Depuis que j’ai commencé la photographie, je nage à contre courant de la photo souvenir. Pour tout dire, la « photo souvenir » a toujours correspondu à ce que je ne voulais PAS faire en photographie.
Elle me semblait ne s’intéresser qu’au sujet, au détriment de tout esthétisme, expression, intention autre que la mémoire, et non digne de sortir du cercle familial. Il faut bien dire qu’elle est souvent cela.

De mon côté, j’avais particulièrement en tête de révéler les caractéristiques visuelles et symboliques des sujets que je photographiais tout en m’en détachant suffisamment pour le mettre en valeur de manière personnelle et esthétique.
Et, comme vous le savez, ma palette de sujets est assez variée et est surtout constituée de visions quotidiennes…

Mais cette démarche est-elle vraiment aux antipodes de la photo souvenir ?!
C’est la question que j’ai commencé à me poser ces derniers temps et à laquelle, je crois, je ne suis pas prête d’avoir fini de répondre ! C’est au cours de cette réflexion que j’ai réalisé quel était le premier paradoxe de la photographie souvenir. Il est impossible de généraliser quoi que ce soit à son sujet puisqu’elle est, par définition, personnelle et spécifique pour chaque individu. Elle vise à capter les souvenirs de quelqu’un.
Chaque personne est unique et donc, chaque démarche de « photo souvenir » l’est également…

 

En découle un second paradoxe, intimement lié au premier. Une personne visionnant une image ne peut pas dire s’il s’agit de « photo souvenir » ou non. Nous le supposons parfois mais seul le photographe lui-même peut faire le lien entre photo réalisée et souvenir associé et ainsi être conscient du rôle de « photo souvenir » que tient l’image correspondante…
Pour exemple, mes propres sujets, ma manière de photographier n’évoquent pas, spontanément, il me semble, la photo souvenir. Et pourtant, je peux personnellement affirmer que certaines en sont.

Ainsi, la photo souvenir est profondément personnelle et pourtant, nous avons la sale manie (!) de vouloir toujours la faire partager ! Cela part d’un bon sentiment, bien sûr, mais engendre trop souvent des projections interminables d’images ayant peu d’intérêt pour ceux qui n’ont pas vécu les évènements, les émotions correspondantes.
Cela me fait dire que je fais bien de rester sur mes positions : toute photographie se doit d’aller au delà de son sujet sous peine de devenir source d’ennui et de désintérêt. Si nous souhaitons partager nos souvenirs, il nous faut les mettre en forme, les rendre compréhensibles pour les autres… en un mot, faire de nos photos souvenir de bonnes photos tout court !

Picasso à Brassaï :
« La photographie est venue à point pour libérer la peinture de toute littérature, de l’anecdote, et même du sujet. »

Je me demande bien ce qui viendra à point libérer la photographie…

J’ai souhaité illustrer cette pensée par de très anciennes photos noir et blanc en lien avec le domaine de l’art.

Avez-vous déjà remarqué que c’est lorsque vous arrêtez de travailler que vous viennent vos meilleures idées ?
Que c’est une fois l’ordi éteint que vous savez quoi y faire ?
Que c’est en essayant de vous endormir que vous refaites le monde ?

Vous, indépendants, vous êtes-vous rendu compte que c’est le week end end que vous vous sentez le plus apte à enfin entamer ce boulot que vous ne saviez pas du tout comment appréhender il y a quelques jours ?

De même, c’est toujours une heure après la bataille que l’on trouve la réflexion pleine de répartie qui aurait fait l’affaire dans une conversation épineuse…

Et, c’est un scoop ! Un grand nombre de mes génialissimes trouvailles ;) ont vu le jour au petit coin… voire sous la douche.

C’est une des composantes de la loi de Murphy, qui nous pose au moins autant de problèmes que ces histoires de confiture sur la moquette.
Plus on cherche l’idée du siècle, la tête entre les mains à son bureau, et moins elle vient.

 

Le nez sur nos activités quotidiennes, qu’elles soient professionnelles ou personnelles, nous reproduisons des schémas dont nous avons l’habitude et pensons que l’on trouve une idée, que l’on dégotte la solution de la même manière qu’on résout une équation du second degré ou que l’on répond à un mail.
Eh bien non !

Que l’on soit artiste ou pas, la recherche d’une idée, la résolution de « problèmes ouverts », cela ne se fait pas comme n’importe quelle tâche technique, réalisée en mode semi-automatique.
Cela demande de la CREATIVITE !

Qui dit créativité dit inspiration, prise de recul, recherche d’idées originales.
Il s’agit de faire des connexions novatrices entre différents domaines, d’envisager la solution la plus farfelue qui peut parfois être la meilleure, d’oser !…
La créativité, le fait de faire les choses de manière inédite, personnelle, n’est-elle pas ce qui nous différencie du mouton ?!

 

Revenons à cette histoire de pause.

Mes différentes lectures traitant de la créativité m’ont confortée dans cette idée.
Le créatif travaille… même lorsqu’il ne travaille pas.

Il effectue des tâches « en arrière plan », inconsciemment.
Être ouvert à d’autres activités, participer à des discussions riches, s’intéresser aux productions d’autres créatifs, cela le nourrit et lui permet de faire des connexions entre différents domaines.
Ne rien faire a également ses vertus. Beaucoup de créatifs ont besoin de moments de calme, en retrait, pour que les choses se décantent et s’éclaircissent dans leur esprit dans de bonnes conditions.

Notre cerveau cherche en vain un espace libre pour mouliner dans notre quotidien overbooké et c’est pour cette raison que nous trouvons la solution à notre problème dès que nous n’y pensons plus ! Cela lui donne enfin le calme dont il a besoin pour bien fonctionner en arrière-plan…
J’ai l’impression que, plutôt que de vouloir aller plus vite, il nous fait réapprendre à ralentir.

Dans ce but (et bien d’autres), j’ai hâte d’avoir un jardin et un bout de campagne à portée de main !

A défaut de cela, il y a, pour le moment, ma salle de bain pour les petites pauses régulières, et ma cuisine pour la préparation d’un sympathique thé aux épices de temps en temps.
Il me semble que c’est tout de même mieux que la machine à café et les conversations politiques, économiques, catastrophiques…

 

Moralité de l’affaire, sachez faire des pauses !

Quel que soit votre emploi, la créativité peut être un plus.
Sachons prendre du recul sur ce que nous faisons pour mieux le faire évoluer, le considérer avec fraîcheur, différemment.

Et en tant qu’artiste, sachons gérer notre temps, non pour l’exploiter en mode « plein à craquer » mais pour laisser à notre créativité, notre inspiration, la possibilité de faire son oeuvre.

Dans notre société TGV, cela n’est pas un mal d’apprendre que s’arrêter un quart d’heure pour ne rien faire concourt à nous rendre plus productif !
Qu’on se le dise !

 

RESSOURCES

Sur ce thème de la créativité, je vous propose trois supports de lectures, vraiment très différents les uns des autres.

Pour ceux que l’anglais n’effraie pas, je vous conseille vivement l’article « The No. 1 Habit of Highly Creative People » de Leo Babauta sur Zen Habits (ainsi que l’ensemble du site par la même occasion !).

Il ne s’agit pas là de faire des pauses mais des « parenthèses solitaires« . Il me semble que cela rejoint ce que je ressens sur le sujet.
Cet article est très intéressant car il nous fait partager l’expérience de nombreux créatifs d’aujourd’hui comme d’hier. Vous y retrouverez en particulier Chase Jarvis, photographe bien connu de l’internet Outre-Atlantique.

 

J’ai lu, il y a quelques temps, cet ouvrage intitulé tout simplement « La Créativité« , de Mihaly Csikszentmihalyi. (Amis du copié collé, bonjour !!)

Autant vous le dire tout de suite, ce ne se lit pas comme du petit lait !! C’est une étude tout à fait sérieuse de psychologie sur la créativité qui permet, entre autre, de mieux comprendre comment on fonctionne à ce niveau, et de se sentir moins seul. ;)

J’ai réalisé en lisant ce livre que la créativité n’était pas l’apanage des artistes mais que scientifiques, PDG, économistes… y trouvaient également leur compte. Elle est présentée dans ce livre davantage comme un mode de pensée qu’un talent réservés aux artistes.
J’ai beaucoup aimé cette idée de démocratisation de la créativité.

Enfin, en mode beaucoup moins intellectuel, j’ai dévoré avec plaisir « Penser malin » de Rob Eastaway, un petit ouvrage ni prise de tête ni trop simpliste qui explore le mode de pensée créatif avec de nombreux exemples et suggestions à suivre.

L’auteur nous pousse à réfléchir à nos problèmes autrement, à acquérir une attitude plus créative dans la vie de tous les jours, que ce soit dans nos relations avec les autres, pour trouver des idées, pour agir au quotidien.

Ce petit livre est très facile à lire, très pratique et est à mettre dans toutes les mains !

En feuilletant l’ouvrage pour vous le présenter, je tombe p 62 sur un chapitre qui nous pousse à effectuer des connexions inattendues et l’auteur propose, comme exemple, de réfléchir comment associer « Photographie » et « Vitamine »… N’est-ce pas incroyable ?!

 

Laissons le mot de la fin à Winston Churchill :
« Un homme ayant une nouvelle idée est un original jusqu’à ce que l’idée réussisse. »

Soyons toujours plus créatifs !

J’ai remarqué que, de manière claire, vous réagissez bien plus au texte qu’aux images.

J’aime rédiger des articles pour vous faire part de ma manière de voir les choses en photo, partager mes états d’âmes, vous donner des conseils, des « trucs » qui peuvent vous aider à améliorer vos images. J’apprécie aussi beaucoup de lire vos commentaires à ce sujet car ces échanges sont très riches.
Cependant, je regrette que nous n’engagions pas suffisamment le dialogue sur les photographies elles-même.

Parler d’une photo, ce n’est pas si facile !
Que dire ? Comment le dire ? En voilà un bon sujet d’article !!

 

Se rendre compte que les commentaires que nous pouvions obtenir sur nos images sont bien souvent maigres, creux, peu subjectifs, peu constructifs, c’est en partie cela qui m’a poussée à créer le Suivi Photographique Personnalisé.
J’ai souhaité vous proposer, par l’intermédiaire de cette prestation, de vrais réactions sur vos images, afin de vous accompagner dans votre progression en photographie.
Car, quelle que soit la discipline concernée, la critique est essentielle (qu’elle soit positive ou négative) !

Je suis convaincue que commenter, critiquer de manière constructive les photos des autres est très formateur et nous permet par la suite de regarder nos propres images avec un oeil plus avisé, plus acéré.

Aussi, je souhaiterais vous proposer de vous exercer à la critique… sur mes images !
Je pense, une fois par semaine, vous proposer une photographie non-commentée afin de vous donner la parole.
Le fait de pouvoir consulter les avis des autres dans le fil des commentaires devrait permettre des échanges tout à fait passionnants !

 

Revenons donc à notre problèmatique de base : Que dire sur une photo ?

 

LE SUJET

Bien souvent, nous avons tendance à orienter nos remarques sur le sujet.
Ainsi, montrer une photographie déclenche bien souvent des réactions du style « Whaaaa ! ça a l’air super beau comme coin ! Où as-tu été en vacances ? » ou « Comme il est mignooooon ce chatoooon ! » ou encore « Ah oui, moi aussi j’ai fait des photos de montagne il y a 3 ans en Suisse »…

Généralement, les conversations qui s’en suivent ont un intérêt assez limité et sont bien éloignées de la photographie !
Commenter une photographie, c’est tout à fait autre chose que cela.

 

LE FOND

Ne peut-on donc pas, alors, parler de ce que l’on voit sur l’image ?! De ce qui nous vient en tête lorsqu’on regarde une photographie ?
Bien sûr que si !

Simplement, il est essentiel de se rappeler que ce qui nous intéresse devant une photographie, ce n’est pas le sujet tel qu’il était lors de la prise de vue mais tel qui est sur l’image. C’est ce qu’en a fait le photographe qui doit alimenter notre propos.
Ainsi, ne nous gênons pas pour indiquer si un bâtiment a été rendu impressionnant par la prise de vue, si une personne est bien mise en valeur, si le photographe nous montre quelque chose que nous n’aurions pas remarqué sans son aide !

Concentrez-vous, dans vos commentaires, sur les sentiments que vous inspire l’image.
Vous semble-t-elle apaisante, angoissante ? Aimez-vous la sensation de lumière qu’elle dégage, l’ambiance étrange qui y est véhiculée ? A-t-elle éveillé en vous de la peur, de la gourmandise ?

C’est la subjectivité de la vision partagée qui est intéressante à commenter, l’originalité de la prise de vue, et ce qui en ressort au niveau expression.

 

 

LA FORME

Cette discussion de fond peut rarement s’affranchir de commentaires sur la forme.
En effet, si l’image est mal cadrée, si notre oeil est gêné par un arrière plan disgracieux ou un flou mal placé, il nous est bien difficile de profiter de l’image et d’éprouver quelque chose de fort en la regardant.

La bonne utilisation des caractéristiques photographiques à notre disposition influent sur ce ressenti : l’utilisation d’un grand angle peut montrer un monument de manière plus grandiose, une sous-exposition peut exagérer une atmosphère dramatique, une faible profondeur de champ peut donner plus de douceur à la photographie.

Il ne faut pas hésiter à associer le fond et la forme dans une même remarque afin d’essayer d’analyser de quelle manière l’auteur de l’image nous fait ressentir telle ou telle émotion.
Ainsi, exprimer les choses de la manière suivante constitue une bonne manière de rédiger un commentaire argumenté et constructif :
« L’orientation en contre-jour de cette image (remarque sur l’angle de vue choisi, le positionnement par rapport à la lumière) et la sous-exposition marquée (remarque sur un choix de réglage à la prise de vue) créent une ambiance plus forte, plus mystérieuse (information sur le ressenti) et font l’originalité principale de cette image (prise en compte de la personnalité de l’auteur, de la spécificité de sa prise de vue).

Les caractéristiques à évoquer sont nombreuses !
Coup d’oeil, angle de vision, cadrage, composition, réglage de la sensibilité, la vitesse, l’ouverture du diaphragme, choix d’une zone de mise au point, utilisation d’un matériel, travail de la lumière, de la couleur, exploitation graphique de l’environnement, post-traitement particulier… tant de thématiques « formelles » méritent d’être abordées !

Nous souhaitons tous progresser en photo en nous confrontant aux images des autres.
Ainsi, ne soyons pas timides ! Quand une photographie nous plait, ne nous contentons pas de dire que « l’image est magnifique » !
Partageons notre enthousiasme en exprimant ce qui nous a plu et engageons le dialogue.

Pensez à poser des questions à l’auteur afin d’en savoir plus sur ce superbe effet qu’il a obtenu.
Dans quel contexte a-t-il pris la photo ? Pourquoi a-t-il fait tel choix de réglage ? A-t-il eu l’idée de cette image instantanément en découvrant le sujet ou a-t-il tâtonné un moment avant de parvenir à ce résultat ?
Je suis convaincue que l’on se nourrit de l’expérience des autres. Parler photo vous aidera à mieux la comprendre et à mieux la pratiquer.

 

L’AVIS

Enfin, nous pouvons éventuellement donner notre avis.
Je dis bien « éventuellement » car il me semble que ce n’est pas ce qui est le plus déterminant dans un commentaire.
Nous avons trop tendance à vouloir porter un jugement à l’emporte-pièce sans même prendre le temps d’analyser ce qui explique notre affinité ou non pour une image !

Ainsi, de temps en temps, juste analyser, commenter sans juger, cela nous « fait des vacances » et nous force à prendre le temps de l’argumentation !

De plus, donner son avis, cela n’est pas facile.
C’est aussi, je pense, ce qui nous freine dans nos commentaires. Nous pensons devoir donner ce fâââmeux avis et nous rechignons à nous mettre ainsi en danger.
Dire que l’on aime ou que l’on aime pas, c’est porter un jugement à la fois sur une photographie mais aussi sur soi-même, en quelque sorte.

Alors, si vous le sentez, exposez vos états d’âme et partagez vos coups de coeur et coups de gueule, mais sachez que ce n’est pas obligatoire !

De bonnes remarques sur le fond et la forme vous permettront déjà d’exprimer beaucoup de choses sur une photo sans devoir gérer la difficulté de donner votre opinion en mode « j’aime » « j’aime pas » (c’est très à la mode, le commentaire expéditif !!).

 

 

J’espère que ces quelques conseils vous permettront de moins ressentir l’angoisse de la page blanche la prochaine fois que vous voudrez laisser une trace de votre passage sur un site photographique, ou réagir à la photo d’un ami !

N’hésitez pas à visionner la photographie « Conscience écologique« , mise en ligne samedi, et qui a suscité assez peu de réactions.

Ci dessous, voici une autre photographie que je soumets à vos commentaires.
Pourquoi ne pas me dire ce que vous ressentez devant cette photo ? … ce qui vous semble notable dans sa création, sa composition, son rendu ?
N’hésitez pas à me poser des questions sur l’image et à la confronter à ce que vous faites pour vous enrichir !

A vos commentaires !

J’ai reçu il y a quelques jours l’exemplaire que j’ai commandé de The city and the city » de China Miéville, « dont j’ai illustré la couverture (malheureusement, ce n’est pas pratique courante que de recevoir gracieusement une copie du livre de la part de l’éditeur…).
J’admirai la qualité de cette couverture : la photographie est bien mise en valeur, elle est reprise sur la tranche et dans au dos de l’ouvrage, le noir et blanc se marie à merveille avec le rouge du titre et les lettres argentées en relief du nom de l’auteur. Au cours de cette inspection, mon regard tombe fortuitement sur une mention en quatrième de couverture… mon nom !!

J’avoue que, par habitude, je ne cherchais même plus cette marque légale. Sur les quatre livres précédents que j’ai réussis à me procurer parmi les thrillers que j’ai illustrés, aucun ne respectait, sur ce point, le droit d’auteur.

 

Me voilà dans une position bien délicate…

Dois-je crier au miracle, me répandre en louange sur cet éditeur respectant ce qui est tout simplement mon droit, faire un mot de remerciement, avertir la terre entière que ce dos de couverture anglais indique mon nom (pas bien loin de celui de Neil Gaiman !!)?!
Ou me faut-il juste m’écrier « Eh bien, pour une fois… ce n’est pas trop tôt ! » d’un air un peu désabusé ?

J’avoue que je ne suis pas décidée…
Je reste donc muette devant cet événement planétaire et vous laisse la parole ! ;)

Le concept même d’instant décisif, cher aux amateurs de photographie, hérité de la photographie humaniste et des photo-reporters est parfois trompeur.

Cette idée met l’accent sur une certaine instantanéité de l’image. Il s’agit d’un moment précis à saisir grâce à l’appui sur le déclencheur. Ainsi, nous nous percevons à l’affut, traquant le sujet et déclenchant dans la foulée sur un laps de temps proche du soixantième de seconde. 

Or la photographie n’est pas une discipline aussi instantanée qu’on le pense. Elle est faite d’anticipation, de réflexion… de patience et de persévérance.
S’il peut arriver qu’une image se présente à nous dans un délai court et que nous ayons à réagir au quart de tour pour la capter, ce scénario est loin d’être le plus répandu. 

 

Je vous fais partager aujourd’hui une prise de vue datant d’il y a quelques semaines et vous invite dans les coulisses de la création d’images en mode « planche contact« .
Nous sommes dans dans une situation typique de photographie classique : prise de vue en ville, un décor, des passants… La photographie humaniste n’est pas bien loin !
Les exifs sont là pour nous donner le timing.

(La planche contact peut être agrandie par un clic)

 

Balade photographique dans Paris, donc. Ma série en diptyques est très présente à mon esprit.
Je cadre en carré en me laissant attirer par des visions anecdotiques, en me laissant envahir d’états d’âme qui correspondent à la saison et à la météo.

 

A 12h15, je repère, de très loin, un bonnet rouge. Je traverse la route sur le pont de Sully et je prends cette photographie de repérage, sans même y penser (cf photo ci dessous, à gauche). L’homme au couvre chef rouge au milieu des oiseaux, devant la Seine, cela me semble être une vison suffisamment évocatrice pour que l’on s’y attarde. Cette image n’est pas faite pour être gardée mais marque mon intérêt pour cette vision entrevue.

Je rejoins le square Barye, sur l’île Saint Louis.
12h17, je prends le temps de photographier un autre type, assis sur le rebord d’un muret puis je me penche au dessus de la balustrade pour retrouver mon « bonnet rouge ». La vision de dessus n’est pas la plus adatée, l’image semble un peu bancale et la posture du gars n’est pas très visible.
Encore quelques photos de l’autre homme puis je décide de descendre sur les quais, à cette extrémité de l’île Saint Louis. 

12h24, Je m’intéresse dans un premier temps à cette vision de l’homme, de loin, avec un arbre tortueux au premier plan. Sa silhouette ne se détache pas bien car elle se superpose à l’horizon.
Ni une, ni deux (l’endroit est calme et désert, j’ose), je monte sur l’un de ces gros bancs blancs qui jalonnent les quais parisiens. Ainsi, mon angle de vision est bon. 

On sent, en visualisant la planche globale que cette vision me plait car je multiplie les vues, attendant qu’un peu de vie se crée autour de l’homme. Je me doute que cette quantité de pigeons peut être de bon augure pour moi.  
Par bonheur, quelque chose les fait s’envoler et les volatiles agrémentent mon image par leur présence dans l’arbre et aux alentours. J’aime bien la disposition des différents éléments et l’ambiance qui se dégage de cette image ; je crois que cette photographie méritera d’être mise en valeur par un traitement approprié et exploitée !

12h26, je descend de mon banc. Vient maintenant la problématique de l’approche.
Hors de question, bien sûr, de débarquer comme un chien au milieu d’un jeu de quilles, faisant s’envoler des pigeons et troublant l’homme dans sa méditation ! Impossible, non plus, de m’avancer subrepticement comme si je souhaitais le photographier en cachette.
J’essaie donc de m’approcher à pas lents sans photographier jusqu’à pouvoir m’adresser à mon modèle. D’un hochement de tête, il me donne l’autorisation de le photographier et je peux continuer mes images.

12h27, je perçois assez vite l’intérêt de ce panneau à la flèche bordée de rouge, symbolique et à la couleur rappelant le bonnet. Je cherche donc un cadrage construit autour de ces deux éléments principaux.
Si la tête « bute » contre le pont à l’arrière plan, la photo n’est pas lisible, je relève donc légèrement mon angle de vue afin que le personnage s’inscrive dans l’espace laissé sous le pont.
A 12h28, au moment où il baisse la tête, les mains enfoncés dans ses poches, la posture est bien lisible et particulièrement expressive. Notre Dame, en arrière plan, donne un petit plus à cette image. C’est la photographie que j’utiliserai pour le diptyque « Réconfort ».

Je sais déjà que j’ai les images qu’il me faut de mon sujet mais j’avoue que je me sens bien, au finistère de l’île de la Cité, dans le calme de la Seine et le froid de décembre.
Pendant 3 ou 4 minutes supplémentaires, j’essaie d’exploiter la présence des pigeons au sol en adoptant un point de vue plus bas. Cela ne s’avère pas particulièrement payant, ces sacrés volatiles ayant la manie de s’éloigner dès que je m’approche et s’agglomérant bien souvent en un tas informe.

Il est 12h35 lorsque je m’éloigne après un mot de remerciement à l’homme, touchée par cette rencontre muette au milieu du tumulte parisien et enrichie de quelques bonnes images.

 

Loin de rechercher à figer un instant, j’ai donc essayé, pendant ces 20 minutes de prendre le temps de l’approche pour apprivoiser mon sujet, trouver le bon angle, peaufiner mes cadrages et déclencher au bon moment.
Mais est-ce vraiment l’instant T, à 12h28 et 8 centièmes de secondes qui est le plus décisif ?

Certains photographes ont l’habitude de s’immerger dans un milieu, une culture pendant plusieurs jours avant de prendre la moindre de photo et passent parfois plusieurs mois voire années à faire des repérages, travailler une série… Le temps est décisif bien plus que l’instant !

 

Comme vous le savez, je ne prémédite pas mes diptyques. Je ne pars pas à la chasse à l’image complémentaire. D’ailleurs quand j’ai vu ce panneau « interdit d’être triste », je n’ai pas spécialement pensé à notre homme au bonnet rouge. Il est important d‘être pleinement dans l’image que l’on cadre et d’oublier momentanément celles que l’on vient de faire lorsque l’on photographie !
Ainsi, ce n’est qu’aujourd’hui sur ma « planche contact » que je me suis rendue compte que les deux images que j’ai assemblées pour mon diptyque ont été prises à 15 minutes d’intervalle, sans que j’aie fait d’autres images pendant ce laps de temps.
Hasard, disiez-vous ?!

Le titre de cet article « Persévérance photographique (comment créer l’instant décisif) » vous semble peut-être un tantinet abusif…
« L’instant décisif ne se crée pas ! C’est le hasard, une coïncidence , la chance ! », avez-vous sans doute envie de rétorquer !

Pas si sûr ! Car votre instant décisif ne correspond pas juste à un moment.
Celui-ci sera différent selon ce que vous cadrez, votre angle de prise de vue et même, votre exposition. Bien souvent, d’ailleurs, si vous ne cadrez rien et n’anticipez pas, il vous passera sous le nez ! L’instant décisif n’existe pas en soi… c’est donc bien l’acte photographique qui crée ce moment clé.
C’est votre réceptivité qui déclenche l’opportunité d’une bonne photographique et non la chance.

 

Matthieu Raffard, dans son petit livre « La soif d’images », que je suis actuellement en train de « dévorer avec parcimonie et délectation »raconte :  » J’ai développé une aptitude à pressentir qu’une situation photographique va survenir. L’expérience m’a également enseigné que, lorsqu’il ne manque qu’un seul élément pour qu’une photographie ait lieu, celui-ci finit toujours par arriver. »

 

C’est ce principe qu’a respecté Marc Montméat, jeune photographe propulsé en quelques semaines sur le devant de la scène par son succès à Paris Photo pour sa photographie « Le choix ».
Que valent 15 minutes d’attente au regard de cette photographie et de l’engouement qu’elle a créé ?

 

Ainsi, anticipation et patience font partie des clés qui nous permettent de réussir de très bonnes photographies… qu’on se le dise !

Réconfort

J’ai l’impression que mon approche de la photographie évolue peu à peu…
Il y a quelques mois, quelques années, j’étais obsédée par une vision très globale de l’image. Je pensais composition, graphisme ; je voyais mes photographies comme un ensemble de formes, de lignes qui constituaient des objets, des lieux, des gens.

Cette manière assez personnelle de voir les choses est toujours présente bien sûr. 
La rigueur du cadrage, la force d’une composition, la construction graphique, tout cela crée la structure qui soutient mes images. C’est la trame sur laquelle j’écris mes émotions visuelles.

Mais je décèle autre chose qui s’y rajoute, comme une épice vient relever la composition d’un plat.
Depuis quelques mois (depuis que je travaille en diptyques ?), ma vision se complexifie pour s’intéresser à la fois aux lignes de constructions, aux points forts, mais aussi aux petits détails qui jalonnent l’image.

Mon attirance pour l’anecdotique crée en moi une réceptivité parfois étrange à un simple mégot crasseux, à la texture d’un mur, à la forme d’une branche…
Des éléments qui semblent à la majorité des gens secondaires voire insignifiants. 

Parfois, je photographie ces seuls éléments.
D’autres fois, ils apparaissent dans mon cadre sans que je les aie vraiment sélectionnés consciemment et ils enrichissent mes images.

J’apprécie alors de découvrir que le monsieur promenant son chien est en charentaises, qu’une plante a poussé le long du mur, que le tuyau est rouillé… Je me réjouis de constater qu’une petite feuille morte s’est déposée dans un coin ou que le sol est partiellement mouillé, créant des formes étranges sur le bitume…

A l’ère du numérique, tout défaut peut-être éradiqué en quelques secondes. Je mentirais si j’affirmais que je n’ai jamais effacé une cigarette au sol, une tâche quelconque, une poussière, un élément parasite !

Maintenant que la technique nous permet tout cela facilement, nous sommes à l’heure du choix.
Chaque rugosité dans l’image nous laisse face à une alternative : garder ou supprimer.

Souhaitons-nous nettoyer nos images de toute aspérité quitte à les rendre irréelles voire insipides ? Ou pouvons-nous laisser la place à ces défauts, les intégrer dans notre recherche esthétique, les accepter comme faisant partie intégrante de nos photographies ?
Je pense que les deux positions se valent. L’intention esthétique et sémantique détermine notre choix à ce sujet…
Et vous, quel est le vôtre ?

Une phrase bien connue dit que l’on commence par aimer notre conjoint malgré ses défauts, puis qu’on l’aime avec ses défauts… et qu’enfin, on finit par l’aimer pour ses défauts.
Je me demande s’il ne peut pas en être de même avec une photo…

Réconfort

Depuis quelques mois, je m’interroge sur la diversité de ma production photographique.

Suis-je celle qui papillonne, qui se disperse ?
…celle qui ne sait pas choisir un sujet et s’y tenir ? Qui ne sait trouver un rendu ? Avoir un style ?

J’ai tendance à considérer la pluralité de mes images comme un défaut, un inconvénient à gérer.

En effet, sur un plan professionnel, il est de bon ton de dire qu’il faut se spécialiser pour réussir. Ainsi, on peut être identifié dans un milieu et devenir une référence en la matière.
On a le plus souvent besoin d’une étiquette, d’une identification claire, dans cette société où l’on aime bien ranger les gens dans des cases !

Artistiquement, l’unité d’approche et l’intérêt pour un type de sujet constituent souvent les fondements d’un style.
Nature, noir et blanc et pose lente pour Kenna, vu du ciel pour YAB, terre à terre et flashy pour Martin Parr.
Photographier de manière aussi ouverte que je le fais destabilise forcément les visiteurs qui se demandent fatalement : A quoi s’intéresse-t-elle ? Quel est son style ? Quelle est son approche artistique ?
La diversité n’est pas très bien considérée car elle vous rend insaisissable et plus difficile d’accès.

Alors pourquoi ne pas me prendre par la main une fois pour toute et me couler dans le moule, décider d’une spécialité ?
La question mérite d’être posée !

Eh bien, j’ai tendance à trouver cela terriblement frustrant et restrictif.
A vrai dire, j’ai bien l’impression que cela ne correspond pas à ma personnalité. Je n’ai pas l’âme d’une spécialiste.

J’aime croiser les disciplines pour en créer une nouvelle, envisager d’aimer la photographie comme la musique et la cuisine… Il faut bien se rendre à l’évidence : je ne rentre pas dans les cases.
Les tests des magazines féminins ? Je suis celle qui a toujours autant de triangles, que de carrés, que de ronds… Celle qui n’a jamais « une majorité de… » !

Une scientifique littéraire, aimant la rigueur mathématique autant que les mots…
Une artiste cartésienne conciliant pragmatisme et logique avec l’instinct inexplicable de la création…
Une photographe professionnelle souhaitant s’exprimer en images tout en vendant ses productions…
Tout un programme !

Ainsi, j’écris ce billet d’humeur en mode « Méthode Coué ».
Car, effectivement, il m’est difficile de considérer ma manière d’être de photographier comme une richesse.

Essayons donc, plutôt que de vouloir se renier d’une certaine manière, en regrettant ce trait de personnalité d’envisager ma diversité comme acceptable… voire comme un plus.
C’est l’objet de la réflexion du jour : et si ma pluralité était une qualité ?!
Lançons-nous dans un essai d’éloge à la diversité.

 

Comme vous allez le constater, cette réflexion en est à ses prémices.
J’ai pensé qu’il serait intéressant d’échanger nos points de vue, de construire quelques éléments de réponses ensemble, et de découvrir où cette conversation peut bien nous mener !

Ainsi, j’ai élaboré un questionnement plutôt que des affirmations pour définir quelques problématiques phare.
Après tout, savoir bien poser une question, c’est déjà presque connaître la réponse non ?! ;)

Comment faire de la diversité d’approches photographiques un atout ?
Et si cette richesse pouvait être le fondement d’une démarche photographique ?
Et si la complémentarité des images, la diversité d’approches pour un même regard pouvait m’amener un à un travail réellement particulier, unique ?

Pourquoi ne pas envisager une série qui associerait des images de styles différents dans un but bien précis ?
Pourquoi ne pas croiser des domaines photos, des sujets qui ne s’associent pas habituellement pour trouver un thème de série tout à fait inédit ?

Simple constatation : Les Beatles (par exemple) ont réalisé des albums avec des chansons de styles très variés, ce qui leur donne une richesse particulière.
Le style, qu’il soit musical ou visuel, pourrait-il donc s’affranchir d’une unité de sujet, d’émotion ?

Pourrait-il être plus gratifiant, quoique plus difficile, de chercher un style relié par quelque chose de plus subtil que ce que l’on trouve habituellement (sujet unique, uniformité de rendu) ?

Force est de constater que pour une éventuelle activité de rédactrice photo (pour des articles tels que je les propose sur ce site), la pluralité de mon travail photographique professionnel et artistique est un réel atout.

Mon expérience dans de nombreux domaines, sur un grand nombre de sujets me permet de donner des conseils adaptés pour réaliser différents types d’images.
Ces diverses approches vous donnent la possibilité de visualiser des illustrations variées et complémentaires pour un même article, entièrement réalisé par mes soins.

Il s’agit là de considérer la pluralité de mes photographies mais aussi l’association de compétences aussi diverses qu’analyser une pratique, élaborer un plan, rédiger un article, mettre en page le texte et les images, gérer techniquement un site internet etc.

Ainsi, je ne sais pas encore exactement quelles réponses je vais pouvoir trouver à ce questionnement, ni comment, concrètement, je vais pouvoir exploiter cet esprit d’ouverture dans le cadre de mon activité photographique.
Cependant, il me semble que cette réflexion donne quelques pistes plus ou moins définies à suivre… et j’ai hâte de savoir où elles vont me mener !

 

Et vous, êtes-vous de ceux qui pensent que « choisir c’est renoncer » ou que « choisir, c’est s’affirmer » ?!
Quels avantages pouvez-vous trouver à la pluralité de mon travail photographique ?
Comment caractériseriez-vous mon « style » ?

Eh oui, cette semaine, c’est vous qui écrivez l’article !
A vos claviers ! ;)

Êtes-vous auteur ?

Allez, je me permets de répondre à votre place… Oui !
Si vous venez sur ce site, c’est sans doute que vous avez au moins une fois déclenché avec un appareil photo, ce qui correspond à un acte de création.
On appelle cela une « oeuvre de l’esprit« , et elle fait de vous un auteur, quels qu’en soient son sujet et sa qualité.

Art. L. 111-2. L’oeuvre est réputée créée, indépendamment de toute divulgation publique, du seul fait de la réalisation, même inachevée de la conception de l’auteur.

Et cela, forcément, ça fait des jaloux !
Il y a toujours quelqu’un pour convoiter ce dont vous êtes l’auteur et pour tenter de vous faire oublier les droits qui en découlent.

Alors, comme on n’a rien contre de se faire exploiter par plus puissant, plus riche et plus malin que nous, on offre généreusement (et béatement) le fruit de nos compétences.
Comme vous vous en rendrez compte bien vite, les arguments présentés sont absolument imparables, résolument convaincants, surtout pour celui qui les énonce.

Ci-dessous, donc, un petit guide pour vous aider à mettre toutes les chances de votre côté pour vous faire déposséder de vos droits les plus stricts. ;)

 

Le premier argument choc : « AMOUR, GLOIRE ET BEAUTE ».
Votre photo est vraiment top (beauté). On s’est pâmé en la voyant, on ne se lasse pas de la regarder, on est super admiratif, et on l’apprécie à mooort (amour) ( en [ mode léchage de bottes = ON ] ).
Y’a un truc qui est génial quand on va utiliser votre photo, c’est qu’il va y avoir votre nom à côté.
Et là c’est la notoriété assurée, le monde à vos pieds. Fierté sur 5 générations (gloire).

Le trouble-fête : Ce qu’il faut savoir, c’est que la mention du nom de l’auteur n’est pas un cadeau, une monnaie d’échange, c’est un droit. Donc, si vous êtes payés, vous aurez à la fois une rémunération justement gagnée et votre nom d’indiqué (normalement… hum!).
Comme vous le savez, on a tous, à un moment dans notre vie, notre petite heure de gloire.
Pas besoin de se faire arnaquer pour cela ! Vous aurez votre heure de gloire. C’est statistique. Soyez patients !
Et sachez que, dans notre société, la rémunération constitue la seule vraie reconnaissance pour votre travail.
Sans rémunération, ignorance et mépris sur 5 générations… de clients à votre gratuité.

 

2ème arme à bout portant, LE DENIGREMENT.
De toute manière, votre photo est loin d’être exceptionnelle.
Vous n’êtes sans doute qu’amateur, ou alors un professionnel parmi tant d’autres. Votre image, il suffit d’avoir un appareil semblable au vôtre pour la faire. Alors, bon, faudrait pas trop en demander non plus.
C’est déjà bien sympa qu’on la prenne et qu’on la montre votre photo, afin que vous puissiez accéder enfin à votre heure de gloire. Alors vous n’allez tout de même pas réclamer plusieurs dizaines d’euros pour cette image sans intérêt.

Le trouble-fête : On ne le répète jamais assez, une photo ne se facture pas selon son originalité (malheureusement…)!
Vendre une photo, c’est comme vendre un pot de moutarde. Le seul fonctionnement qui vaille, c’est la loi du marché. L’offre et la demande. Un client potentiel veut ces photos donc elles valent quelque chose !
C’est l’intérêt que l’on porte à votre image qui fait sa valeur. Voilà pourquoi on essaie toujours de vous faire croire qu’elle n’est pas mieux qu’une autre !
N’est-il pas étrange que l’on insiste tant pour utiliser votre image (bien sûr à moindre frais) alors qu’elle n’a justement aucun intérêt ? Il y a comme un hic, c’est sûr, et forcément une belle hypocrisie dans l’air.

 

3ème méthode assez prisée : LE CONCURRENT IMAGINAIRE.
J’ai remarqué que mes clients potentiels ont toujours à disposition un autre photographe qui peut faire le boulot à notre place ou livrer des photos aussi bien. Le tout selon des conditions ultra avantageuses.
L’autre, le concurrent, il a des tarifs défiant toute concurrence et file ses images en « libre de droits » bien sûr (cf la 6ème leçon). Il est sympa, arrangeant, (beau, musclé, il sent bon le sable chaud).
Généralement votre client éventuel n’a pas encore rencontré ce concurrent imaginaire. Ils ont rendez-vous la semaine prochaine et l’autre va lui exposer en long, en large et en travers tout ce qu’il va lui offrir gratuitement.
Alors, un conseil, alignez-vous sur ce type formidable pour obtenir le contrat !
Ainsi, vous aurez l’ultime satisfaction d’avoir gagné la partie en larguant tous vos droits pour des clopinettes. Cooool.

Hum, je veux bien croire que certains photographes, qu’ils soient amateurs ou professionnels cassent le marché. Mais ce n’est pas une raison pour tomber dans un panneau aussi gros. La première et la deuxième fois, parfois on y croit. Mais à force, on doute. Il vit comment ce photographe fantôme ? Et que fait-il comme photos ?
Car c’est là votre argument phare. Le spectre a des conditions soit-disant défiant toute concurrence, mais il ne fait pas vos photos à vous. Et là, justement, on négocie pour VOTRE travail.
Et, vos images, elles ne se bradent pas sous la pression d’un concurrent imaginaire.
Celui-ci a d’ailleurs une bien faible considération de son propre travail pour céder les images comme il le fait (de manière supposée). Vous pouvez donc en déduire que ses photos sont beaucoup moins bien que les vôtres sinon il les défendrait mordicus comme vous êtes en train de le faire. Non mais !

 

4ème truc à tenter : LA CONTRE-PARTIE.
Ils ne sont vraiment pas gênés ces photographes. Prendre en photo tout et n’importe quoi de cette manière : des bâtiments architecturaux créés par d’autres, des gens qui se sont faits beaux le matin et dont ils vont, sans aucun scrupule, exploiter le charme et le mode vestimentaire, une voiture dessinée par un génial ingénieur, des rues nettoyées par les services municipaux, etc.
Des vraies pies voleuses.
En fait, ça ne crée rien un photographe ! ça ne fait que prendre ce qui a été réalisé par quelqu’un d’autre ! Ben voyons, et en plus ça se prend pour un artiste. Pffff…
Du coup, en manoeuvrant un peu, on peut toujours leur faire croire qu’on est en droit d’utiliser leurs images !!

Le trouble-fête : Hum, qu’est-ce que c’est que ces bêtises ?! « Rien ne se perd, rien ne se crée » a dit Lavoisier. Et c’est valable en chimie comme dans toute autre discipline. Mais est-ce que l’on peut destituer un compositeur de son acte de création sous prétexte qu’il utilise les mêmes notes et ryhtmes que tout le monde ? ou un peintre parce qu’il interprète ce que Dame Nature nous a généreusement offert ?!
Pourtant, certains organismes s’efforcent à vous faire croire que leur faire cadeau, purement et simplement, des droits d’utilisation de vos images est une juste contre-partie pour vous avoir permis de les faire, ou de les utiliser.
Offrir quelques tirages à un modèle en contre-partie du temps passé en pose se fait assez couramment.
Mais personne ne peut mettre de conditions à l’utilisation de vos images si elles ne présentent pas elles-même une oeuvre protégée reconnaissable ! Un animal élévé, une fleur cultivée, même photographiés dans un parc privé ne peuvent raisonnablement être sous le coup d’un droit d’auteur !
Est-ce qu’Alain Souchon doit offrir une bière ou un CD, ou même une rémunération pour citer Sulitzer ?!
Impose-t-on à Vincent Delerm certaines conditions pour chanter « Châtenay-Malabry » ?!

 

5ème astuce pour des sans-scrupules : Des promesses ! Toujours DES PROMESSES !
Lors d’une réception, vous faites une prise de vue pour votre client. Vous êtes un prestataire au même titre que le traiteur, le fleuriste, le décorateur. Et vous mettez en valeur, dans vos images le travail de tout ce petit monde.
Du coup, le traiteur voudrait bien utiliser pour sa comm des photos dont il n’a pas payé la réalisation ! Il aimerait beaucoup ne pas vous rémunérer non plus la cession de droits correspondante.
Alors il fait valoir ses arguments (infaillibles !! hum…).
Vu qu’il a plein de contacts en lien avec ce genre de réceptions, à coup sûr, il va pouvoir vous recaser quelque part ! Parfois même il organise lui-même des réceptions et du coup, vous auriez peut-être la chance de devenir son photographe attitré si vous lui filiez gentiment les jolies photos qui traînent sur votre ordi. C’est sûr, vous ne pouvez pas refuser une telle offre pour l’évolution de votre carrière !
Des contacts facilement obtenus, une collaboration sans doute régulière, des contrats juteux par dizaines !! C’est l’opportunité du siècle, vous vous en rendez-compte dans l’instant.

Le trouble-fête : Mais que vaut cette promesse au fait ? Des photos existantes contre des contrats supposés ?! Non non non ! Comment croire à ce genre de proposition, dont on décèle toutes les ficelles ?!
Et pourtant, le désarroi dans lequel votre situation personnelle, professionnelle ou financière peut vous plonger peut vous faire perdre toute clairvoyance.
Ne tombez pas dans le panneau ! On veut juste vous extorquer des photos.
Pas de promesse qui tienne sans accord contractuel.
Si, réellement, votre contact peut jouer les intermédiaires et vous apporter des contrats, alors il est possible « d’échanger » ces opportunités contre quelques droits photos. Le pourcentage correspondant à un travail d’agent contre une cession de droits… et cela doit être bien réfléchi pour être équilibré. Mais exprimez clairement le fait que cela ne peut être envisagé que pour les contrats à venir et non contre des promesses.

 

En numéro 6… l’argument choc du fameux LIBRE DE DROITS
ça y est, on va vous acheter vos images. Le monde de la photographie professionnelle ouvre ses portes devant vous. Par contre, votre client exige du « libre de droits ».
Déjà qu’il n’est pas facile d’estimer le coût d’un travail photographique et d’une cession de droits, mais en plus, si cette cession est valable pour des années en publicités au format quatre par trois, en produits dérivés vendus (livres, cartes postales, packaging…) … quelle galère pour envoyer un devis !
Mais comme on débute et l’on n’ose pas réclamer une trop haute rémunération, malgré le caractère déraisonnable de ce qui nous est demandé, on fait en sorte que la facture ne soit pas exorbitante tout de même.

Le trouble-fête : Grave erreur ! Non seulement vous vous faites voler purement et simplement vos droits pour une somme modique, mais en plus, vous vous mettez dans l’illégalité totale !
Comme en témoigne l’extrait du Code de la Propriété Intellectuelle présenté ci-dessous, le concept de « libre de droits » ne respecte pas la loi française.
La cession de droits, pour être valide, doit comporter la mention précise de toutes les utilisations possibles de votre image, limitées dans l’espace et dans le temps. Une cession qui ne respecte pas ces conditions peut être considérée comme non valide.
Faites-le bien comprendre à votre client ! Souhaite-t-il se retrouver avec une cession de droits non valide ?! Ses exigences pourraient finalement avoir un retour de bâton bien douloureux…

Imaginez cependant que vous vouliez accédez à sa requête.
Vous vous voyez donc dans l’obligation de lister toutes les cessions éventuelles que pourra souhaiter utilisez votre client, le tout sur une durée de… admettons 70 ans, dans le monde entier (voire les nations extra-terrestres prochainement colonisées), puis d’additionner tous les tarifs correspondant au barême UPC pour les cessions de droits photographiques (document à conserver en favori pour tout bon photographe pro ou amateur qui se respecte).
Croyez-vous vraiment que votre client soit susceptible de payer une telle somme, tout ça pour avoir le plaisir de devoir éviter de vous recontacter et de débourser à nouveau par la suite ce qu’il vous doit ?!!
Ainsi, n’hésitez pas à expliquer à votre client que c’est pour ne pas avoir à lui faire débourser la somme de tous les tarifs UPC que vous lui proposez une cession de droits bien spécifique !
C’est pour qu’il fasse des économies !

 

7ème argument : Le pack AVEC LA PRISE DE VUE
C’est vrai quoi. Votre client a déjà payé la prise de vue (plusieurs centaines d’euros car vous coûtez un prix fraaaanchement exorbitant). Il ne va pas, en plus (!), dépenser pour une cession de droits !
Puisqu’il les a payées ces photos ! Enfin quoi, elles lui appartiennent, non ?

Quand je disais que le fait d’être « auteur », cela fait des jaloux !
Faisons simple, de votre vivant, vos photographies vous appartiendront toujours.
Le droit d’auteur est « perpétuel, inaliénable, imprescriptible ». Vous ne pouvez pas le vendre. Il ne peut vous être volé.
Que vous ayez fait une prise de vue pour le compte d’un client, photographié ses biens, son visage… cela ne remet pas en cause cet état de fait. Vous êtes propriétaire de l’image et vous jouissez de vos droits.
Les clients ont souvent bien du mal à penser qu’il leur faut payer pour faire faire les images puis pour les utiliser. Mais il s’agit bien de deux choses très distinctes !

La prise de vue correspond à un temps de travail.
Le client rémunère le temps passé, l’utilisation d’un matériel coûteux, la possibilité d’avoir des photographies sur mesure de ses propres produits (et non des images impersonnelles de microstocks !).
La cession de droits correspond à une contre-partie contre l’utilisation de vos images.
Tout comme un musicien touche des droits sur ses compositions lorsqu’elles sont diffusées à la radio, à la télé, utilisées dans une publicité, comme un écrivain touche des droits lorsque son livre est vendu, traduit, quand ses écrits sont reproduits, il est normal que vous touchiez quelque chose (cf barême UPC) lorsque vos images sont montrées et qu’elles servent commercialement à une entreprise. Que ce soit pour son site, ses brochures, ses publicités, ses produits dérivés, vos photographies servent l’image de marque de votre client.
Pour qu’il puisse les utiliser, vous lui cédez un droit de reproduction, contre rémunération.

Art. L. 111-1. L’auteur d’une oeuvre de l’esprit jouit sur cette oeuvre, du seul fait de sa création, d’un droit de propriété incorporelle exclusif et opposable à tous.
Ce droit comporte des attributs d’ordre intellectuel et moral ainsi que des attributs d’ordre patrimonial, qui sont déterminés par les livres Ier et III du présent code.
Art. L. 111-3. La propriété incorporelle définie par l’article L. 111-1 est indépendante de la propriété de l’objet matériel.

Art. L. 121-1. L’auteur jouit du droit au respect de son nom, de sa qualité et de son oeuvre.
Ce droit est attaché à sa personne.
Il est perpétuel, inaliénable et imprescriptible.
Il est transmissible à cause de mort aux héritiers de l’auteur.
L’exercice peut être conféré à un tiers en vertu de dispositions testamentaires.

 

Nous voilà au bout de nos leçons ! Sept… consédéré comme chiffre parfait… un symbole d’universalité… hum !
Ces arguments pour nous embobiner sont universels, à ne pas en douter… :(

Si cet article me tient à coeur, bien que rédigé sous forme humoristique histoire de dédramatiser un peu des situations parfois vraiment difficiles à vivre, c’est que tous ces types de pression, je les ai vécus, expérimentés.
Les gens sont sans scrupules. Chacun pour sa pomme.
Ils profitent de votre manque de confiance en vous, de la naïveté du débutant, d’un éventuel besoin d’argent de la personne qui est en face d’eux pour arriver à leurs fins et faire économiser plusieurs centaines voire milliers d’euros à leur entreprise déjà extrêmement lucrative (on comprend pourquoi).

Je dois vous avouer que moi-même, je suis parfois tombée dans le panneau de certains de ces arguments.
Enoncées clairement, certaines choses semblent évidentes, mais dans le flou d’une carrière professionnelle non balisée, dans le cadre d’une négociation stressante, ces moyens de pression peuvent être efficaces.
Je ne suis donc pas en train de vous faire la leçon. Je tiens juste à vous mettre en garde.
Maintenant que j’ai les idées plus claires à ce sujet (mais cela prend des années…), j’ai voulu vous faire partager, sur un ton léger, des tas de petits trucs qui peuvent vous servir pour négocier vos contrats.
Repérez bien ces arguments et la manière de les déjouer !
A votre tour, faites-nous part de vos réponses aux sollicitations souvent « limite » de vos clients effectifs ou éventuels.

Cet article vient en réponse des dizaines de demandes qu’on lit chaque jours sur les forums photo.
Combien dois-je vendre mon image ? On me demande de la céder définitivement, que dois-je faire ?
Alors une fois n’est pas coutume, je vous encourage à diffuser cet article ( Sur votre blog, les forums que vous visitez, en lien sur facebook, en twitt etc…) si vous pensez qu’il peut constituer une bonne réponse à ces problématiques et aider amateurs et professionnels non aguerris à y voir plus clair dans le jeu de leurs clients.

Le jeu…
La négociation peut être prise comme un jeu, parait-il… « Gagnant-gagnant » qu’ils disaient !
J’espère de tout coeur que les photographes sauront mettre toutes les chances de leur côté pour sortir « gagnants », effectivement, de ces confrontations dans un milieu où sévit la loi du plus fort.
Prenons conscience que, sans aucune doute, 2 contrats perdus pour de bonnes raisons (ne pas se faire arnaquer !) sont rattrapés par un contrat bien négocié (et rémunéré correctement) ! :)

 

Pour terminer à nouveau sur une note d’humour, je vous conseille vivement le visionnage de cette video.
Même les peu-anglophones comme moi en comprendront suffisamment pour réaliser à quel point les sollicitations que l’on vous fait pour céder vos images sont ridicules et hors de propos dans le cadre d’une collaboration commerciale correcte.
Cherchez-vous une contrepartie à offrir à votre opérateur téléphonique pour éviter de régler le coût de votre abonnement ?
Négociez-vous le montant de vos courses au supermarché ou la note du garagiste ?
Y’a-t-il une carte d’abonnement « libre de droits » (servez-vous gratos !!!) dans votre boulangerie la plus proche ?!

Alors pourquoi accepter de telles pratiques pour la vente de nos images ?
Un prix, c’est un prix, même quand il s’agit de photographie.

Les citations encadrées correspondent à des textes de loi tirés du Code de la Propriété Intellectuelle.
Le contenu de l’article ci-dessous est purement subjectif et ne dispense pas tout auteur l’ayant survolé de faire preuve de dicernement dans la négociation de ses contrats.
Ainsi, chacune de vos décisions vous est personnelle ; aucune ne peut m’être reprochée. :)

Comme pour chacun des actes de la vie, faire de la photographie signifie faire des choix.

Choix conscients, choix inconscients, choix importants, micro-choix, choix artistiques, choix techniques, choix à long terme, choix ponctuels, choix individualisés ou groupés… tout cela regroupe une multitude de possibles, d’alternatives qui constituent la marge de liberté du photographe.
Autant dire… une marge énorme !

FAIRE DES CHOIX ?

N’est-il pas formidable d’avoir le choix ?!
N’est-ce pas ce qui rend nos photographies réellement… subjectives ?!

Les choix, facilement identifiables, que font les photographes constituent la partie émergée de l’intention photographique. Ceux-ci dénotent d’un réel investissement, d’une attitude attentive voire perfectionniste du photographe qui souhaite réussir ses images et y exprimer quelque chose.

Il est depuis longtemps établi que la photographie ne consiste pas à «appuyer sur le bouton», ce qui serait la forme la plus primaire de laxisme photographique !
Toutes ces décisions ne transparaissent pas toujours de manière évidente lorsque l’on regarde une image, mais ce sont elles qui font la noblesse de la photographie lorsqu’elle est investie d’une réelle démarche.

Chacun d’entre nous a la capacité de progresser en photographie en prenant conscience des choix qu’il oublie de faire, et en considérant avec recul ses décisions techniques et artistiques.

 

Cependant, que les choses soient claires !
Loin de moi l’idée de militer pour une dictature de la prise de tête photographique !!

Chacun, à son niveau et selon les moments, travaille plus ou moins certains choix.
Nous y reviendrons.

Pour certaines personnes (débutants en photo par exemple) ou dans certains contextes (photo plus décontractée), intervient également le choix… de ne pas choisir !
Ainsi, le «mode vert» est un choix… de «non-choix».
On s’autorise à renoncer à une certaine maîtrise au niveau des réglages, et cela peut être tout à fait louable, si l’on décide d’oublier le couple diaphragme/vitesse pour mieux se concentrer, par exemple (vous me connaissez ;) ), sur le cadrage.

J’avoue, cependant, que j’ai du mal à accorder du crédit à ceux qui érigent leur absence de choix … en choix.
Cette démarche conceptuelle, peut-être valable en galerie d’art avec une explicitation théorique vraiment aboutie (sans aucun doute bien plus «prise de tête» qu’un déclic photographique réfléchi !), est tout de même un peu éculée, et hors de propos lorsqu’il s’agit de photographier son jardin pour agrémenter son site internet !!
En peinture abstraite ou ailleurs, on sait combien il faut maîtriser les techniques de base et l’expression artistique avant de pouvoir s’aventurer avec brio dans un acte de création plus spontané, voire intuitif.

CHOIX CONSCIENTS ET INCONSCIENTS

Je ne crois pas qu’il soit réellement possible d’avoir en tête de manière consciente tous les choix à faire pour réaliser une photographie.
Il me semble que toute personne souhaitant arriver à cela sans la moindre acquisition d’automatismes n’obtiendrait qu’une surcharge cognitive inévitable et un sérieux mal de tête !

Ainsi, nous avons tous nos priorités, et c’est en les faisant évoluer avec le temps que l’on progresse en photographie.
Dans mon propre parcours, je pense avoir tout d’abord travaillé le cadrage et la composition, pour aller progressivement vers une compréhension des réglages de l’appareil et une utilisation de la profondeur de champ.
Je vous passe quelques étapes : instant décisif, exposition, contraste, recherche de sens, etc.
Récemment, j’ai plutôt progressé en recherche de rendu tout en gardant à l’esprit tout ce que j’ai travaillé au cours de ces dernières années.

Certains des choix que j’ai beaucoup travaillés dans le passé sont quasiment automatisés si bien que je n’ai parfois besoin que de quelques millisecondes pour me décider sur un paramètre.
Heureusement !
Car en essayant, il y a quelques jours, de recenser les différentes décisions que doit faire le photographe pour une image, j’ai obtenu une liste de 25 choix, classés par catégories… Et rien ne dit qu’il n’y a pas quelques oublis !

CHOIX TECHNIQUES ET ARTISTIQUES

Les choix effectués peuvent être techniques ou artistiques. Pour tout dire, ils sont souvent les deux !
Disons que certaines décisions sont davantage dictées par une problématique technique, et d’autres par une démarche artistique. Chacune a sa dominante mais est composée de ces deux tendances.

La dominante d’un choix dépend également du photographe.
Ainsi, la détermination d’une valeur de diaphragme correspond, le plus souvent, pour moi, à une décision artistique (j’aime jouer avec les faibles profondeurs de champ) alors que pour d’autres, il s’agira d’un choix presque purement technique (pour quelqu’un qui souhaite optimiser sa netteté en macro d’insectes par exemple).

Sans doute pourrait-on dire que plus un choix nous éloigne de la photographie documentaire, descriptive, et plus il est artistique ?

ORDRE ET INTERACTION

Il serait idéal (et réellement réducteur) de pouvoir donner une liste de choix ordonnés qu’il suffirait de suivre pour faire une bonne image. Une sorte de recette de cuisine du photographe !!
Mais la réalité est tout autre.

Selon le contexte, la personnalité du photographe, son intention du moment, les décisions techniques et artistiques n’interviendront pas dans le même ordre, ni de la même manière.
De plus, chacune n’est pas une entité séparée que l’on étudie avant de passer à la suivante.
Certains décisions sont groupées, et certains choix agissent sur d’autres, élargissant ou restreignant chaque fois le champ des possibles.

Il s’agit d’un réseau entremêlé bien plus que d’une réflexion linéaire… et n’est-ce pas ce qui fait la richesse de la photographie ?

Ainsi, dans les semaines qui viennent, j’évoquerai tour à tour ces différents choix, de différentes catégories.
…bien entendu dans le désordre le plus complet puisqu’aucune présentation linéaire ne semblerait satisfaisante !! ;)

J’essayerai de traiter ces choix sur le plan technique (en me mettant à la portée des débutants) et artistique, en essayant d’aller le plus loin possible pour déterminer l’impact de chaque décision que nous prenons (ou ne prenons pas !).

Décorticage photographique en vue !!
Un sacré programme ! ;)

 

PS : Quel plaisir d’entendre Florence, mon élève en photo, quelques jours après notre première séance de travail, déclarer que désormais, ce n’est plus l’appareil qui a la main mise sur son image, qu’elle choisit elle-même sa zone de mise au point… et que ça change tout ! ;)

Ayons à coeur de proposer des images … de choix !

Je vois des lignes, des formes, des couleurs…
J’aime les pétales, les lumières électriques, les silhouettes indistinctes…
Je travestis le décor, j’y appose mes couleurs, j’oublie tout du contexte.
J’imagine un fantôme, un héros en quête initiatique, un manoir oublié…

Mes rêveries photographique me semblent être les images qui me ressemblent le plus.
Non descriptives à tout prix, aux compositions sobres et directes, aux ambiances intemporelles, oniriques, ces photographies sont sans doute mon évasion, ma manière de me détacher en quelque sorte de ce qui m’entoure et de modeler le monde à ma manière…

 

Mais…
Je vois aussi des affiches décollées, des mégots qui traînent, des tags sur les murs sales des villes…
J’aime le symbolisme des logos, l’ambiance terre à terre du métro, les craquelures dans le goudron…
Je croise des gens qui font leurs courses, des enfants qui sortent de l’école… Je pense aux photographes humanistes, à la véracité crue de leurs images, à notre société que l’on délaisse au profit des people, aux gens que l’on oublie derrière le « pouvoir d’achat »…

Est-ce un besoin, une envie, une lubie récurrente que ces phases de « photographie réaliste » ?
Une manière de s’ancrer à nouveau dans ce monde dont il faut bien faire partie avant de le fuir, encore une fois, au profit de ces histoires dont on peut inventer la fin ?
Mes exigences photographiques, esthétisme, rapport au sujet, créativité, concept, bagarrent et s’entremêlent pour m’offrir d’innombrables possibles… ou me perdre dans leurs dédales insondables…

Alors je me demande…

Cette schizophrénie photographique est-elle une course épuisante derrière deux lièvres à la fois ou une manière, pour moi, d’établir un certain équilibre ?

Le tableau présent sur la première photo est une oeuvre d’Olivier Suire Verley.

Souvent les photographes amateurs (ceux qui aiment et font de la photo, mais n’en font pas leur activité professionnelle principale) voient d’un mauvais oeil les revendications des professionnels. Ils pensent que les pros leur reprochent de faire de bonnes photos et de leur prendre leur boulot !!

Les photographes professionnels, eux (ceux qui veulent vivre de la photographie), s’insurgent parfois contre ceux qui donnent gratuitement leurs photos, ou les vendent peu cher…

Résultat, une scission professionnels / amateurs, à l’origine de discussions sans fin, de polémiques interminables…

Mais que les choses soient claires, selon moi, cette opposition se base sur des raisonnements erronés !
Elle est attisée par quelques-uns qui trouvent malin de défendre leur paroisse en dénigrant celle des autres, mais ne concerne pas, je le pense, la majorité des photographes.
Aimer et pratiquer la photographie est le point commun qui nous rassemble.
Notre souci à tous, amateurs et professionnels, c’est de défendre la photographie, de lui redonner, là où elle les a perdues, ses lettres de noblesse !

Petite mise au point tout à fait subjective sur ce thème…
Et comme vous allez le voir, tout le monde va en prendre pour son grade !! ;)

AMATEURS / PROFESSIONNELS : IL NE S’AGIT PAS D’UN JUGEMENT DE VALEUR !

Pour commencer, une chose doit être énoncée clairement : la distinction pro/amateur ne correspond pas à un jugement de valeur sur la qualité des photographies !

On oublie souvent que l’amateur est tout simplement “celui qui aime”, et parfois pratique… Il ne s’agit absolument pas d’un terme dévalorisant désignant ceux qui s’essayent vaguement à une discipline sans arriver à grand chose d’honorable (sous entendu « sans parvenir à gagner des sous par ce biais ») !!


 

Nous, professionnels, pourrions espérer que nos photos soient les meilleures, mais il faut avouer que ce n’est pas toujours le cas.
Est-ce choquant d’accepter que certaines photos d’amateurs puissent être considérées comme plus jolies que celles de pro ? Eh bien non ! Et cela pour plusieurs raisons :

- Si certains amateurs font des photos splendides, allons-nous nous en offusquer ? Le leur reprocher ?! Les professionnels vont-ils obliger les amateurs à faire de moins bonnes photos qu’eux ?! Cela me semblerait assez risible !

- Le travail du photographe professionnel n’est pas, contrairement à ce que l’on pourrait croire, de faire les meilleures photos possibles. Son travail consiste à réaliser les meilleures images POUR son client, selon ses besoins ! Et cette nuance est de taille !
Ainsi, un amateur qui fait des photos magnifiques de son propre chef ne fera pas forcément concurrence à un professionnel car il n’aura pas les mêmes compétences pour gérer les contraintes imposées par le client, et fournir LA photo qui correspond aux besoins pour une brochure, un site internet etc..
Ce n’est donc pas le même enjeu.

- Dans le même esprit que la remarque précédente, l’objectif d’un professionnel, c’est de vendre.

Et, malheureusement, ce n’est pas toujours la meilleure photo qui se vend le mieux…

De même, au niveau “éthique”, faut-il penser que les amateurs sont de ceux qui se contentent de la photo de famille et de vacances, quand les professionnels, du haut de leur statut flatteur, sont des artistes qui monnayent leurs créations ?!
Ce point de vue, pour le coup, serait sacrément réducteur !


Faut-il pour autant en conclure que les amateurs sont les vrais créateurs, désintéressés, poussés uniquement par le désir de créer, tandis que les professionnels ne sont que de vulgaires commerciaux, qui prostituent leur photographie ?!
Hum, j’en suis aussi peu convaincue !!

A nous de ne pas voir l’opposition amateurs / professionnels comme un jugement de valeur, mais comme une différence de statut.
Ce qui fait la différence entre les deux, c’est tout simplement le besoin, ou non, de vivre de ses photographies !

LA DEMOCRATISATION DE LA PHOTOGRAPHIE

Au cours de ces dernières années, le numérique a contribué à brouiller les limites, donnant plus de possibilités aux amateurs pour affiner leur travail (s’entraîner en numérique n’est-il pas, finalement, gratuit ?), et le présenter.
Je suis bien loin de voir d’un mauvais oeil ces photographies d’amateurs éclairés qui nous enchantent, parfois, de leurs images. Car moi aussi, bien sûr, je suis amatrice de photo !

Et s’ils souhaitent les vendre ou se proposer pour des prises de vue, tant mieux ! La qualité des photographies sur le marché s’en verra améliorée.

Je me réjouirais encore davantage de cette démocratisation de la photographie, si elle n’était pas synonyme de banalisation !

Selon moi, le seul motif d’opposition entre amateurs et professionnels, en photo, ce sont les conditions de cession des photos, les tarifs.
Les acheteurs potentiels de photos profitent trop souvent de la méconnaissance des amateurs sur les tarifs pratiqués, de leur envie (tout à fait louable) de voir leur activité reconnue par une publication, d’avoir leur nom près de leur image…
Vous êtes photographes amateurs ? N’acceptez pas de vous faire ainsi arnaquer par des gens qui vous laissent croire que vos images ne valent rien ! Vous croyez mettre vos images en valeur en les laissant utiliser par un site ou un magazine mais vous ne faites que les dévaloriser en les bradant, en les offrant !
Vous aussi, battez-vous pour que la qualité de vos images soient reconnue !
Pour que la photographie ne soit pas considérée comme un consommable que l’on peut acheter à bas prix ou extorquer à ses auteurs !

Le marché de la photo est dévalorisé par des images cédées gracieusement (sans mauvaise arrière pensée dans la tête de l’amateur) ou des tarifs défiants tout concurrence et à des années lumières de ceux pratiqués par des professionnels (qui reversent de la TVA, doivent y prélever des cotisations sociales, faire fonctionner leur activité…).


C’est ce que l’on appelle “casser le marché“, et si ce phénomène n’est pas spécifique à la photographie, notre discipline en est particulièrement touchée à cause (ou grâce !) à sa démocratisation grandissante.
Et, parfois, cela me donne l’impression qu’Internet est la plateforme rêvée pour les profiteurs qui souhaitent obtenir de la matière à bas prix en exploitant les amateurs ! Combien de sites ont cette pratique comme fond de commerce ?!!

Cela dit, si un amateur vend une photo de manière légale (déclarée), au tarif en vigueur à un client que j’aurais pu avoir, eh bien c’est que son image est meilleure que la mienne ! C’est de la concurrence loyale !
Si son travail a davantage convaincu que le mien, tant mieux pour lui. Je ne peux donc m’en prendre qu’à moi-même !

 

UN MANQUE D’HUMILITE ?

Vient parasiter quelque peu cette déclaration un autre élément majeur de notre profession : le réseau, le contact… sans doute devrais-je dire le piston ! Cela influe beaucoup sur le choix du prestataire, souvent davantage que la qualité du travail présenté…
C’est, en effet, bien souvent, le pistonné sans talent (qu’il soit pro ou non) qui obtient le job car les entreprises ont la flemme de chercher un bon professionnel… Elles négligent l’impact d’une bonne photo.
C’est celui qui est là au bon moment, qui connait untel, ou, même, qui est meilleur commercialement (mais pas forcément photographiquement) qui remporte le marché.

A ce niveau, il me semble que certains amateurs manquent cruellement d’humilité… (eh bien, j’avais dit que chacun allait en prendre pour son grade ! ;) ) Souvent, ce sont eux qui ont le bon contact, et quand on leur parle d’un besoin en photographies, il y a cette petite jalousie enfouie qui ressort, cette envie de faire les photos qui écrase le reste et qui les poussent à se proposer eux-même.

Je ne dis pas que tous les amateurs qui se proposent pour une prestation photographique ont tort de le faire !
Simplement, prendre un engagement professionnel (ou même proposer ses photos gratuitement à quelqu’un qui en a besoin pour faire sa promotion), cela ne se fait pas à la légère.
Il faudrait plus souvent se poser la question par deux fois avant de foncer tête baissée dans une prise de vue que l’on ne saura pas gérer. Je trouve cela réellement choquant de retrouver ces amateurs inconscients paniqués sur les forums photo et qui demandent des conseils pour ne pas perdre la face dans la prestation qu’on leur a confiée…
Est-ce aux amateurs compétents ou aux professionnels de passer du temps à aider ceux qui ont accepté inconsidérément une prise de vue ? Bien sûr que non !

Pour moi, il faut faire les choses dans le bon ordre. Apprendre, s’entraîner, évoluer en photographie (en demandant des conseils sur un forum si on le souhaite…) PUIS accepter une prise de vue SI l’on s’en sent capable !
Internet n’est pas le manuel du faux professionnel en tout ! (J’ai eu l’occasion de constater que ce problème survenait également dans d’autres professions)

Personnellement, cela m’est arrivé de refuser des prestations qui ne me correspondait pas même si mon statut de professionnel implique que toute somme gagnée est bonne à prendre…
Ainsi, si je dis que certains amateurs manquent d’humilité, c’est qu’il serait bon, je crois, que les véritables amateurs de photos contribuent à améliorer la qualité des photographies sur le marché en conseillant, parfois, un très bon professionnel de leur connaissance, plutôt qu’en gardant jalousement leurs «plans photo».

 

LES COMPETENCES DES PROFESSIONNELS

Comme je le disais précédemment, le professionnel n’est pas seulement celui qui fait la plus belle photo.

Son travail consiste, le plus souvent, à créer un bon outil de communication.
Il doit donc concilier l’aspect descriptif et commercial avec une démarche artistique, la recherche d’une originalité.

Le photographe professionnel est au service d’un client, d’un produit (ce peut être un lieu, un objet, une manifestation).
A lui de proposer une mise en valeur de ce produit tout en sachant aller au delà…

Car le bon photographe professionnel se doit, selon moi, d’avoir sa patte et de promouvoir une marque, un édifice, avec personnalité.

 

Voilà quelques raisons pour lesquelles, souvent, l’amateur aurait intérêt à orienter son contact vers un professionnel :

 

- La disponibilité.
C’est une lapalissade : pour le pro, la photo, c’est son boulot !
Une prestation commandée est donc prioritaire et peu de contraintes viennent interférer avec la prise de vue. Ainsi, il pourra se déplacer à l’horaire qui convient le mieux au client, qui lui donnera la meilleure lumière.
Il pourra livrer le travail dans un délai plus court que l’amateur qui doit concilier cela avec ses 35 heures + sa vie de famille.

- Le respect des exigences.
On peut exiger davantage de choses d’un professionnel que d’un amateur. On peut presque tout exiger de lui en fait. Le pro est habitué à gérer les contraintes, à proposer plusieurs options à ses clients.
On peut exiger de lui un délai court, une discrétion exemplaire, une réceptivité et une écoute accrues, etc.
Car c’est cela le professionnalisme !

- La neutralité.
Si l’on peut tout exiger d’un professionnel, c’est aussi que l’affectif n’interfère pas dans sa relation au client.
La personne qui embauche son cousin amateur peut vite avoir des scrupules à lui imposer des exigences, voire à lui reprocher la mauvaise qualité de ses photographies.
Quand on achète à prix bradé à une connaissance, il y a une contrepartie : on se contente de ce que la personne sait faire et veut bien réaliser pour le prix indiqué…
Ce n’est pas le cas avec un professionnel.

- L’expérience.
Plus j’avance dans mon métier et plus je me rends compte que le rapport au client est un aspect réellement essentiel de notre travail.
J’ai appris, par expérience, qu’il fallait, dans la plupart des cas aller plus loin que ce que le client demande (après tout, c’est nous les photographes ! Eux ne savent pas forcément ce qu’ils peuvent obtenir comme résultat optimal!). Il faut parfois savoir désobéir au client pour le satisfaire pleinement (aussi paradoxal que cela puisse paraître), être autonome, proposer, s’imposer parfois.
On est assez loin, finalement, de la problématique de faire la photo réussie que le client semble attendre !

 

Bien entendu, cet ensemble de points n’est pas exhaustif, et ne constitue pas, je le rappelle, une manière de discréditer les amateurs.

Mais, si dans certains cas, on demande à un pote de nous ouvrir le capot, dans d’autres cas (en fonction du problème rencontré, du véhicule en jeu…) on préfère amplement amener notre véhicule au garage. C’est une sécurité.
De même, il n’est pas recommandé de se soigner seul avec quelques médicaments traînant dans notre armoire à pharmacie, ou de suivre les conseils de n’importe qui à ce sujet…
Et si la photographie n’est pas une discipline vitale comme la médecine ou la mécanique, on comprend sans peine qu’une communication ratée peut avoir des conséquences assez désastreuses sur l’avenir d’une entreprise…
Ou d’un particulier d’ailleurs… (j’ai entendu des histoires à pleurer sur des soi-disant photographes de mariage… c’est bien triste de prendre ainsi à la légère un événement dont les gens souhaitent tant garder de souvenirs…).

 

En guise d’illustration, quelques photographies réalisées malgré certaines contraintes clients, ou démontrant la nécessité d’outrepasser parfois sa demande.

 

VIVRE DE LA PHOTOGRAPHIE

C’est le fait de vouloir vivre de la photographie qui fait la différence entre l’amateur et le professionnel…
Je dirais même plus, une fois qu’il en a fait le choix, il ne s’agit plus vraiment de «vouloir», le professionnel DOIT vivre de la photographie.
Or, c’est vrai que ce n’est pas une sinécure !

Sans m’étendre trop longuement sur ce point, je dirais que même si, en théorie, je ne souhaite pas voir d’un mauvais oeil les amateurs qui arrondissent leurs fins de mois en faisant des photos, je ne peux m’empêcher de penser, aux périodes de baisse de régime et de découragement, qu’il s’agit là, forcément, de contrats perdus pour ceux qui ont bien du mal à obtenir un revenu correct de la photographie…
De plus, les semi-pros ont un avantage redoutable : ils sont dans la vie active. Ils bénéficient des contacts créés par leur autre boulot, et ont une vie sociale souvent bien plus développée que celles des photographes pros qui vivent parfois, il faut bien le dire, trop retranchés sur leurs images.

Souvent, les gens ont l’impression que la photographie, c’est gratuit !
Eh bien oui, à l’ère du numérique, cela ne coûte rien, parait-il !
Faites le compte du coût de votre matériel photo, boîtier, objectifs, sac, cartes mémoire, matériel informatique, connexion internet rapide, frais kilométriques, temps passé… et redemandez-vous à nouveau si la photo ne coûte rien !

Alors, en effet (et d’autres en ont parlé plus longuement que moi), gagner moins d’1€ pour une photo dans ce que l’on appelle les microstocks, c’est absolument intolérable. Car on ne peut pas vivre de cette manière.
Le beurre dans les épinards des uns risque fort de conduire les autres à «patates sans beurre tous les jours»…
Ce n’est pas parce que j’aime faire des gâteaux sur mon temps de loisir que je les vends à 10 centimes à mes voisins de palier pour me faire plaisir, me faire connaître tout en concurrençant mon pâtissier !

Pour conclure ce passage épineux, amateurs, vendez vos photos et vos prestations si vous le souhaitez… c’est votre droit le plus strict. Mais vendez-le au prix du marché, renseignez vous !
Ne laissez-pas le client fixer son prix en vous faisant croire que 50€, c’est très généreux pour le reportage complet qu’ils vont utilisez à tort et à travers pour des utilisations commerciales ! (pour infos, mes tarifs sont consultables ici… cela peut déjà donner quelques ordres de grandeur même si chacun voit midi à sa porte.)

MÊME COMBAT ? QUEL COMBAT ?

Ainsi, si j’ai intitulé cet article «photographes professionnels et amateurs, même combat», c’est que malgré nos différences, nous avons tous à coeur, je pense, de promouvoir la photographie.

Loin d’être en opposition, nous nous devons, même, de collaborer pour défendre nos images, les faire respecter; pour défendre, aussi, la photographie comme un moyen d’expression et non comme une technique d’illustration facile !

C’est pour cette raison que je déclare : photographes amateurs et professionnels, même combat:
le respect de nos images.

Ce respect passe par une prise de conscience du travail effectué (il ne suffit PAS d’appuyer sur le bouton ! Ce n’est pas gratuit !), une acceptation mutuelle de la démarche de chacun, et le maintien d’une qualité haute des productions photographiques.

Face à la quantité gigantesque d’images qui nous inonde chaque jour, essayons de répondre par la qualité ; dans les images que nous faisons mais aussi dans les images que nous utilisons.
Ne faisons pas comme ces magazine photo qui illustrent certaines parties de leur magazine avec des images de microstocks achetées à bas prix ! Soyons fermes et cohérents !

A nous de respecter nos propres images en défendant nos droits patrimoniaux (une rémunération correcte) et moraux (le respect de la photographie et la mention du nom de son auteur).
A nous d’oeuvrer pour que l’on respecte à nouveau nos photographies, que l’on soit professionnel ou amateur.

Comme vous le savez, je suis une fervente amatrice de forts contrastes…

J’aime l’esthétique que cela crée, le renforcement des formes graphiques, la densités des ombres, la manière dont l’obscurité met en valeur les zones lumineuses.
Il me semble que le contraste donne une profondeur à l’image, que l’ambiance s’en trouve renforcée.

Mais il y a un hic dans cette histoire d’ambiance…
Le noir dramatise l’image.
La voilà donc renforcée, oui, mais presque toujours de sensations négatives.

 

Comme je le rappelais dans un article précédent, il est vrai que les photos très contrastées , surtout plongées dans des densités sombres, peuvent facilement véhiculer une certaine angoisse…
Et certains d’entre vous ont du mal à apprivoiser, je crois, le côté glauque de certaines images, que j’ai tendance à ignorer face à ce rendu dont j’aime l’esthétique…

Vous trouverez sans doute une certaine naïveté dans mon insistance à m’étonner que la photo ci-contre vous fasse davantage craindre les cauchemars que vous languir d’avance d’une bonne nuit de sommeil !
J’avoue que, comme j’aime l’ambiance de cette image, j’y trouve un sentiment positif. L’attirance que j’ai pour cette ambiance contrebalance, pour moi, l’ambiance glauque qui s’en dégage…

Cela me gêne, tout de même, de vous proposer des visuels propices aux cauchemars, moi qui suis si optimiste, bon-enfant de nature ! Surtout, n’y voyez aucune tendance gothique ou morbide !

Le noir m’a toujours attiré en photographie… Je répétais avec humour que les photographes avaient « peur du noir » !… Et c’est vrai !
La sous-exposition traumatise mes collègues, obnubilés par le besoin d’avoir du détail partout. J’ai bien l’impression que le noir est considéré comme une faiblesse technique par beaucoup d’entre nous.
Pour moi, cela a toujours été l’inverse… Je me rappelle d’une photographie de spectacle représentant une danseuse noire en clair-obscur… cette image devait bien contenir du noir pur sur 90% de sa superficie … et on me l’a souvent reproché !

Mais la problématique n’est pas là ; elle est au niveau de l’ambiance.

Je regrette que cette profondeur dans l’image, cette intensité, ne puisse pas servir d’autres émotions que l’angoisse…
Ne pourrait-on pas trouver une autre expressivité dans ce fort contraste ?

Y aurait-il une caractéristique que l’on pourrait travailler, et qui contrebalancerait l’agressivité du sombre afin d’obtenir une image résultante qui véhiculerait des émotions plus paisibles ?

Pensez-vous que la couleur puisse équilibrer la prédominance du noir pour donner une atmosphère plus sereine ? En pastel, ou en teintes vives, peut-être pourrait-elle dédramatiser le fort contraste ?

Le sujet lui-même peut-il avoir une influence sur notre ressenti du contraste ?
Y a t’il d’autres paramètres sur lesquels je puisse jouer pour modifier notre perception de l’image, notre émotion en la découvrant ?

En voilà encore un sujet passionant !…
J’attends avec impatience vos réactions pour enrichir ma réflexion et faire décanter tout cela !

De mon lieu de prise de vue de jeudi dernier, je ne peux malheureusement pas encore vous présenter les images… mais cet endroit m’a enchanté, de sa rivière brumeuse… à ses vestiaires !
Cet effet « ombres et lumières« , le graphisme des cintres m’ont donné envie de déclencher.

Cette photo n’a rien d’exceptionnel mais me donne l’occasion de vous confesser… mes obsessions graphiques !!
Je ne sais pas si vous ressentez également ce genre de choses mais, personnellement, j’ai remarqué que certaines formes m’attirent. Certains objets insignifiants ont l’air de trouver grâce à mon oeil plus que d’autres sans que je puisse réllement expliquer ce qui en fait l’intérêt.
Les cintres en font partie, tout comme les pinces à linge, les fourchettes… les ombres de vélo aussi…
(J’entends des rires dans l’assistance !… Soyez indulgents quant à mes folies douces !!)

De même, en milieu urbain, les cheminées et réverbères créent des lignes graphiques qui m’ont toujours plu et inspirée.
Se détachant sur le ciel, au relief changeant selon le point de vue, créant aussi des ombres troublantes, projections virtuelles au coeur de la ville, ce sont des éléments qui, bien que peu intéressants sémantiquement, ont souvent eu ma préférence photographique.

Les nuages font également partie de mes péchés mignons, apportant leur liberté de forme et leur aspect vaporeux, indictinct en opposition aux lignes fortes de notre décor urbain.

Il est vrai que, même si j’en reviens un peu à présent, j’ai toujours été plus intéressée par le graphisme de l’image, son aspect esthétique brut que par l’éventuel message que celle-ci pouvait véhiculer…

Dans certaines images, les deux approches se combinent… ce sont les plus fortes, les plus réussies bien sûr !
Certains de ces objets qui m’attirent graphiquement ont également un sens fort, ce qui leur donne un intérêt double dans mes images.
Parapluies, panneaux de signalisation, balais, clés associent impact graphique et symbolique… que demander de plus ?

Cette présentation est loin d’être exhaustive mais présente déjà quelques unes de mes attirances graphiques les plus caractéristiques…

Et vous, avez-vous également des « obsessions graphiques » ? Certaines lignes, certains objets attirent-ils votre regard en priorité ?
Je ne parle bien sûr pas de centres d’intérêt photographiques, ou de thèmes récurrents, mais bien d’éléments qui vous plaisent par leur forme, leur aspect visuel, sans que cela soit forcément relié à une envie d’exprimer quelque chose par leur intermédiaire…

Révélez-nous vos attirances graphiques ! ;)

Voilà une photographie qui me trouble et me plait à la fois…
… parce qu’elle me semble pouvoir s’inscrire dans la lignée des photographies humanistes de l’après-guerre…
… parce qu’elle semble réellement d’un autre temps…
… parce que j’ai vaincu ma timidité pour me confronter aux gens et affronter ce regard.

Pour toutes ces raisons, j’ai souhaité me replonger dans l’atmosphère intemporelle de ce passage parisien et traiter cette image en noir et blanc.

Le vélo, mode de transport qui a traversé les âges… Le clodo, assis devant l’enseigne « hôtel », le vieux mec fumant sa clope du bout des lèvres à la porte du café, le passant, ignorant ce qui se trame dans son long manteau de cuir…
Hum !… Nous sommes en 2008, c’est ça ?!!

Même à moi, il me semble incroyable que cette photo date d’il y a quelques semaines à peine.

La photographie humaniste est réellement mythique…
Devant ce genre de photo, on pense Boubat, Doisneau, Brassai, et on irait bien passer la soirée dans un bal musette… On rêve de rues pavées et de gosses en vadrouille, insouciants et polissons…

La photographie humaniste, n’est-elle pas l’un des plus grands regrets de ce début de XXIème siècle ?
Un âge d’or, pour la photographie, révolu.
Un essor, pour la photographie, fauché en plein vol par la banalisation de l’image et le droit, à l’image, justement, qui nous empêche, si ce n’est d’en faire, tout du moins de les montrer…

C’est toute cette nostalgie que je ressens dans cette photographie…
Au delà du sujet lui-même, des protagonistes, du contexte, c’est le style même de cette image qui nous parle, que l’on soit photographe ou amateur de photographie…

NB : A lire pour se cultiver sur le sujet : le dossier « La photographie humaniste » sur le site de la BNF.

Les deux derniers chèques (chouette !) que j’ai reçus par la poste montrent à quel point mes clients (bénis soient-ils !) ont le sens de l’humour, de l’à propos, le souci du petit détail qui fait tout !
Ou est-ce que le hasard essaie de me dire quelque chose ?! ;)

les deux timbres, utilisés pour un envoi de chèquen’ont pas manqué de me faire sourire !

D’ailleurs, je me rends compte à l’instant qu’en ce qui concerne Garfield, la bonne nouvelle ne correspond pas seulement au chèque !… le timbre n’est pas oblitéré ! (Mais comme vous pourrez le remarquer, la seconde enveloppe est oblitérée 2 fois … comme pour compenser !… bizarre autant qu’étraaange !)

 

NB : Mon adresse postale n’étant nullement confidentielle (elle est d’ailleurs indiquée dans l’onglet « Références » de ce site), j’accepte avec plaisir les cartes d’anniversaire et de voeux, les petits mots gentils, et les chèques de nouveaux clients …!!! :p

Je les croise en soirée, alors que j’ai l’appareil à la main pour quelques photos détente, ou dans le cadre de mon travail, alors que je travaille sur les images que je dois fournir à mon client.
Et, systématiquement, ils se disent que c’est la bonne occasion d’avoir un petit portrait à moindre frais (que dis-je ?! gratos !). Ou une photo en compagnie de …

Ils sont amis du producteur, conseillers municipaux, animateurs, lointain cousin de le belle-soeur de l’artiste … et ça, forcément, ça justifie une photo. D’autant plus que le message sous-jacent n’est ni plus ni moins que : “comme je connais un peu untel, que je suis vaguement dans la place, que j’ai un léger second rôle dans l’histoire, peut-être qu’en me filant une photo, tu accéderas à l’opportunité suprême de ta carrière ! … qui sait ?!”.

Ah la belle affaire ! Bien sûr, cela m’arrive fréquemment d’offrir une photo, à des amis, des gens qui m’ont rendu service.
Mais donner, d’abord, pour, peut-être, entrevoir un quelconque avantage … supposé , c’est un beau miroir aux alouettes !

Cependant, tout est dans le non-dit, l’attitude… Le profiteur est plutôt séducteur / enjôleur, c’est un spécialiste du genre.
Parfois, même, il m’achètera la photo bien sûr ! Je ne sais pas à quel montant fictif cette affirmation se réfère, mais je n’ose pas penser à la valeur qu’ils donnent à une production photographique quelle qu’elle soit … Vu les réactions qui suivent la présentation de mes tarifs en tirages numérotés signés, voire la facture quand ils n’ont pas lu le mail qui la précède … cela doit flirter avec le 1€ symbolique !

Du coup, je suis pleine aux as de cartes de visites (non, j’exagère ! le monde n’est pas rempli que de profiteurs, heureusement !), qui ne me serviront jamais à « élargir mon réseau », comme on dit !
Généralement, les profiteurs n’oublient pas ce qu’ils espèrent avoir et sont assez pressés.
Le mail que je reçois ne rappelle pas à quel point ils ont été ravis de me rencontrer (un peu de politesse, même hypocrite, que diable !), ne prend pas de mes nouvelles ni ne s’intéresse à mon travail, mais réclame : “tu penses à ma photo ?”.

Est-ce que quand vous rencontrez un cuisto dans une soirée, vous lui demandez quand est-ce qu’il passe chez vous pour préparer le repas ? Est-ce qu’un journaliste vous écrit gratos une petite bafouille à mettre en ligne sur votre site perso ?
Est-ce que vous réclamez de but en blanc à une styliste rencontrée par hasard des conseils sur votre tenue vestimentaire ?
Cela m’étonnerait !

Eh bien, pour la photo, c’est pareil !

Je dois être trop peu altruiste et pas assez désintéressée mais je n’offre pas le fruit de mon travail, je ne brade pas mon gagne-pain au premier venu.
J’aime faire des photos en dehors des commandes sur lesquelles je travaille, j’aime les montrer et en faire profiter les autres. Mais faire une photo spécifiquement pour un inconnu et lui fournir un fichier post-traité, c’est un travail qui se doit d’être rémunéré. Et lorsqu’une de mes photos est utilisée pour faire la promotion de quelqu’un ou de quelque chose, sa fonction est publicitaire, et le nom parfois indiqué près de l’image ne suffit pas à en faire un échange de bons procédés. Sinon, tout le monde travaillerait pour la gloire ! Qu’on se le dise !

N’en déplaise aux profiteurs !

 

NB : Et comme ceci est un billet d’humeur, je l’illustre avec des photos qui font peeeeeeur !
N’hésitez pas à cliquer sur les miniatures pour vous faire une plus GRAAAANDE frayeur !!!

“Photographie”, voilà sous quel terme je crée, que ce soit professionnellement ou personnellement… Que ce soit pour réaliser une image “papier glacé” ou une ambiance texturée ! Qu’il s’agisse de ma photo brute de capteur ou de ma production finale…
C’est également sous ce terme que mes voisins immortalisent leurs anniversaires, que Man Ray a créé sa femme violon, que Robert Capa a saisi les images d’archives irremplaçables du Débarquement…

La “photographie” est, comme c’est le cas pour de nombreuses mots de la langue française, le nom d’une discipline et de ce qui en résulte…

Derrière ce mot, “photographie” se cachent toute une diversité de rendus, d’expressions, d’intentions.

Dans d’autres domaines, des distinctions se sont créées.
Littérature, poésie, théâtre, journalisme pour ces moyens d’expressions qui se servent des mots.
Peinture, dessin, croquis, illustration pour ces évocations picturales, par le trait, la couleur, la matière.

Mais “photographie” est un terme galvaudé, utilisé à tort et à travers pour tant d’utilisations différentes qu’il semble en avoir perdu tous ses titres de noblesse.
A l’ère du numérique, la “photographie” est un acte facile … même notre téléphone sait le faire ! Puisque l’on appelle “photo” les bouilles floues, déformées par le grand angle, d’une couleur douteuse de nos potes en soirée, comment pourrait-on encore penser que la “photo” peut s’exposer dans les musées ?!

Bien sûr, cette position peut sembler un peu provocatrice, et mon argumentation un chipotage un peu futile. Mais la richesse du vocabulaire n’est pas aussi anodine qu’on pourrait le croire !
Des mots différents, cela permet de faire des distinctions, d’apporter des informations, de structurer les choses dans la réalité.

L’art des images ne manquerait-il pas de vocabulaire ?!

Alors, les compléments du noms, adjectifs et autres qualificatifs vont bon train : on fait tantôt de le photo de mode, de la photo de paysage, du photojournalisme, de la photo souvenir … mais le qualificatif lui-même est souvent difficile à trouver, réducteur et relatif au sujet, mais jamais à l’intention, au niveau créatif, au rendu.

De plus, se trouver un nom qui convient pose parfois problème. Faire de la “photo artistique”, par exemple, cela ne semble-t-il pas, à cause de cette appellation un peu pompeuse, l’acte d’une personne à l’orgueil surdimensionné qui imagine déjà ses oeuvres sur les cimaises d’un musée ?

Et n’utiliser que ce terme nu “photo”, nous donne bien souvent l’impression de dévaloriser notre travail…
Une abréviation, qui plus est, cela peut-il désigner une discipline artistique honorable ?!

La “photographie” est totalement rentrée dans les moeurs, elle s’est formidablement démocratisée, et c’est, bien sûr, une chance!
La photo est à la portée de tous, de 2 à 177 ans, toutes catégories sociales confondues !

Et pourtant, nous ne faisons pas tous les mêmes images !

Seul garde un peu de cachet le terme “photographe”, utilisé comme la dénomination d’un métier, sous peine de se voir accoler un encombrant “amateur” qui nous ramène à la case départ.
La distinction se fait donc sur la fonction et non sur la qualité des images.
Le spécialiste des packshots de supermarchés a droit à sa dénomination, quand Elena, yann, Jerry, aux quatre coins du monde, postant leurs images sur flickr ne peuvent pas réellement l’utiliser … Ils « font de la photo »…

Alors que doit-on dire quand on fait de bonnes photographies, des vraies ?!
Ou devrait-on trouver un autre terme pour les images qui nous passent continuellement devant les yeux sans attirer notre regard ?

Cet après-midi, j’ai retrouvé avec plaisir L’Hôtel. Ses tissus, ses couleurs, ses ambiances … ses losanges !

Depuis maintenant 3 ans, je photographie L’Hôtel sous toutes ses coutures (et dans toutes ses encoignures).
Chaque fois, un nouveau plat à la carte du Restaurant, une chambre rénovée, un nouvel angle de vue du bar me permettent de faire de nouvelles images, de retranscrire d’autres ambiances, feutrées ou gourmandes.

En parallèle de ma prise de vue « officielle », j’ai réalisé cet autoportrait au losange.
Cette photo m’amuse car son traitement noir et blanc ainsi que l’effet sur la vitre évoquent une atmosphère totalement différente de celle de L’Hôtel. Seul le losange est caractéristique du lieu et lui donne un côté assez chic!

Dans quelques jours, je vous présenterai certaines des photographies tirées de cette prise de vue !
En attendant, n’hésitez pas à découvrir ou redécouvrir d’anciennes images de L’Hôtel sur leur site internet ou par l’intermédiaire du tag correspondant sur « Au Présent du Subjectif ». (vous y trouverez sans doute d’autres losanges !!)

J’aimerais pouvoir vous montrer des photos tous les jours, toutes plus recherchées les unes que les autres, mais le métier de photographe n’est – malheureusement – pas fait que d’images et d’eau fraîche.
Devis, factures, compta, frais professionnels, déclarations … l’administratif prend une bonne place dans notre emploi du temps, ce qui est souvent frustrant …

Je me disais il y a quelques jours, remplissant mon cahier de frais professionnels : « Cela me rappelle l’époque où je faisais des cahiers secrets ! » … Traduisez « une sorte de journal intime illustré » dans lequel il était de bon ton de coller tickets de métro, billets d’entrées et autres pièces à conviction souvenir…
Cependant, le cahier de frais professionnels met davantage d’accent sur la dépense que sur le plaisir de l’achat ou le souvenir ! La démarche perd alors son côté pittoresque et se range directement dans la catégorie : « galères administratives« …

Il faut dire que j’ai la charmante obligation d’envoyer dans les jours qui viennent la N° 3514 K (quel petit nom charmant !!), autrement dit la déclaration de TVA.

Sur ces considérations purement désagréables et terre à terre, je vous souhaite tout de même une très bonne journée !

On aurait dit une Oeuvre d’Art Comtemporain … A l’air libre, posée là, perdue dans le décor…
Ce fauteuil vide au coussin un peu de biais, ce rayon de lumière diagonal en guise de projecteur…
Un instant de grâce ?! Encore ?!

Cette évocation à l’Art Contemporain me fait rire : on pose un objet, une lumière dans musée, on y colle un concept et le tour est joué.

Moi je dis que le hasard est un artiste contemporain !
Celui qui sait voir, adapter, comprendre ses signes est lui-même artiste au service de l’artiste. Tout comme la voix est au service de la musique. Le hasard se découvre et s’interprète.

Le photographe a la chance de pouvoir choisir sa dominante : plutôt récepteur ou plutôt créateur …
Et bien souvent les deux !
J’aime ne partir de rien, photographier un bout de ficelle ou une craquelure dans le goudron…
J’aime aussi ces cadeaux du hasard, quand soudain tout semble tellement simple …!
Car je sais que le hasard ne se livre qu’à l’attention, au lâcher prise, à l’inspiration, l’imagination…
Les oracles ne s’imposent qu’aux devins !

Ce savant mélange d’humilité et de fierté … cela nous mène bien loin de l’Art Contemporain !

J’ai découvert il y a quelques jours, « La cité des enfants perdus » que je n’avais (shame on me !) pas encore vu. Et, décidément, certains films sont visuellement aussi riches qu’une suite de photographies en mouvement…

Scotchée devant mon écran, j’ai nourri mon oeil de photographe (le gauche !) de ces images décidément parfaites, et aux superbes ambiances.
Cadrages, lumière, composition, tout y est !

Marc Caro et Jean-Pierre Jeunet, photographes ? Eh ! Pourquoi pas ?

Il est vrai que, dans un film, les situations sont créées, scénarisées, le décor et les acteurs ne sont pas là par hasard. Mais certains photographes actuels ne travaillent-ils pas quasiment de cette manière ?
Cela enlève-t-il un quelconque mérite à l’image qui en résulte ? Je ne le crois pas…
N’est-ce pas le propre de tout artiste que de nous faire croire à ce qui s’échappe de son imagination, par son talent d’expression ?
Seul le résultat compte !

Revenons au cinéma… Dans certains longs métrages, la beauté de chaque image nous trouble, au delà de l’histoire…

J’ai vécu le film de Caro et Jeunet en tant que photographe. Je me suis régalée de cette association rouge/vert tout au long du film, de cette brillance dans les décors, de cette atmosphère tout en clairs obscurs…
Les cadrages, les compositions ont apprivoisé, que dis-je, dompté mon oeil à la première seconde, comme le style d’un grand écrivain envoûte tout amateur de mots.

Les deux différences majeures, il me semble, entre cinéma et photographie, mis à part le mouvement car cela va sans dire, c’est le cadrage horizontal obligatoire pour les réalisateurs, et les compositions légèrement plus centrées au cinéma.

Je ne sais pas si les réalisateurs pensent « photographie » lorsqu’ils réalisent ce genre de film, mais je crois que les photographes devraient davantage se laisser guider par le cinéma lors de leurs prises de vue.
Ce qui fait le caractère merveilleux d’un film est-il présent sur les bobines brutes que recrache la camera? Le décor est-il aussi féerique ? L’acteur aussi crédible ?
Cela m’étonnerait!

C’est tout le travail de montage, les effets spéciaux, le travail des couleurs, des contrastes qui permet que le film soit une porte vers le rêve !
Quelle imagination doivent déployer les réalisateurs pour prévoir minutieusement tous les éléments qui feront que ces simples images captées véhiculeront tant de magie !
Ne sommes-nous pas capables d’en faire autant ?

Je crois que, bien souvent, les photographes manquent cruellement d’imagination …
La majorité d’entre nous ne se cantonne-t-elle pas au documentaire ? Ne sommes-nous pas au niveau artistique d’un reportage télévisé quand nous pourrions réaliser des images dignes d’un Spielberg ?!

Fichtre ! Ce genre d’affirmation risque de me créer bien des ennemis !!
Heureusement, certains cinéastes se surpassent pour faire des navets, et quelques photographes ont la liberté d’esprit et le talent de nous faire voyager par leurs images au delà de visions documentaires !

Personnellement, je ressens très fortement, ces temps-ci, une envie d’imaginaire, une recherche d’ambiances littéraires ou cinématographiques.

Et finalement, je me rends compte qu’il n’est pas si difficile de s’imaginer au Moyen Âge devant un bâtiment plein de gargouilles, d’évoquer le désert lors d’une balade sur la plage, de se croire dans un tout autre lieu, à une toute autre époque, dans une situation qui ne pourrait absolument jamais nous arriver !

Bien sûr, le fait de vouloir évoquer le réel ou la fiction dans ses images est un choix, et, dans cette alternative, l’un des extrêmes n’est pas plus honorable que l’autre !

Mais il est regrettable et réducteur que la photographie soit considérée, aujourd’hui encore, dans la majeure partie des cas, comme un simple outil de témoignage, une technique d’illustration facile, un medium à l’intérêt purement documentaire.

L’art photographique a encore de beaux jours devant lui pour se développer, et revendiquer son existence !

LE TRUC DU JOUR POUR EXERCER VOTRE OEIL !

Nos coffrets DVD, notre bibliothèque de bons films sont une mine d’or que nous n’exploitons pas suffisamment pour réveiller notre inspiration !
Je vous propose, à l’occasion de cet article, un petit exercice d’ « instant décisif ».

Commencez par trouver un plan à caméra fixe. La photographie est cadrée.
Il ne nous reste plus qu’à gérer les déplacements des protagonistes dans l’image, à ouvrir l’oeil et … à déclencher !

Le challenge est le suivant : définir, pour ce plan, quelle est LA photo qu’il aurait fallut faire, sentir l’instant décisif, le moment où le cadre est rempli de manière la plus harmonieuse et signifiante.
Finalement, il s’agit de réduire une séquence cinématographique en une image !
A vos « boutons pause » !!

Par la suite, vous pourrez également essayer de réaliser une « capture photographique » lors de séquences plus complexes, où les mouvements de cameras se combinent aux mouvements des acteurs dans la cadre.
Contrairement aux déclenchements que nous réalisons dans la « vraie vie », il est ici possible de faire marche arrière, d’observer les mouvements plusieurs fois … une bonne manière d’exercer son oeil !

Petit jeu bonus :
Saurez-vous retrouver de quels films sont tirées les « captures photographiques » qui illustrent cet article ?
Pour la majorité, cela ne devrait pas poser de gros soucis !!

Pensez, par la même occasion à détailler les compositions, la manière dont sont placés les éléments, le travail des couleurs, la création des ambiances … c’est absolument passionnant !

Remarque : les images sont cliquables, n’hésitez pas à agrandir les captures !