notre société TGV, cela n’est pas un mal d’apprendre que s’arrêter un quart d’heure pour ne rien faire concourt à nous rendre plus productif !
Qu’on se le dise !

 

RESSOURCES

Sur ce thème de la créativité, je vous propose trois supports de lectures, vraiment très différents les uns des autres.

Pour ceux que l’anglais n’effraie pas, je vous conseille vivement l’article « The No. 1 Habit of Highly Creative People » de Leo Babauta sur Zen Habits (ainsi que l’ensemble du site par la même occasion !).

Il ne s’agit pas là de faire des pauses mais des « parenthèses solitaires« . Il me semble que cela rejoint ce que je ressens sur le sujet.
Cet article est très intéressant car il nous fait partager l’expérience de nombreux créatifs d’aujourd’hui comme d’hier. Vous y retrouverez en particulier Chase Jarvis, photographe bien connu de l’internet Outre-Atlantique.

 

J’ai lu, il y a quelques temps, cet ouvrage intitulé tout simplement « La Créativité« , de Mihaly Csikszentmihalyi. (Amis du copié collé, bonjour !!)

Autant vous le dire tout de suite, ce ne se lit pas comme du petit lait !! C’est une étude tout à fait sérieuse de psychologie sur la créativité qui permet, entre autre, de mieux comprendre comment on fonctionne à ce niveau, et de se sentir moins seul. ;)

J’ai réalisé en lisant ce livre que la créativité n’était pas l’apanage des artistes mais que scientifiques, PDG, économistes… y trouvaient également leur compte. Elle est présentée dans ce livre davantage comme un mode de pensée qu’un talent réservés aux artistes.
J’ai beaucoup aimé cette idée de démocratisation de la créativité.

Enfin, en mode beaucoup moins intellectuel, j’ai dévoré avec plaisir « Penser malin » de Rob Eastaway, un petit ouvrage ni prise de tête ni trop simpliste qui explore le mode de pensée créatif avec de nombreux exemples et suggestions à suivre.

L’auteur nous pousse à réfléchir à nos problèmes autrement, à acquérir une attitude plus créative dans la vie de tous les jours, que ce soit dans nos relations avec les autres, pour trouver des idées, pour agir au quotidien.

Ce petit livre est très facile à lire, très pratique et est à mettre dans toutes les mains !

En feuilletant l’ouvrage pour vous le présenter, je tombe p 62 sur un chapitre qui nous pousse à effectuer des connexions inattendues et l’auteur propose, comme exemple, de réfléchir comment associer « Photographie » et « Vitamine »… N’est-ce pas incroyable ?!

 

Laissons le mot de la fin à Winston Churchill :
« Un homme ayant une nouvelle idée est un original jusqu’à ce que l’idée réussisse. »

Soyons toujours plus créatifs !

J’ai remarqué que, de manière claire, vous réagissez bien plus au texte qu’aux images.

J’aime rédiger des articles pour vous faire part de ma manière de voir les choses en photo, partager mes états d’âmes, vous donner des conseils, des « trucs » qui peuvent vous aider à améliorer vos images. J’apprécie aussi beaucoup de lire vos commentaires à ce sujet car ces échanges sont très riches.
Cependant, je regrette que nous n’engagions pas suffisamment le dialogue sur les photographies elles-même.

Parler d’une photo, ce n’est pas si facile !
Que dire ? Comment le dire ? En voilà un bon sujet d’article !!

 

Se rendre compte que les commentaires que nous pouvions obtenir sur nos images sont bien souvent maigres, creux, peu subjectifs, peu constructifs, c’est en partie cela qui m’a poussée à créer le Suivi Photographique Personnalisé.
J’ai souhaité vous proposer, par l’intermédiaire de cette prestation, de vrais réactions sur vos images, afin de vous accompagner dans votre progression en photographie.
Car, quelle que soit la discipline concernée, la critique est essentielle (qu’elle soit positive ou négative) !

Je suis convaincue que commenter, critiquer de manière constructive les photos des autres est très formateur et nous permet par la suite de regarder nos propres images avec un oeil plus avisé, plus acéré.

Aussi, je souhaiterais vous proposer de vous exercer à la critique… sur mes images !
Je pense, une fois par semaine, vous proposer une photographie non-commentée afin de vous donner la parole.
Le fait de pouvoir consulter les avis des autres dans le fil des commentaires devrait permettre des échanges tout à fait passionnants !

 

Revenons donc à notre problèmatique de base : Que dire sur une photo ?

 

LE SUJET

Bien souvent, nous avons tendance à orienter nos remarques sur le sujet.
Ainsi, montrer une photographie déclenche bien souvent des réactions du style « Whaaaa ! ça a l’air super beau comme coin ! Où as-tu été en vacances ? » ou « Comme il est mignooooon ce chatoooon ! » ou encore « Ah oui, moi aussi j’ai fait des photos de montagne il y a 3 ans en Suisse »…

Généralement, les conversations qui s’en suivent ont un intérêt assez limité et sont bien éloignées de la photographie !
Commenter une photographie, c’est tout à fait autre chose que cela.

 

LE FOND

Ne peut-on donc pas, alors, parler de ce que l’on voit sur l’image ?! De ce qui nous vient en tête lorsqu’on regarde une photographie ?
Bien sûr que si !

Simplement, il est essentiel de se rappeler que ce qui nous intéresse devant une photographie, ce n’est pas le sujet tel qu’il était lors de la prise de vue mais tel qui est sur l’image. C’est ce qu’en a fait le photographe qui doit alimenter notre propos.
Ainsi, ne nous gênons pas pour indiquer si un bâtiment a été rendu impressionnant par la prise de vue, si une personne est bien mise en valeur, si le photographe nous montre quelque chose que nous n’aurions pas remarqué sans son aide !

Concentrez-vous, dans vos commentaires, sur les sentiments que vous inspire l’image.
Vous semble-t-elle apaisante, angoissante ? Aimez-vous la sensation de lumière qu’elle dégage, l’ambiance étrange qui y est véhiculée ? A-t-elle éveillé en vous de la peur, de la gourmandise ?

C’est la subjectivité de la vision partagée qui est intéressante à commenter, l’originalité de la prise de vue, et ce qui en ressort au niveau expression.

 

 

LA FORME

Cette discussion de fond peut rarement s’affranchir de commentaires sur la forme.
En effet, si l’image est mal cadrée, si notre oeil est gêné par un arrière plan disgracieux ou un flou mal placé, il nous est bien difficile de profiter de l’image et d’éprouver quelque chose de fort en la regardant.

La bonne utilisation des caractéristiques photographiques à notre disposition influent sur ce ressenti : l’utilisation d’un grand angle peut montrer un monument de manière plus grandiose, une sous-exposition peut exagérer une atmosphère dramatique, une faible profondeur de champ peut donner plus de douceur à la photographie.

Il ne faut pas hésiter à associer le fond et la forme dans une même remarque afin d’essayer d’analyser de quelle manière l’auteur de l’image nous fait ressentir telle ou telle émotion.
Ainsi, exprimer les choses de la manière suivante constitue une bonne manière de rédiger un commentaire argumenté et constructif :
« L’orientation en contre-jour de cette image (remarque sur l’angle de vue choisi, le positionnement par rapport à la lumière) et la sous-exposition marquée (remarque sur un choix de réglage à la prise de vue) créent une ambiance plus forte, plus mystérieuse (information sur le ressenti) et font l’originalité principale de cette image (prise en compte de la personnalité de l’auteur, de la spécificité de sa prise de vue).

Les caractéristiques à évoquer sont nombreuses !
Coup d’oeil, angle de vision, cadrage, composition, réglage de la sensibilité, la vitesse, l’ouverture du diaphragme, choix d’une zone de mise au point, utilisation d’un matériel, travail de la lumière, de la couleur, exploitation graphique de l’environnement, post-traitement particulier… tant de thématiques « formelles » méritent d’être abordées !

Nous souhaitons tous progresser en photo en nous confrontant aux images des autres.
Ainsi, ne soyons pas timides ! Quand une photographie nous plait, ne nous contentons pas de dire que « l’image est magnifique » !
Partageons notre enthousiasme en exprimant ce qui nous a plu et engageons le dialogue.

Pensez à poser des questions à l’auteur afin d’en savoir plus sur ce superbe effet qu’il a obtenu.
Dans quel contexte a-t-il pris la photo ? Pourquoi a-t-il fait tel choix de réglage ? A-t-il eu l’idée de cette image instantanément en découvrant le sujet ou a-t-il tâtonné un moment avant de parvenir à ce résultat ?
Je suis convaincue que l’on se nourrit de l’expérience des autres. Parler photo vous aidera à mieux la comprendre et à mieux la pratiquer.

 

L’AVIS

Enfin, nous pouvons éventuellement donner notre avis.
Je dis bien « éventuellement » car il me semble que ce n’est pas ce qui est le plus déterminant dans un commentaire.
Nous avons trop tendance à vouloir porter un jugement à l’emporte-pièce sans même prendre le temps d’analyser ce qui explique notre affinité ou non pour une image !

Ainsi, de temps en temps, juste analyser, commenter sans juger, cela nous « fait des vacances » et nous force à prendre le temps de l’argumentation !

De plus, donner son avis, cela n’est pas facile.
C’est aussi, je pense, ce qui nous freine dans nos commentaires. Nous pensons devoir donner ce fâââmeux avis et nous rechignons à nous mettre ainsi en danger.
Dire que l’on aime ou que l’on aime pas, c’est porter un jugement à la fois sur une photographie mais aussi sur soi-même, en quelque sorte.

Alors, si vous le sentez, exposez vos états d’âme et partagez vos coups de coeur et coups de gueule, mais sachez que ce n’est pas obligatoire !

De bonnes remarques sur le fond et la forme vous permettront déjà d’exprimer beaucoup de choses sur une photo sans devoir gérer la difficulté de donner votre opinion en mode « j’aime » « j’aime pas » (c’est très à la mode, le commentaire expéditif !!).

 

 

J’espère que ces quelques conseils vous permettront de moins ressentir l’angoisse de la page blanche la prochaine fois que vous voudrez laisser une trace de votre passage sur un site photographique, ou réagir à la photo d’un ami !

N’hésitez pas à visionner la photographie « Conscience écologique« , mise en ligne samedi, et qui a suscité assez peu de réactions.

Ci dessous, voici une autre photographie que je soumets à vos commentaires.
Pourquoi ne pas me dire ce que vous ressentez devant cette photo ? … ce qui vous semble notable dans sa création, sa composition, son rendu ?
N’hésitez pas à me poser des questions sur l’image et à la confronter à ce que vous faites pour vous enrichir !

A vos commentaires !

Le concept même d’instant décisif, cher aux amateurs de photographie, hérité de la photographie humaniste et des photo-reporters est parfois trompeur.

Cette idée met l’accent sur une certaine instantanéité de l’image. Il s’agit d’un moment précis à saisir grâce à l’appui sur le déclencheur. Ainsi, nous nous percevons à l’affut, traquant le sujet et déclenchant dans la foulée sur un laps de temps proche du soixantième de seconde. 

Or la photographie n’est pas une discipline aussi instantanée qu’on le pense. Elle est faite d’anticipation, de réflexion… de patience et de persévérance.
S’il peut arriver qu’une image se présente à nous dans un délai court et que nous ayons à réagir au quart de tour pour la capter, ce scénario est loin d’être le plus répandu. 

 

Je vous fais partager aujourd’hui une prise de vue datant d’il y a quelques semaines et vous invite dans les coulisses de la création d’images en mode « planche contact« .
Nous sommes dans dans une situation typique de photographie classique : prise de vue en ville, un décor, des passants… La photographie humaniste n’est pas bien loin !
Les exifs sont là pour nous donner le timing.

(La planche contact peut être agrandie par un clic)

 

Balade photographique dans Paris, donc. Ma série en diptyques est très présente à mon esprit.
Je cadre en carré en me laissant attirer par des visions anecdotiques, en me laissant envahir d’états d’âme qui correspondent à la saison et à la météo.

 

A 12h15, je repère, de très loin, un bonnet rouge. Je traverse la route sur le pont de Sully et je prends cette photographie de repérage, sans même y penser (cf photo ci dessous, à gauche). L’homme au couvre chef rouge au milieu des oiseaux, devant la Seine, cela me semble être une vison suffisamment évocatrice pour que l’on s’y attarde. Cette image n’est pas faite pour être gardée mais marque mon intérêt pour cette vision entrevue.

Je rejoins le square Barye, sur l’île Saint Louis.
12h17, je prends le temps de photographier un autre type, assis sur le rebord d’un muret puis je me penche au dessus de la balustrade pour retrouver mon « bonnet rouge ». La vision de dessus n’est pas la plus adatée, l’image semble un peu bancale et la posture du gars n’est pas très visible.
Encore quelques photos de l’autre homme puis je décide de descendre sur les quais, à cette extrémité de l’île Saint Louis. 

12h24, Je m’intéresse dans un premier temps à cette vision de l’homme, de loin, avec un arbre tortueux au premier plan. Sa silhouette ne se détache pas bien car elle se superpose à l’horizon.
Ni une, ni deux (l’endroit est calme et désert, j’ose), je monte sur l’un de ces gros bancs blancs qui jalonnent les quais parisiens. Ainsi, mon angle de vision est bon. 

On sent, en visualisant la planche globale que cette vision me plait car je multiplie les vues, attendant qu’un peu de vie se crée autour de l’homme. Je me doute que cette quantité de pigeons peut être de bon augure pour moi.  
Par bonheur, quelque chose les fait s’envoler et les volatiles agrémentent mon image par leur présence dans l’arbre et aux alentours. J’aime bien la disposition des différents éléments et l’ambiance qui se dégage de cette image ; je crois que cette photographie méritera d’être mise en valeur par un traitement approprié et exploitée !

12h26, je descend de mon banc. Vient maintenant la problématique de l’approche.
Hors de question, bien sûr, de débarquer comme un chien au milieu d’un jeu de quilles, faisant s’envoler des pigeons et troublant l’homme dans sa méditation ! Impossible, non plus, de m’avancer subrepticement comme si je souhaitais le photographier en cachette.
J’essaie donc de m’approcher à pas lents sans photographier jusqu’à pouvoir m’adresser à mon modèle. D’un hochement de tête, il me donne l’autorisation de le photographier et je peux continuer mes images.

12h27, je perçois assez vite l’intérêt de ce panneau à la flèche bordée de rouge, symbolique et à la couleur rappelant le bonnet. Je cherche donc un cadrage construit autour de ces deux éléments principaux.
Si la tête « bute » contre le pont à l’arrière plan, la photo n’est pas lisible, je relève donc légèrement mon angle de vue afin que le personnage s’inscrive dans l’espace laissé sous le pont.
A 12h28, au moment où il baisse la tête, les mains enfoncés dans ses poches, la posture est bien lisible et particulièrement expressive. Notre Dame, en arrière plan, donne un petit plus à cette image. C’est la photographie que j’utiliserai pour le diptyque « Réconfort ».

Je sais déjà que j’ai les images qu’il me faut de mon sujet mais j’avoue que je me sens bien, au finistère de l’île de la Cité, dans le calme de la Seine et le froid de décembre.
Pendant 3 ou 4 minutes supplémentaires, j’essaie d’exploiter la présence des pigeons au sol en adoptant un point de vue plus bas. Cela ne s’avère pas particulièrement payant, ces sacrés volatiles ayant la manie de s’éloigner dès que je m’approche et s’agglomérant bien souvent en un tas informe.

Il est 12h35 lorsque je m’éloigne après un mot de remerciement à l’homme, touchée par cette rencontre muette au milieu du tumulte parisien et enrichie de quelques bonnes images.

 

Loin de rechercher à figer un instant, j’ai donc essayé, pendant ces 20 minutes de prendre le temps de l’approche pour apprivoiser mon sujet, trouver le bon angle, peaufiner mes cadrages et déclencher au bon moment.
Mais est-ce vraiment l’instant T, à 12h28 et 8 centièmes de secondes qui est le plus décisif ?

Certains photographes ont l’habitude de s’immerger dans un milieu, une culture pendant plusieurs jours avant de prendre la moindre de photo et passent parfois plusieurs mois voire années à faire des repérages, travailler une série… Le temps est décisif bien plus que l’instant !

 

Comme vous le savez, je ne prémédite pas mes diptyques. Je ne pars pas à la chasse à l’image complémentaire. D’ailleurs quand j’ai vu ce panneau « interdit d’être triste », je n’ai pas spécialement pensé à notre homme au bonnet rouge. Il est important d‘être pleinement dans l’image que l’on cadre et d’oublier momentanément celles que l’on vient de faire lorsque l’on photographie !
Ainsi, ce n’est qu’aujourd’hui sur ma « planche contact » que je me suis rendue compte que les deux images que j’ai assemblées pour mon diptyque ont été prises à 15 minutes d’intervalle, sans que j’aie fait d’autres images pendant ce laps de temps.
Hasard, disiez-vous ?!

Le titre de cet article « Persévérance photographique (comment créer l’instant décisif) » vous semble peut-être un tantinet abusif…
« L’instant décisif ne se crée pas ! C’est le hasard, une coïncidence , la chance ! », avez-vous sans doute envie de rétorquer !

Pas si sûr ! Car votre instant décisif ne correspond pas juste à un moment.
Celui-ci sera différent selon ce que vous cadrez, votre angle de prise de vue et même, votre exposition. Bien souvent, d’ailleurs, si vous ne cadrez rien et n’anticipez pas, il vous passera sous le nez ! L’instant décisif n’existe pas en soi… c’est donc bien l’acte photographique qui crée ce moment clé.
C’est votre réceptivité qui déclenche l’opportunité d’une bonne photographique et non la chance.

 

Matthieu Raffard, dans son petit livre « La soif d’images », que je suis actuellement en train de « dévorer avec parcimonie et délectation »raconte :  » J’ai développé une aptitude à pressentir qu’une situation photographique va survenir. L’expérience m’a également enseigné que, lorsqu’il ne manque qu’un seul élément pour qu’une photographie ait lieu, celui-ci finit toujours par arriver. »

 

C’est ce principe qu’a respecté Marc Montméat, jeune photographe propulsé en quelques semaines sur le devant de la scène par son succès à Paris Photo pour sa photographie « Le choix ».
Que valent 15 minutes d’attente au regard de cette photographie et de l’engouement qu’elle a créé ?

 

Ainsi, anticipation et patience font partie des clés qui nous permettent de réussir de très bonnes photographies… qu’on se le dise !

Réconfort

J’ai l’impression que mon approche de la photographie évolue peu à peu…
Il y a quelques mois, quelques années, j’étais obsédée par une vision très globale de l’image. Je pensais composition, graphisme ; je voyais mes photographies comme un ensemble de formes, de lignes qui constituaient des objets, des lieux, des gens.

Cette manière assez personnelle de voir les choses est toujours présente bien sûr. 
La rigueur du cadrage, la force d’une composition, la construction graphique, tout cela crée la structure qui soutient mes images. C’est la trame sur laquelle j’écris mes émotions visuelles.

Mais je décèle autre chose qui s’y rajoute, comme une épice vient relever la composition d’un plat.
Depuis quelques mois (depuis que je travaille en diptyques ?), ma vision se complexifie pour s’intéresser à la fois aux lignes de constructions, aux points forts, mais aussi aux petits détails qui jalonnent l’image.

Mon attirance pour l’anecdotique crée en moi une réceptivité parfois étrange à un simple mégot crasseux, à la texture d’un mur, à la forme d’une branche…
Des éléments qui semblent à la majorité des gens secondaires voire insignifiants. 

Parfois, je photographie ces seuls éléments.
D’autres fois, ils apparaissent dans mon cadre sans que je les aie vraiment sélectionnés consciemment et ils enrichissent mes images.

J’apprécie alors de découvrir que le monsieur promenant son chien est en charentaises, qu’une plante a poussé le long du mur, que le tuyau est rouillé… Je me réjouis de constater qu’une petite feuille morte s’est déposée dans un coin ou que le sol est partiellement mouillé, créant des formes étranges sur le bitume…

A l’ère du numérique, tout défaut peut-être éradiqué en quelques secondes. Je mentirais si j’affirmais que je n’ai jamais effacé une cigarette au sol, une tâche quelconque, une poussière, un élément parasite !

Maintenant que la technique nous permet tout cela facilement, nous sommes à l’heure du choix.
Chaque rugosité dans l’image nous laisse face à une alternative : garder ou supprimer.

Souhaitons-nous nettoyer nos images de toute aspérité quitte à les rendre irréelles voire insipides ? Ou pouvons-nous laisser la place à ces défauts, les intégrer dans notre recherche esthétique, les accepter comme faisant partie intégrante de nos photographies ?
Je pense que les deux positions se valent. L’intention esthétique et sémantique détermine notre choix à ce sujet…
Et vous, quel est le vôtre ?

Une phrase bien connue dit que l’on commence par aimer notre conjoint malgré ses défauts, puis qu’on l’aime avec ses défauts… et qu’enfin, on finit par l’aimer pour ses défauts.
Je me demande s’il ne peut pas en être de même avec une photo…

Réconfort

En fin de semaine dernière, l’un des derniers photographes humanistes, Willy Ronis, nous a quittés.
Dans la lignée de Robert Doisneau, Edouard Boubat, Henri Cartier-Bresson… Willy Ronis photographiait son temps.
Il photographiait les gens selon une tradition purement française.

Bien sûr, ses photographies ont un intérêt documentaire autant qu’artistique. L’époque a changé, et la photographie humaniste est derrière nous, même si photographier l’humain reste, évidemment, d’actualité.
Mais en visionnant à nouveau ces images, je me suis demandé quels enseignements nous pouvions en tirer pour notre propre approche de la photographie. Que peut-on apprendre ou se remémorer des photographies de Willy Ronis que l’on puisse utiliser aujourd’hui dans notre propre pratique ?

Rien de bien révolutionnaire, mais une bonne occasion de visionner les images d’un grand photographe tout en parlant photographie.
Voici quelques pistes de réflexion.

 

 

PHOTOGRAPHIER SON TEMPS

Qui n’a pas regardé ce genre d’images avec nostalgie et envie ? « Aaah, si j’avais vécu à cette époque, j’aurais pu faire cette photographie ! » « Quelle chance d’avoir de tels sujets sous les yeux ! Le monde n’est plus ce qu’il était, et la photo non plus !… ».

Selon le principe selon lequel, bien sûr, « c’était mieux avant », « c’était le bon temps », nous négligeons souvent le potentiel photographique de ce qui nous entoure, au présent.

Le décor est peut-être plus chargé, la ville encombrée de voitures et les gens devenus plus méfiants, mais ce n’est que notre manque de recul qui nous empêche, souvent, de déceler le charme de notre décor quotidien.
Ainsi, les gosses, leurs cartables Superman et Hello Kitty sur le dos ont-ils vraiment moins de charme que les gamins en tablier des clichés ? Les publicités Aubade, les cannettes de Coca doivent-elles être considérés comme des parasites dans notre espace, quand nous regrettons les affiches et inscriptions d’époque ?

Willy Ronis

Loin de céder à la nostalgie devant ces images d’autrefois, j’y vois surtout d’inestimables idées de sujets photographiques ! Pourquoi ne pas remettre au goût du jour certaines de ces images ? Et si nous nous demandions quelle serait leur version actuelle ?
Cela ressemble fort à une lapalissade, et pourtant, n’est-il pas utile de nous rappeler que, quelque soit l’époque, il est passionnant de photographier son temps ?!

 

RECHERCHER L’INTEMPOREL

Cependant, l’attrait de photographies telles que celles de Willy Ronis n’est pas dû uniquement à leur ancrage temporel. Si certaines de ses photographies sont à l’image de leur époque, d’autres, au contraire semblent traverser le temps sans – presque – prendre une ride.

En choisissant soigneusement les éléments à disposer dans notre cadre, nous pouvons, nous aussi, créer une image qui parlera à plusieurs générations et ramènera chaque personne qui la découvrira à son propre vécu…
Un sacré challenge !

Willy Ronis

 

 

ÊTRE RECEPTIF A LA LUMIERE

Willy Ronis

Là encore, ce n’est pas une grand nouveauté !
La lumière est souvent ce qui donne la force d’une photographie en noir et blanc.
Il est essentiel de savoir se laisser guider par un rayon de lumière qui « met sous projecteur » quelqu’un ou quelque chose, tranforme une scène assez banale entre un hommage à Rubens, crée une ombre, souligne les traits d’un visage d’ombre ou de lumière…

Les photographies de Willy Ronis que j’ai mises de côté pour illustrer ce travail de la lumière sont toutes… prises en contre-jour.

Ainsi, utiliser la lumière à bon escient ne veut pas dire inonder son studio de lampes et de parapluies, se déshydrater en plein soleil, ou se placer de manière à ce que la scène soit « bien éclairée » (selon un critère de quantité).
C’est souvent lorsque la lumière est très localisée, en quantité réduite, renforcée par le positionnement du photographe que les images obtenues sont les plus fortes et les plus esthétiques.

Willy Ronis

Willy Ronis

 

 

COMPOSER SELON DES CONTRASTES DE DENSITE

En noir et blanc, il est fondamental de penser le plus possible à la manière dont les éléments vont se détacher les uns des autres.
Blanc sur noir, noir sur blanc, foncé sur clair et clair sur foncé… c’est ainsi que se composent les bonnes photographies monochromes !
Une silhouette sur le sol clair, un arbre enneigé devant un mur sombre… la lisibilité accrue d’une image de ce style lui donne un impact incomparable.

Et cette idée est loin d’être superflue en photographie couleurs ! Couleur vive sur un fond sombre, opposition de couleurs… on retrouve cette notion de contraste, que ce soit en couleurs ou en noir et blanc.

Le travail tout en silhouettes de ces deux photos illustre bien cette recherche de lisibilité, de contraste.

Willy Ronis

Willy Ronis

 

 

UTILISER LE DECOR COMME ANCRAGE POUR L’IMAGE

Le terme « photographie humaniste » nous pousse à nous focaliser sur l’humain. On en oublie parfois ce qui y a autour ! Cela nous conduit souvent à négliger l’importance du décor et de la composition.

Placer le personnage dans un cadre … cadre de vie, cadre photographique… cela correspond à une recherche de sens et d’esthétique.
Ainsi, le décor permet de situer la scène, de la replacer dans un contexte géographique et historique, de raconter une histoire grâce à l’interaction entre les protagonistes et le lieu qu’ils habitent.
Mais le rôle du décor consiste également à organiser le cadre, donner une structure à l’image. Au niveau composition, l’image est plus riche lorsqu’elle présente l’interaction entre l’humain et son décor.

Je me suis progressivement rendue compte que les images dont on est le plus fier sont souvent celles qui présentent un personnage et le cadre dans lequel il se trouve. Ces images, souvent prises au grand angle, sont les plus difficile à composer, sans doute, et mettent en relation de nombreux éléments entre eux. Trop chargée ou mal organisée, l’image devient chaos… Mais maîtrisée, cette discipline est vraiment riche en satisfaction !

Willy Ronis

 

Ainsi, malgré le temps qui passe et la valse des époques, malgré nos nouvelles technologies et notre société de consommation, la photographie peut s’adapter, se nourrir de son passé tout en se tournant vers l’avenir.

Ces images de Willy Ronis sont riches en enseignement. Elles cristalisent ce qui fait la photo à la française, l’une des périodes les plus marquantes de l’Histoire de notre photographie.

La photographie humaniste est donc un ancrage sûr et puissant pour nos images… sachons en être digne et lui rendre hommage sans la caricaturer ni en rester prisonnier !

Il est souhaitable que nos images portent les marques de cette filiation, tout en évoluant vers une photographie plus contemporaine, une photographie en phase avec son temps.

Willy Ronis

Comme pour chacun des actes de la vie, faire de la photographie signifie faire des choix.

Choix conscients, choix inconscients, choix importants, micro-choix, choix artistiques, choix techniques, choix à long terme, choix ponctuels, choix individualisés ou groupés… tout cela regroupe une multitude de possibles, d’alternatives qui constituent la marge de liberté du photographe.
Autant dire… une marge énorme !

FAIRE DES CHOIX ?

N’est-il pas formidable d’avoir le choix ?!
N’est-ce pas ce qui rend nos photographies réellement… subjectives ?!

Les choix, facilement identifiables, que font les photographes constituent la partie émergée de l’intention photographique. Ceux-ci dénotent d’un réel investissement, d’une attitude attentive voire perfectionniste du photographe qui souhaite réussir ses images et y exprimer quelque chose.

Il est depuis longtemps établi que la photographie ne consiste pas à «appuyer sur le bouton», ce qui serait la forme la plus primaire de laxisme photographique !
Toutes ces décisions ne transparaissent pas toujours de manière évidente lorsque l’on regarde une image, mais ce sont elles qui font la noblesse de la photographie lorsqu’elle est investie d’une réelle démarche.

Chacun d’entre nous a la capacité de progresser en photographie en prenant conscience des choix qu’il oublie de faire, et en considérant avec recul ses décisions techniques et artistiques.

 

Cependant, que les choses soient claires !
Loin de moi l’idée de militer pour une dictature de la prise de tête photographique !!

Chacun, à son niveau et selon les moments, travaille plus ou moins certains choix.
Nous y reviendrons.

Pour certaines personnes (débutants en photo par exemple) ou dans certains contextes (photo plus décontractée), intervient également le choix… de ne pas choisir !
Ainsi, le «mode vert» est un choix… de «non-choix».
On s’autorise à renoncer à une certaine maîtrise au niveau des réglages, et cela peut être tout à fait louable, si l’on décide d’oublier le couple diaphragme/vitesse pour mieux se concentrer, par exemple (vous me connaissez ;) ), sur le cadrage.

J’avoue, cependant, que j’ai du mal à accorder du crédit à ceux qui érigent leur absence de choix … en choix.
Cette démarche conceptuelle, peut-être valable en galerie d’art avec une explicitation théorique vraiment aboutie (sans aucun doute bien plus «prise de tête» qu’un déclic photographique réfléchi !), est tout de même un peu éculée, et hors de propos lorsqu’il s’agit de photographier son jardin pour agrémenter son site internet !!
En peinture abstraite ou ailleurs, on sait combien il faut maîtriser les techniques de base et l’expression artistique avant de pouvoir s’aventurer avec brio dans un acte de création plus spontané, voire intuitif.

CHOIX CONSCIENTS ET INCONSCIENTS

Je ne crois pas qu’il soit réellement possible d’avoir en tête de manière consciente tous les choix à faire pour réaliser une photographie.
Il me semble que toute personne souhaitant arriver à cela sans la moindre acquisition d’automatismes n’obtiendrait qu’une surcharge cognitive inévitable et un sérieux mal de tête !

Ainsi, nous avons tous nos priorités, et c’est en les faisant évoluer avec le temps que l’on progresse en photographie.
Dans mon propre parcours, je pense avoir tout d’abord travaillé le cadrage et la composition, pour aller progressivement vers une compréhension des réglages de l’appareil et une utilisation de la profondeur de champ.
Je vous passe quelques étapes : instant décisif, exposition, contraste, recherche de sens, etc.
Récemment, j’ai plutôt progressé en recherche de rendu tout en gardant à l’esprit tout ce que j’ai travaillé au cours de ces dernières années.

Certains des choix que j’ai beaucoup travaillés dans le passé sont quasiment automatisés si bien que je n’ai parfois besoin que de quelques millisecondes pour me décider sur un paramètre.
Heureusement !
Car en essayant, il y a quelques jours, de recenser les différentes décisions que doit faire le photographe pour une image, j’ai obtenu une liste de 25 choix, classés par catégories… Et rien ne dit qu’il n’y a pas quelques oublis !

CHOIX TECHNIQUES ET ARTISTIQUES

Les choix effectués peuvent être techniques ou artistiques. Pour tout dire, ils sont souvent les deux !
Disons que certaines décisions sont davantage dictées par une problématique technique, et d’autres par une démarche artistique. Chacune a sa dominante mais est composée de ces deux tendances.

La dominante d’un choix dépend également du photographe.
Ainsi, la détermination d’une valeur de diaphragme correspond, le plus souvent, pour moi, à une décision artistique (j’aime jouer avec les faibles profondeurs de champ) alors que pour d’autres, il s’agira d’un choix presque purement technique (pour quelqu’un qui souhaite optimiser sa netteté en macro d’insectes par exemple).

Sans doute pourrait-on dire que plus un choix nous éloigne de la photographie documentaire, descriptive, et plus il est artistique ?

ORDRE ET INTERACTION

Il serait idéal (et réellement réducteur) de pouvoir donner une liste de choix ordonnés qu’il suffirait de suivre pour faire une bonne image. Une sorte de recette de cuisine du photographe !!
Mais la réalité est tout autre.

Selon le contexte, la personnalité du photographe, son intention du moment, les décisions techniques et artistiques n’interviendront pas dans le même ordre, ni de la même manière.
De plus, chacune n’est pas une entité séparée que l’on étudie avant de passer à la suivante.
Certains décisions sont groupées, et certains choix agissent sur d’autres, élargissant ou restreignant chaque fois le champ des possibles.

Il s’agit d’un réseau entremêlé bien plus que d’une réflexion linéaire… et n’est-ce pas ce qui fait la richesse de la photographie ?

Ainsi, dans les semaines qui viennent, j’évoquerai tour à tour ces différents choix, de différentes catégories.
…bien entendu dans le désordre le plus complet puisqu’aucune présentation linéaire ne semblerait satisfaisante !! ;)

J’essayerai de traiter ces choix sur le plan technique (en me mettant à la portée des débutants) et artistique, en essayant d’aller le plus loin possible pour déterminer l’impact de chaque décision que nous prenons (ou ne prenons pas !).

Décorticage photographique en vue !!
Un sacré programme ! ;)

 

PS : Quel plaisir d’entendre Florence, mon élève en photo, quelques jours après notre première séance de travail, déclarer que désormais, ce n’est plus l’appareil qui a la main mise sur son image, qu’elle choisit elle-même sa zone de mise au point… et que ça change tout ! ;)

Ayons à coeur de proposer des images … de choix !

Je vois des lignes, des formes, des couleurs…
J’aime les pétales, les lumières électriques, les silhouettes indistinctes…
Je travestis le décor, j’y appose mes couleurs, j’oublie tout du contexte.
J’imagine un fantôme, un héros en quête initiatique, un manoir oublié…

Mes rêveries photographique me semblent être les images qui me ressemblent le plus.
Non descriptives à tout prix, aux compositions sobres et directes, aux ambiances intemporelles, oniriques, ces photographies sont sans doute mon évasion, ma manière de me détacher en quelque sorte de ce qui m’entoure et de modeler le monde à ma manière…

 

Mais…
Je vois aussi des affiches décollées, des mégots qui traînent, des tags sur les murs sales des villes…
J’aime le symbolisme des logos, l’ambiance terre à terre du métro, les craquelures dans le goudron…
Je croise des gens qui font leurs courses, des enfants qui sortent de l’école… Je pense aux photographes humanistes, à la véracité crue de leurs images, à notre société que l’on délaisse au profit des people, aux gens que l’on oublie derrière le « pouvoir d’achat »…

Est-ce un besoin, une envie, une lubie récurrente que ces phases de « photographie réaliste » ?
Une manière de s’ancrer à nouveau dans ce monde dont il faut bien faire partie avant de le fuir, encore une fois, au profit de ces histoires dont on peut inventer la fin ?
Mes exigences photographiques, esthétisme, rapport au sujet, créativité, concept, bagarrent et s’entremêlent pour m’offrir d’innombrables possibles… ou me perdre dans leurs dédales insondables…

Alors je me demande…

Cette schizophrénie photographique est-elle une course épuisante derrière deux lièvres à la fois ou une manière, pour moi, d’établir un certain équilibre ?

Le tableau présent sur la première photo est une oeuvre d’Olivier Suire Verley.

Comme vous le savez, je suis une fervente amatrice de forts contrastes…

J’aime l’esthétique que cela crée, le renforcement des formes graphiques, la densités des ombres, la manière dont l’obscurité met en valeur les zones lumineuses.
Il me semble que le contraste donne une profondeur à l’image, que l’ambiance s’en trouve renforcée.

Mais il y a un hic dans cette histoire d’ambiance…
Le noir dramatise l’image.
La voilà donc renforcée, oui, mais presque toujours de sensations négatives.

 

Comme je le rappelais dans un article précédent, il est vrai que les photos très contrastées , surtout plongées dans des densités sombres, peuvent facilement véhiculer une certaine angoisse…
Et certains d’entre vous ont du mal à apprivoiser, je crois, le côté glauque de certaines images, que j’ai tendance à ignorer face à ce rendu dont j’aime l’esthétique…

Vous trouverez sans doute une certaine naïveté dans mon insistance à m’étonner que la photo ci-contre vous fasse davantage craindre les cauchemars que vous languir d’avance d’une bonne nuit de sommeil !
J’avoue que, comme j’aime l’ambiance de cette image, j’y trouve un sentiment positif. L’attirance que j’ai pour cette ambiance contrebalance, pour moi, l’ambiance glauque qui s’en dégage…

Cela me gêne, tout de même, de vous proposer des visuels propices aux cauchemars, moi qui suis si optimiste, bon-enfant de nature ! Surtout, n’y voyez aucune tendance gothique ou morbide !

Le noir m’a toujours attiré en photographie… Je répétais avec humour que les photographes avaient « peur du noir » !… Et c’est vrai !
La sous-exposition traumatise mes collègues, obnubilés par le besoin d’avoir du détail partout. J’ai bien l’impression que le noir est considéré comme une faiblesse technique par beaucoup d’entre nous.
Pour moi, cela a toujours été l’inverse… Je me rappelle d’une photographie de spectacle représentant une danseuse noire en clair-obscur… cette image devait bien contenir du noir pur sur 90% de sa superficie … et on me l’a souvent reproché !

Mais la problématique n’est pas là ; elle est au niveau de l’ambiance.

Je regrette que cette profondeur dans l’image, cette intensité, ne puisse pas servir d’autres émotions que l’angoisse…
Ne pourrait-on pas trouver une autre expressivité dans ce fort contraste ?

Y aurait-il une caractéristique que l’on pourrait travailler, et qui contrebalancerait l’agressivité du sombre afin d’obtenir une image résultante qui véhiculerait des émotions plus paisibles ?

Pensez-vous que la couleur puisse équilibrer la prédominance du noir pour donner une atmosphère plus sereine ? En pastel, ou en teintes vives, peut-être pourrait-elle dédramatiser le fort contraste ?

Le sujet lui-même peut-il avoir une influence sur notre ressenti du contraste ?
Y a t’il d’autres paramètres sur lesquels je puisse jouer pour modifier notre perception de l’image, notre émotion en la découvrant ?

En voilà encore un sujet passionant !…
J’attends avec impatience vos réactions pour enrichir ma réflexion et faire décanter tout cela !